Barokkmusikk
.jpg)
Barokkmusikk , også kjent som den fullbaserte tidsalderen , er en periode i tilfeldig kunstmusikk som følger etter musikken fra renessansen og strekker seg fra begynnelsen av det 17. til rundt midten av 1700-tallet. I dag er det en del av tidlig musikk .
Begynnelsen på den musikalske barokken er preget av introduksjonen av den antatte bassen i Claudio Monteverdis komposisjoner . Bruken av kontinuerlig bass karakteriserer barokkmusikk så vel som musikken fra den påfølgende overgangsperioden, rokoko . En mulig ytterligere underavdeling, som bare kan betraktes som omtrentlig, er:
- Tidlig barokk (rundt 1600 til 1650), under italiensk dominans;
- Høy barokk (rundt 1650 til 1710), med betydelig fransk innflytelse;
- Sen barokk (rundt 1710 til 1750), med en tendens til å kombinere regionale stiler.
Johann Sebastian Bach og Georg Friedrich Händel blir ofte sett på som fullførere av den musikalske barokken. Den såkalte sensitive stil etablert seg blant de Bach sønner og deres sirkel så tidlig som på 1730-tallet , som går fra pre-klassiske perioden av den Heim skole til wiener Classic med Joseph Haydn og Wolfgang Amadeus Mozart .
karakterisering
Kjennetegn som dukker opp på begynnelsen av 1600-tallet, og som kan betraktes som begynnelsen på en ny musikalsk tidsalder, er, foruten den figurerte basen, monodien (solostemme eller instrumental del med akkompagnement) og den nyopprettede sjangeren opera og senere instrumental konsert og oratorium .
Komposisjonsteknikker
form
I barokkperioden frigjorde instrumental musikk - tidligere strengt knyttet til sang - seg selv. Dette kan sees i konsertantprinsippet , det bevegelige samarbeidet og kvasikonkurransen av stemmer (vokal så vel som instrumental). Denne utviklingen ble begunstiget av innovasjoner innen instrumentproduksjon, ved utskrift av musikk og av adelen og borgerskapet som bestilte komposisjoner. Resultatet var Concerto grosso , som beskriver vekslingen mellom en konsertsologruppe ( Concertino ) og et orkester ( Tutti , Ripieno ). I stedet for gruppen av solister dukker det opp en enkelt solist i solokonserten. Andre musikalske former som utviklet seg i barokktiden var for eksempel suiten , fuga , sonata , kantate og oratorium .
Opera var veldig viktig på 1700-tallet. På den ene siden tjente de for hofflig representasjon, på den andre siden var de - spesielt i Venezia, hvor det var mange offentlige operaselskaper - et slags populært skuespill. I Italia var det vanlig å innlemme kjente arier i nye operaer. Da de ble fremført på nytt, ble operaer ofte tilpasset sangere og deler ble utvekslet. Slik ble såkalte pasticci til . Spesielt i Frankrike ble de instrumentale mellomspillene brukt til å sette sammen suiter som var mye brukt.
Uttrykk
Det musikalske språket og melodien var basert på et rikt system med karakterer som tilsvarte en musikalsk retorikk og var knyttet til " affekter ", det vil si prøvde å vise menneskelige sinnstilstander. Den kromatisk synkende basslinjen ( passus duriusculus ), som ofte ble brukt når et klagesang måtte komponeres, er bare ett av mange mulige eksempler .
Spesielt i den tidlige barokkperioden ble det venetianske flerkoret - som lagde musikk med tanke på romlig fordeling - videreført.
struktur
Polyfonien som ble opprettet i middelalderen og ble perfeksjonert i renessansen , dvs. lyden av uavhengig styrte melodilinjer, ble mye brukt i barokken. Denne polyfoniske strukturen ble ofte komponert i etterligning , for eksempel i fuguer . Den antatte bassen ble vanligvis lagt til melodistemmene som harmonisk støtte.
Hele konsert bevegelsen var åpningen motiv påvirket melodically og rytmisk; Tuttis ritornelle strukturerte den samlede prosessen. En konstant repetisjon av rytmiske og melodiske små motiver (motoriske ferdigheter) førte til en fast rekkefølge av stress og aksentstruktur. Cadenzas fungerte som karakteristiske siste vendinger til den formelle strukturen og avgrensningen av klare nøkkelområder (store og mindre nøkler) .
Lydteori
Barokkmusikk ble formet av utforskningen av kromatikk . Etter tendensen til renessansen er kirkemodusene som tidligere ble brukt i komposisjonsutøvelse og i musikkteori redusert til de to hovedkjønnene dur og mindre og de to skalaene som fortsatt er i bruk i dag . De tempererte stemningene ble senere utviklet fra middeltonetuninger som dukket opp i renessansen for å muliggjøre å spille i mange tangenter uten ekstremt skarpe intervaller. Nøkler med flere tilfeldigheter blir i økende grad brukt, og - i motsetning til i høyrenessansen - blir endringer alltid notert av komponisten.
Instrumenter
Mange av instrumentene som fremdeles er i bruk i dag, ble utviklet i barokkperioden. Barokkformene til disse instrumentene skiller seg betydelig i lyd fra deres etterkommere, da det var et annet lydideal, der instrumentene skulle minne om menneskets stemme. Strengeinstrumenter ( barokkfiolin ), men også treblåsinstrumenter hørtes generelt roligere ut, mindre strålende og stabil, men mykere og mer modulerbar i klangfargen.
Den store mengden instrumenter fra renessansen gikk ned i barokken. Blant fløytene klarte opptakeren å hevde seg som et soloinstrument i diskantposisjon i lang tid før den ble kastet ut av tverrfløyten . De siv instrumenter renessansen forsvunnet helt. Den mye roligere oboen ble utviklet fra pommer . Bassdulzian og Rankett , som fremdeles ble brukt tidlig i barokken, ble senere erstattet av fagotten utviklet fra Dulzian . Chalumeauen vant på instrumenter med et enkelt siv (ikke å forveksle med renessansesjaffen). For messinginstrumenter ble trombonen og i utgangspunktet også sink adoptert. Sistnevnte ble hovedsakelig brukt i kirkemusikk frem til midten av århundret. Blant strengeinstrumentene forsvant liras, rebecs, feler og til slutt violene og ble erstattet av fiolinfamilien. Harpe, lute og gitar ble adoptert og videreutviklet for de plukkede instrumentene . Mandolin utviklet fra mandora dukket opp i Italia. Bare pauker ble adoptert fra renessansens perkusjonsinstrumenter . På den annen side var det noen nysgjerrige fenomener på denne tiden, som den pantalonske cymbalen i Sachsen og Salterio i Italia, som til og med oppnådde en viss bred innvirkning. Spesielt i fransk barokkmusikk ble det av og til brukt eldre instrumenter som de hardy-gurdy eller soft-sounding sekkepipene .
Orkesteret , basert på strykeinstrumenter og supplert med blåseinstrumenter , inkludert for eksempel det berømte valgsaksiske og det kongelige polske kapellet i Dresden og Warszawa , begynte å standardisere - vender seg gradvis fra de frie og skiftende instrumentaloppstillingene i renessansen . Tastaturinstrumenter som cembalo og orgel ble utvidet i størrelse og registre, og mekanikken deres ble bedre.
Viktige representanter (utvalg)
| Underepoke | Begynnelse | slutt | I Italia | I Tyskland | resten av Europa |
|---|---|---|---|---|---|
| Tidlig barokk | 1580-1600 | 1630-1650 | |||
| Høy barokk | 1630-1650 | 1680-1700 | |||
| Sen barokk | 1680-1700 | 1730-1750 |
Se også listen over barokkomponister .
Tidlig barokk
I begynnelsen av barokken var Claudio Monteverdi (1567–1643), som gjorde banebrytende arbeid med komposisjonsinnovasjoner og videreutvikling av unge musikalske sjangre. Han var en av de første komponistene som kombinerte den nye utviklingen som dukket opp i sen renessanse. Spesielt innen dissonansbehandling var han en direkte pioner. Den venetianske Giovanni Gabrieli (ca. 1554 / 57–1612) var den første som realiserte prinsippet om konkurranse mellom ulike grupper av instrumenter og etablerte den moderne orkesterinnstillingen.
Pioneren for den tyske barocksuiten var Hans Leo Haßler (1564–1612), som ble påvirket av den venetianske skolen . Selv Heinrich Schütz (1585-1672) tok den nye italienske stilen som modell og koblet ham med uttrykk for det tyske språket, noe som ga ham den første tyske komponisten europeiske omdømme. I likhet med Schütz utøvde orgelmesteren Jan Pieterszoon Sweelinck (1562–1621) stor innflytelse, noe som delvis ble reflektert i studentene.
Som et resultat ble nye instrumentale former og vokalformer betydelig påvirket av blant andre Girolamo Frescobaldi (1583–1643), Giacomo Carissimi (1605–1674) og Johann Heinrich Schmelzer (1623–1680).
Høy barokk
Det franske musikklivet på slutten av 1600-tallet ble betydelig påvirket av Jean-Baptiste Lully (1632–1687) ved hoffet til Ludvig XIV . Den fengende musikken til Lully, som fremfor alt tilfredsstilte dansens entusiasme i denne epoken, formet "barokken"; rettsliv. Som en typisk fransk musikalsk form kalles suiten , ofte av en fransk ouverture ble initiert. Ballett var også av stor betydning .
I motsetning til Lullys populære, danserettede stil, var den mer intellektuelle og kanskje "progressive" italienske musikken, den mest fremtredende representanten for Arcangelo Corelli (1653–1713), i forgrunnen i høibarokkperioden .
I Tyskland ble musikken hovedsakelig påvirket av komponistene til den nordtyske orgelskolen , hvis mest representative representant var Dietrich Buxtehude (1637–1707). Kantaten ble opprettet her fra den hellige konserten .
I England utviklet Henry Purcell (1659–1695) og andre sin egen stil.
Sen barokk
Mens musikk utviklet seg uavhengig i forskjellige regioner i Europa i høibarokkperioden, var senbarokkperioden preget av spredning av stiler over grensen. Georg Philipp Telemann (1681–1767) drev denne utviklingen videre i Tyskland og ble til slutt et “ikon” blant musikerne. Andre berømte tyske komponister fra sen barokk var Carl Heinrich Graun og Johann Adolph Hasse . I dag er Johann Sebastian Bach (1685–1750) av mange ansett for å være ”etterbehandleren” av sen barokk. I løpet av sin levetid var han imidlertid langt mindre kjent enn de som er nevnt ovenfor og verdsatt mer som en orgelvirtuos enn som en komponist. Stilistisk følger en stor del av musikken den høye barokken i stedet for senbarokken.
Den italienske fiolinisten og komponisten Antonio Vivaldi (1678–1741), som fikk ny popularitet på 1900-tallet, påvirket mange andre komponister med sin konsertform. Operaer var spesielt populære i slutten av barokkperioden. I England var Georg Friedrich Handel (1685–1759) spesielt produktiv i dette området. Den italienske Domenico Scarlatti (1685–1757), komponist av mange cembalo- sonater i en sats , var aktiv på den iberiske halvøya.
Da Telemann og andre siste representanter for tysk barokkmusikk døde på 1770-tallet, avtok populariteten til den følsomme og galante stilen også til fordel for Wiener klassisk musikk . Imidlertid var det komponister i barokkstil til slutten av 1700-tallet. B. nederlenderen Pieter Hellendaal, som var veldig populær i England i løpet av livet .
Åndelig bakgrunn
Absolutisme , som fant sitt reneste uttrykk ved hoffet til Ludvig XIV og hvis kulturarbeid ble etterlignet i hele Europa, er typisk for barokkperioden . Kulturen blomstret under føydal støtte, og i bygninger, hager og andre ting ble det representant og monumentale for de overdrevne søkt.
Navnet på denne epoken kommer fra den portugisiske "barroca" - et tvetydig begrep som inkluderer en. Leirekar, men betyr også leire / steinsprut. I kontrast er "barocca" den senere italienske varianten - her allerede utelukkende som et navn for barokktiden. Begrepet barokk er definitivt en ganske uvennlig tittel som bare ble navnet på epoken i nabobarokkperioden. Frischs tyske = franske ordbok (“annen utgave”, 1719) beskriver “barokk” som en perle som er “ikke helt rund”.
Ellers føltes barokkens samtid som en representant for en moderne, fordomsfri, "galant" tid. Det at det stilistiske uttrykket "barokk" står for ganske forskjellige trender i tiden, er problematisk. Den tidlige barokken hadde en tendens til å være grov og grov - i full kontrast til tapperheten til den høye barokken. Begrepet "sen barokk" er også problematisk fordi det overlapper senere epoker som faktisk har sitt eget navn ( Régence , Rococo ).
I barokkens kunst var folk spesielt interessert i å uttrykke de forskjellige menneskelige stemningene ( påvirker ) og representere dem i faste former.
De hadde en spesiell preferanse for allegori , på den tiden også referert til som et "symbol" i tysktalende land. Idealene til tapperhet var egentlig ment i form av moralsk filosofi . Det handlet ganske enkelt om å regulere menneskelig sameksistens: hensyn, høflighet, høflighet, toleranse. Men selv da "lettvint" ånder tolket karakteren til den galante til en livsstil som var opptatt av å ta det motsatte kjønn for seg selv med utgitt anstendighet. Religiøse entusiaster benyttet dette som en mulighet til generelt å anta syndige intensjoner om å være sverige galante damer og herrer. Det er her barokkens motsetninger blir tydelige: på den ene siden står det for livsglede og lyst - på den andre siden kommer man gjentatte ganger over strengt asketiske holdninger (se blant annet pietisme ).
Med solkongens død (1715) syntes tidsfølelsen å ha endret seg. Fra rundt 1715 og frem dukket det opp helt nye trender i mote: barokken sakte sakte farvel og Regence-stilen dukket opp - erstattet av rokoko rundt midten av århundret, men begrepene "barokk" og "rokokko" ble uskarpe i musikkhistorisk område.
Moderne mottakelse
Gjenoppdagelse
Etter slutten av barokkalderen ble barokkmusikk ansett som utdatert og ikke lenger utført. Bare Händels musikk, spesielt oratoriene, ble ikke glemt og ble også fremført på slutten av det 18. og begynnelsen av det 19. århundre. Samtidig begynte flere musikkelskere å komme inn på eldre musikk. Eksempler inkluderer Raphael Georg Kiesewetter , Simon Molitor og Johann Nikolaus Forkel .
En viktig milepæl for gjenoppdagelsen av Johann Sebastian Bach var gjenspillelsen av St. Matthew Passion av Felix Mendelssohn Bartholdy i 1829. Andre komponister måtte vente til det 20. århundre på oppdagelsen, som Antonio Vivaldi , som man knapt nok snakker til 1920-tallet kjent som The Four Seasons .
Dagens syn
Med Mendelssohns gjenoppdagelse av Bach begynte berømmelsen og respekten for JS Bach, som fortsetter den dag i dag. Mange av hans verk blir nå ansett som innbegrepet og i noen tilfeller barokkens "perfeksjon". Imidlertid var Bach knapt kjent utenfor Sachsen og Thüringen i løpet av sin levetid . I det 20. århundre ble komposisjoner av andre komponister fra barokktiden stadig mer kjent. Likevel var det hovedsakelig den populære interessen for Bach som hjalp barokkmusikken til å gjenopplive.
Hugo Riemann og Guido Adler unngikk epoken betegnelsen "barokk", som ble formet av arkitektur og visuell kunst, så vel som begrepet "renessanse" og prøvde å etablere en rent historisk typologi. For Riemann betyr "barokk" musikk "musikk i den fullbaserte tidsalderen ". I "Handbuch der Musikgeschichte" utgitt av Adler, brukes begrepet "barokkstil" bare i et kort kapittel av Arnold Schering .
I dag, i det 21. århundre, tolkes barokkmusikk i hovedsak i det som er kjent som historisk ytelsespraksis . I dag er utøvere av barokkmusikk klar over denne kunnskapen, selv om man i enkelte tilfeller går på kompromiss med hensyn til bruken eller bevisst bestemmer noe annet. Barokkrepertoaret åpnet seg også for den historiske forestillingspraksisen, som opprinnelig ble latterliggjort og bare hersket rundt 1970-tallet (med tolker som Nikolaus Harnoncourt , Gustav Leonhardt, etc.). I dag selges et tilsvarende antall poster av tidlig musikk - inkludert særlig barokk - som for klassisk musikk fra påfølgende epoker over hele verden.
Liste over viktige barokkomponister (utvalg)
Se også
- Liste over barokkomponister (en mer komplett liste)
- Liste over utøvere av barokk
- Barokkorkester
litteratur
- Isolde Ahlgrimm: Om dagens fremføringsutøvelse av barokkmusikk , i: Organa austriaca, 2 (1979), s. 1–36
- Ingeborg Allihn (red.): Barokkmusikkveiledning. Instrumentalmusikk 1550-1770 , Metzler, Stuttgart 2001, ISBN 3-476-00979-3
- Rolf Dammann: Konseptet musikk i tysk barokk , Volk, Köln 1967 (3. utgave Laaber 1995), ISBN 3-89007-015-9
- Robert Haas: Musikken til barokk , VG Athenaion, Potsdam, 1979, ISBN 3-7997-0728-X
- Hans J. Moser: Den klingende hjørnesteinen. Skjebnen til tysk barokkmusikk i tolv historier , Essen forlag, Essen, 1937
Individuelle bevis
- ↑ Christoph Schüren: Giovanni Gabrieli: Canzoni e Sonate (red. 1615) , online
- ↑ Werner Keil : En oversikt over musikkhistorien. UTB 2012, s. 17.
- ↑ G. Adler (red.): Handbuch der Musikgeschichte. (1930) Opptrykk dtv, bind 2, s. 683 ff.