Opera

fra Wikipedia, den frie encyklopedi
Operastjernen Maria Callas

Som opera (av italiensk opera i musica , "musikalsk arbeid") refererer til en 1600 opprettet (med begynnelsen av barokktiden) siden 1639 musikksjanger av teater . Videre blir operahuset (forestillingsstedet eller den produserende institusjonen) eller utøvende selskap også referert til som en opera .

En opera består av å sette et dramatisk dikt til musikk fremført av et sangensemble , et tilhørende orkester, og noen ganger et kor- og ballettensemble . I tillegg til sang fremfører skuespillerne drama og dans på en teaterscene som er designet med hjelp av maleri , arkitektur , rekvisitter , belysning og sceneteknologi . Rollene til skuespillerne blir tydeliggjort av masken og kostymene . Dirigenten for musikalen, regissøren for ledelsen og scenografen for utstyret fungerer som kunstneriske ledere . I bakgrunnen støtter hun dramaturgien .

Avgrensninger

Opera er oppsummert med dans, musikal og operette under begrepet musikkteater . Grensene til relaterte kunstverk er flytende og defineres alltid i hver epoke, for det meste også med hensyn til visse nasjonale preferanser. På denne måten forblir operaen som sjanger levende og mottar stadig nye ideer fra de mest varierte områdene av teater.

Opera og drama

Drama i streng forstand at folk bare snakker på scenen er sjeldne i teaterhistorien . Blandede former for musikk, resitasjon og dans var regelen, selv om forfattere og teaterfolk noen ganger prøvde å redde eller reformere dramaet. Siden 1700-tallet har blandede former mellom drama og opera dukket opp fra de forskjellige variantene av opéra-comique , som balladeopera , singspiel eller farse med sang. Mozarts Singspiele er tildelt opera, de fra Nestroy regnes som skuespill. På grensen flytter du z. B. også verkene til Brecht / Weill , hvis tre- øre- opera er nærmere dramaet, mens oppstigningen og fallet av byen Mahagonny er en opera. Musikk som er helt underordnet drama kalles dramamusikk .

En utbredt form for teater relatert til drama siden begynnelsen av 1800-tallet var melodrama , som i dag bare er til stede i populær film. Den hadde stor innflytelse på opera på den tiden med sine eventyrmaterialer. Noen steder inneholdt den bakgrunnsmusikk som bakgrunnsmusikk for handlingen på scenen (mindre av den talte teksten). Dette er det begrepet melodrama , som fremdeles er kjent i dag, refererer til . Slik bakgrunnsmusikk finnes for eksempel i Mozarts Idomeneo , Ludwig van Beethovens Fidelio , i Webers Der Freischütz (i Wolfsschluchtszene) og i Humperdincks Königskinder .

Opera og ballett

I den franske tradisjonen har dans blitt integrert i operaen siden barokktiden. Klassisk ballett slet med å bryte løs fra denne forbindelsen på 1800-tallet, men de nyklassiske verkene fra det 20. århundre, for eksempel av Igor Stravinsky eller Bohuslav Martinů , bekrefter forholdet mellom opera og ballett. Italiensk opera var heller ikke blottet for dans, selv om dans ikke dominerte i like stor grad. I dag er ballettene og divertissementene fra repertoararbeidene for det meste fjernet fra partiturene, så inntrykket av en linjeseparasjon skapes.

Opera og operette / musikal

Operettens sjanger og relaterte former som zarzuela , som en videreutvikling av Singspiel, skiller seg fra operaen, som i økende grad ble komponert fra midten av 1800-tallet og utover, gjennom de talte dialogene, men også gjennom den dominerende underholdningen. krav og den primære bekymringen for popularitet eller kommersiell suksess. Denne avgrensningen dukket opp først på slutten av 1800-tallet: da den "komiske operaen" hadde endret seg fra "lav" til "høy" sjanger, dukket operetten opp som en ny "lav" sjanger. Det samme gjelder musikalen , den videre utviklingen av populært musikkteater i USA. Operette og musikal er imidlertid ikke mindre kunstformer enn opera.

historie

forhistorie

Antikken

Selv i det gamle greske teatret ble naturskjønn handling kombinert med musikk. Moderne opera henviste gjentatte ganger til denne modellen, og fordi lite har blitt videreført fra performance-praksis, klarte den å tolke den på de mest varierte måtene. Et kor som sang og danset spilte en hovedrolle, delte dramaet i episoder eller hadde i oppgave å kommentere handlingen. Romerne dyrket komedie snarere enn tragedie . Mimus og senere pantomime hadde en høy andel musikk. På grunn av ødeleggelsen av de romerske teatrene i det 6. århundre og tapet av bøker i sen antikken , har mange kilder om det gått tapt.

Siden begynnelsen av 1900-tallet har imidlertid mange gamle bygninger, spesielt amfiteatre og teatre, blitt brukt til operaopptredener. De mest kjente er Théâtre Antique i Orange (med avbrudd siden 1869), Arena di Verona (siden 1913), Odeon of Herodes Atticus i Athen (siden 1930-tallet), Caracalla-badene i Roma (siden 1937) og Romersk steinbrudd St. Margarethen (siden 1996).

middelalderen

I høymiddelalderen , basert på påskemessetjenesten, dukket det opp en ny tradisjon for sunget handling. Det åndelige stykket fant først sted i kirken, deretter på 1200-tallet som et lidenskapelig lek eller prosesjonslek utenfor kirken. Populære temaer var de bibelske påske- og julebegivenhetene, også med komiske mellomspill. Melodiene overføres ofte, bruk av musikkinstrumenter er sannsynlig, men sjelden verifiserbar. I hoffet var det sekulære stykker som Adam de la Halles melodiøse Jeu de Robin et de Marion (1280).

Renessanse

Produksjonsdesign for Orpheus and Amphion, Düsseldorf 1585

Tidspunktet for karnevalet , som senere ble den tradisjonelle operasesongen, har gitt mulighet for musikalske og teatralske handlinger siden det 15. århundre, som utgikk fra da største europeiske byer i Italia: intermedia , dans spill, maske og triumf parader er en del av den urbane representasjonen i den italienske renessansen . Den madrigal var den viktigste sjangeren av vokalmusikk og ble ofte forbundet med dans.

Det kongelige hoffet i Frankrike fikk betydning sammenlignet med Italia på 1500-tallet. The Ballet Comique de la reine 1581 var et danset og sunget handling og regnes som en viktig forløper for opera.

Et tidlig forsøk i Tyskland på å fremføre et dramatisk plot med syngende hovedpersoner i et scenedesign er forestillingen til Orpheus og Amphion på en samtidig scene i anledning Jülich-bryllupet til Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg med Margravine Jakobe von Baden i Düsseldorf i 1585. Som mulig heter komponisten av musikken som ikke er overlevert Andrea Gabrieli . Musikken var så vakker "at den ikke var der / på den tiden / og hørte slik Musicum concentum & Symphoniam / om at det var mulig å tro." Handlingen var selvfølgelig først og fremst en allegori i betydningen prinsens speil .

opprinnelse

Florentinske Camerata

Operaen i dagens forstand oppstod i Firenze på slutten av 1500-tallet . Den florentinske Camerata , en akademisk diskusjonsgruppe der poeter (f.eks. Ottavio Rinuccini ), musikere, filosofer, aristokrater og en kunstner - først inntok denne rollen, grev Bardi , senere grev Corsi  - spilte en viktig rolle i historien til dens opprettelse . Disse humanistene forsøkte å gjenopplive det eldgamle dramaet , som de mener inkluderte vokalsolister, kor og orkester. Etter de pastorale dramaene på 1500-tallet ble librettoen designet og satt til musikk ved hjelp av datidens musikalske midler. Vincenzo Galilei tilhørte denne gruppen. Han oppdaget salmer av Mesomedes , som går tapt i dag, og skrev en avhandling mot nederlandsk polyfoni . Dette var et tydelig bevis på ønsket musikalsk stil, den da nye solostemmen med instrumental akkompagnement.

Å forstå teksten til vokalmusikken var det viktigste for den florentinske Camerata. En klar, enkel vokallinje ble erklært idealet, som den nøysomme basso- Begleitung med få og milde instrumenter som lute eller cembalo måtte underordne seg. Velutviklede melodiske ideer var uønskede for ikke å skjule innholdet i ordene ved sang. Det ble til og med snakket om en "nobil sprezzatura del canto" ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), en "edel forakt for sang". Denne typen sang ble kalt recitar cantando , reciting sang. Enkelheten og begrensningen av recitar cantando står i kontrast til den dominerende polyfonien med sine komplekse lag med notater og tekst. Med monodi , som denne nye stilen ble kalt med henvisning til antikken, skulle ordet komme til sin fulle rett igjen. En teori om påvirkningene utviklet seg , som kunne transporteres gjennom den sangteksten. Kor i madrigalform eller som motett ble med i monodien til de enkelte vokaldelene . Orkesteret spilte ritorneller og danser imellom.

Det første verket i operasjangeren er La Dafne av Jacopo Peri (urfremført i 1598) med en tekst av Ottavio Rinuccini , hvorav bare noen få fragmenter har overlevd. Andre viktige verk fra de første dagene er Peris Euridice (1600) som den eldste gjenlevende operaen, samt Euridice (1602) og Il Rapimento di Cefalo av Giulio Caccini . Emnene på disse tidlige operaene ble hentet fra gjeterdiktning og fremfor alt fra gresk mytologi . Mirakler, magi og overraskelser, representert ved forseggjort scenemaskineri , ble populære komponenter.

Monteverdi

Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdis første opera L'Orfeo (1607) vakte særlig oppmerksomhet . Den hadde premiere i Mantua 24. februar 1607 i anledning bursdagen til Francesco IV Gonzaga . Sammenlignet med sine forgjengere kan det for første gang høres et rikere sett med instrumenter her (selv om det stort sett bare er antydet i partituret ), utvidet harmoni , lydpsykologisk og billedlig tolkning av ord og figurer samt instrumentering som kjennetegner folket . Trompeter brukes for eksempel til underverdenen og dødsscener, strenger for sovende scener, og et treorgel brukes til hovedpersonen Orfeo .

Monteverdi: Penelopes arie “Di misera, regina” fra Il ritorno d'Ulisse in patria

Monteverdi utvider vokallinjen til recitar cantando til en mer aria-lignende stil og gir korene større vekt. Hans sene verk Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) og L'incoronazione di Poppea (1643) er høydepunkter i operahistorien når det gjelder deres drama. Selv i denne siste operaen Monteverdis L'incoronazione di Poppea , finner man prologen av tre allegoriske figurer vist i Fortuna den Virtù spottet (dyd). Resten av handlingen foregår i den jordiske verden rundt den romerske keiseren Nero , hans elskede kone Ottavia og Poppea , kona til pretoren Ottone . Dette blir Neros kone og keiserinne. Neros brutale karakter er representert av en castrato og tilsvarende virtuøs musikk, derimot virker Ottone myk, og Neros verdige lærer og rådgiver Seneca får tildelt bassstemmen. Bel canto sang og coloratura rikdom brukes til adelen og til guder, for resten av folket enklere ariosi og sanger.

17. århundre

Italia

Teatro San Carlo di Napoli, 1735

I 1637 ble Teatro San Cassiano i Venezia åpnet som det første offentlige operahuset. Nye arenaer ble opprettet i rask rekkefølge, og Venezia, med sin "venetianske opera", ble det operasentret i Nord-Italia. Historiske fremstillinger erstattet snart de mytiske emnene, som i operaen L'incoronazione di Poppea (1642), som fremdeles bærer navnet Claudio Monteverdis, selv om forskning siden Alan Curtis har diskutert om det heller er en pasticcio som er brukt av kjente navn .

Publikum for disse operaene var hovedsakelig sammensatt av medlemmer av de ikke-aristokratiske klassene. Spillplanen ble bestemt av det økonomiske aristokratiet basert på publikums smak . I denne sammenheng ble operaen som kom fra akademiene kommersialisert og forenklet, og orkesteret ble redusert. Den da capo arie innledes med et resitativ formet solosang i lang tid, ble kor og ensembler forkortet. Feil og intriger dannet den grunnleggende strukturen i handlingen, som var beriket med komiske scener fra de populære mindre karakterene. Francesco Cavalli og Antonio Cesti var de mest berømte venetianske operakomponistene i generasjonen som fulgte Monteverdi. Forfatterne Giovanni Francesco Busenello og Giovanni Faustini ble ansett for å være stildannende og ble ofte etterlignet.

Siden 1650-tallet ble byen Napoli det andre operasenteret i Italia, sterkere påvirket av aristokratiets smak. Komponisten Francesco Provenzale regnes som grunnleggeren av den napolitanske operaen . I den neste generasjonen ble Alessandro Scarlatti en pioner for den napolitanske skolen .

De librettists fikk sine penger ved å selge lærebøker, som ble distribuert sammen med vokslys å lese sammen før forestillingen. I lang tid forble litteraturen fra renessansehumanismen modellen for italienske operatekster.

Opera ble bare gitt på bestemte årstider (italiensk: stagione ): i løpet av karnevalet, fra påske til sommerferien og fra høst til advent. I stedet ble oratorier spilt i lidenskaps- og adventssesongen . I Roma fikk ikke bare maskineffekter og kor større vekt, men også åndelige forhold.

Paris

I Paris , Jean-Baptiste Lully og hans librettist Philippe Quinault utviklet en fransk versjon av operaen, den viktigste egenskapen til som i tillegg til korene, er ballett . Lully skrev en fransk versjon av Cavallis L'ercole amante (1662), der han satte inn balletter som var mer anerkjente enn opera. Cadmus et Hermione (1673) regnes som den første tragédie lyrique og forble en modell for påfølgende franske operaer.

Operaen importert fra Italia ble presset tilbake av tragédie lyrique. Likevel prøvde Lullys etterfølgere Marc-Antoine Charpentier og André Campra å kombinere franske og italienske stilenheter.

Tysk språkområde

Basert på italienske modeller, utviklet en uavhengig operatradisjon innen det tyskspråklige området så tidlig som på midten av 1600-tallet, som også inkluderer bruk av tyskspråklig libretti.

Den første operaen av en "tysk" komponist var (tapt) Dafne av Heinrich Schütz i 1627, som hadde blitt kjent med den musikalske formen for opera under studieturen i Italia fra 1609 til 1613. Bare noen få år senere ble den første gjenlevende tyskspråklige operaen av Sigmund Theophil Staden skrevet i 1644, basert på en libretto av Georg Philipp Harsdörffer Det åndelige skogsdiktet eller gledespillet , kalt Seelewig , et pastoralt didaktisk stykke i umiddelbar nærhet til moraliserende skoledrama fra renessansen.

Rett etter trettiårskrigen etablerte operahus i de tyskspråklige landene seg i økende grad som sentrale møte- og representasjonssteder for de ledende sosiale klassene. De ledende hertug- og kongehusene spilte en sentral rolle og ga i økende grad sine egne hoffteatre og tilhørende kunstnere, som vanligvis også var åpne for den (velstående) offentligheten. München mottok sitt første operahus i 1657 og Dresden i 1667.

Commoners, d. H. “Offentlige og populære” operahus finansiert av byer og / eller private borgerlige skuespillere, som de i Venezia, eksisterte bare i Hamburg (1678), Hannover (1689) og Leipzig (1693). I bevisst kontrast til operasjonen ved de "edle" husene, som er dominert av italienskspråklige operaer, stolte spesielt Hamburg- operaen på Gänsemarkt , som Tysklands eldste borgerlige operahus, bevisst på tyskspråklige verk og forfattere. Som Handel , Keizer , Mattheson og Telemann . Fra begynnelsen av 1700-tallet etablerte disse en uavhengig tyskspråklig opera og sangspiltradisjon ved hjelp av tyskspråklige libretti av poeter som Elmenhorst , Feind , Hunold og Postel . Hamburgs betydning for utviklingen av en uavhengig tyskspråklig operatradisjon understrekes også av de to samtidige skrifter om teorien om opera: Heinrich Elmenhorsts Dramatologia (1688) og Barthold Feinds Gedancken fra operaen (1708).

England

I England spredte operaen seg relativt sent. Den dominerende musikkteaterformen på det elisabetanske teatret var masken , en kombinasjon av dans, pantomime, taleteater og musikalske mellomspill, der teksten satt til musikk vanligvis ikke var direkte relatert til handlingen. Etter det puritanske forbudet mot musikk og teaterforestillinger i 1642, var det ikke før Stuart-restaureringen som startet i 1660 at det ble etablert et teaterliv igjen, hvor opera ble integrert.

Henry Purcells en-times opera Dido and Aeneas (premiere antagelig 1689, libretto: Nahum Tate ) er et unikt verk i enhver henseende . Komponisten tar opp elementer fra fransk og italiensk opera, men utvikler sitt eget tonespråk, som fremfor alt er preget av at det holder seg veldig nær teksten. Korpassasjer og danseseksjoner står i kontrast til hovedpersonens arioso-passasjer, som klarer seg nesten uten arialignende former. De skiftende stemningene og situasjonene er nøyaktig gjengitt med musikalske midler; den siste scenen, da den karthaginske dronningen Dido dør av et knust hjerte på grunn av en ulykkelig kjærlighet til den trojanske helten Aeneas , er en av de mest gripende i operalitteraturen.

18. århundre

Generell utvikling

I løpet av 1700-tallet dukket det opp to typer operaer: I tillegg til den etablerte opera seria som en form som først og fremst støttes av adelens behov for representasjon og legitimering, som hovedsakelig er basert på mytologisk eller historisk materiale og dets personell som består av guder, halvguder, helter, fyrster og deres egne elskede og deres tjenere, utvikler opera buffa seg rundt 1720 med opprinnelig grove tegneserier som utvikler seg til borgerlig-sentimentale.

I Frankrike er konkurranse med italienske operaer på den ene siden den høflige tragédie lyrique , med sin mer fulle instrumentering sammenlignet med eldre italienske operaer, og på den andre siden opéra-comique , som kommer fra det parisiske tivoliet . Disse sjangrene oppmuntrer til operaopptredener på sitt eget språk også utenfor Frankrike, som en lokal motvekt til de allestedsnærværende italienske virtuosene.

Marco Ricci : Operaøving , 1709

Den stildefinerende tendensen i Italia i andre kvartal av 1700-tallet til å gjøre den originale dramma per musica til en aria-konsert eller en nummeropera med fast innhold og musikk. En annen sentral utvikling i løpet av første halvdel av 1700-tallet er inndelingen av da capo-ariene , som har vokst til fem deler, med sekvensen AA'-B-AA 'i spesifikke undergrupper:

  • Aria di bravura (bravura aria ) med overdådig koloratura;
  • Aria cantabile med vakre linjer;
  • Aria di mezzo carattere med karakteristisk orkesterakkompagnement;
  • Aria concertata med konsertinstrumenter;
  • Aria parlante , som beskriver voldelige følelser.

Kveldens stjerne kunne også sette inn en virtuos aria baule ("koffertaria") som ikke hadde noe med handlingen å gjøre. Slike arier kan lett byttes ut eller brukes flere ganger. Den bel canto -Gesang ble inkludert de ekstreme høye tonene, smidig triller og lange hopp til en presentasjon virtuos vokalteknikker.

Pasticcio

Fordi troskapskonseptet ennå ikke ble etablert på 1700-tallet og klienten og publikum alltid ønsket nye, aldri før hørte operaer, og fordi mange operakompanier ofte bare hadde begrensede ressurser til instrumentalister og sangere, var det utbredt forestillingsøvelse på 1700-tallet i å sette sammen arier og ensembler fra forskjellige verk så effektivt som mulig, avhengig av eksisterende oppstilling, og understreke en slik sekvens av musikalske nummer med nye tekster og et nytt plot. Denne typen opera ble kalt pasticcio ; En opera pasticcio kan komme fra pennen til en enkelt komponist som gjenbrukte eksisterende tall fra tidligere verk, eller den kan være sammensatt av verk av forskjellige komponister. Denne praksisen betydde at plottet og stemningen til en operaopptreden ikke var løst fram til slutten av 1700-tallet - og på noen steder til og med på 1830-tallet - og var gjenstand for stadige tilpasninger, endringer og endringer. Praksisen med pasticcio betydde at frem til begynnelsen av 1800-tallet nesten ingen fremføring av det samme verket var musikalsk eller med hensyn til innhold som lignet på et forrige.

Nummeropera

Det resulterende kaoset - generert av strategien om å oppfylle forskjellige forventninger samtidig - frastøtte de italienske librettistene Apostolo Zeno og Pietro Metastasio . Som et mottiltak, fra slutten av 1730-årene og framover, dispenserte de i økende grad overflødige sidetomter, mytiske allegorier og sekundære tegn, og foretrakk i stedet et klart, forståelig plot og språk. Ved å gjøre dette skapte de grunnlaget for en "mer seriøs" type opera utover den vanlige forestillingspraksisen til opera seria . Handlingsplanen som er utviklet for dette formålet, vikler gradvis hovedpersonene inn i et tilsynelatende uløselig dilemma, som til slutt viser seg å være bra på grunn av en uventet idé ( lieto fine ). Begge forfatterne initierte en fornyelse av operaen poetisk. Mot pasticcioens vilkårlighet nummererte de musikalske deler, noe som gjorde det vanskelig å bytte dem. På denne måten bidro de betydelig til utviklingen av nummeroperaen med sin faste sekvens. Som et selvstendig verk med en streng plotning, var operaen nå i stand til å holde seg mot dramaet .

Opera buffa

Genren til opera buffa dukket opp samtidig i Napoli og Venezia som en stort sett munter og realistisk type opera. På den ene siden var det selvstendige musikalske komedier, på den annen side de komiske mellomspill til opera seria på begynnelsen av 1730-tallet, som Apostolo Zeno og Pietro Metastasio hadde ekskludert de komiske elementene, slik at de måtte være begrenset til mellomspill mellom handlingene. Operaen Lo frate 'nnamorato av Giovanni Battista Pergolesi , hadde premiere 28. september 1732 på Teatro dei Fiorentini i Napoli, og verkene av Baldassare Galuppi , som hadde premiere i Venezia på midten av 1740-tallet og ble laget i nært samarbeid med Carlo Goldoni , regnes som stilistiske verk .

Innholdsmessig trakk Opera Buffa fra det rike fondet til Commedia dell'arte . Handlingene var ofte blandede komedier, og de ansatte besto av et edelt par elskere og to underordnede, ofte tjenestepiker og tjenere. I motsetning til opera-serien kan sistnevnte fremstå som hovedaktører, som et borgerlig og subborgerlig publikum kunne identifisere seg med. Operabuffaen ble også verdsatt av aristokratiet, som knapt tok provokasjonene sine på alvor.

Utvikling av Opera buffa til Opera semiseria

Fra midten av 1700-tallet begynte komedie å skifte i opera buffa til hverdagslige og moderne handlinger, der adelsmenn ikke lenger var usårbare. Mozarts Don Giovanni (1787) ble opprinnelig sett på som en opera buffa og ble ikke tolket på nytt før på 1800-tallet, da skjebnen til de borgerlige forført kunne tas på alvor og den edle forføreren kunne sees på som en skurk.

Et uttrykk for disse endringene er den videre utviklingen av opera buffa til typen opera semiseria på slutten av 1700-tallet, fordi et borgerlig publikum ikke lenger ønsket å se seg le av på scenen. Den daglige nærheten til opera buffa og dens franske motstykke, opéra-comique , var sosialt eksplosiv i andre halvdel av 1700-tallet. Relatert til dette var Buffonist-tvisten som fant sted i Frankrike fra 1752 til 1754 . Jean-Jacques Rousseau verdsatte den borgerlige "munter" operaen mer enn det høye aristokratiets tragédie lyrique. Hans fordømmelse av fransk opera til fordel for italiensk førte til sinte reaksjoner.

England

I den engelsktalende verden ble Georg Friedrich Händel (anglisisert George Frideric Handel) en av de mest produktive operakomponistene (mer enn 45 operaer). Hans arbeid i London hadde ikke den ønskede forretningssuksessen, blant annet. på grunn av den sterke konkurransen fra den berømte castrato Farinelli , som sang i det rivaliserende operakompaniet, og ødeleggende avgifter for de engasjerte primadonnaene. I det 20. århundre kom spesielt Alcina , Giulio Cesare og Serse tilbake til repertoaret, og de siste tiårene mange andre Handel-operaer (inkludert Ariodante , Rodelinda , Giustino ). Etter at den historiske forestillingspraksisen hadde blitt bedre undersøkt i løpet av den tidlige musikkbevegelsen , ble det også laget stildefinerende produksjoner på de store operahusene ved hjelp av barokkeksperter .

Jean-Michel Moreau : scene for Le devin du village (1753)

Frankrike

Den franske motstykket til den kontroversielle operabuffaen i Paris var Opéra-comique . Resitativene er erstattet av talte dialoger. Denne modellen møtte også suksess i utlandet. Den nye enkelheten og nærheten til livet gjenspeiles også i mindre arietas og nouveaux air , som i motsetning til de velkjente vaudevilles ble nylig sammensatt.

I 1752 opplevde Frankrike en ny konfrontasjon mellom fransk og italiensk opera, som gikk inn i historien som buffoniststriden . Giovanni Battista Pergolesis opera La serva padrona (tysk: Jomfruen som elskerinne ) var anledningen til dette. Mot kunstigheten og stiliseringen av den tradisjonelle franske aristokratiske operaen, spesielt Jean-Jacques Rousseau og Denis Diderot , som forsvarte seg mot kunsten og stiliseringen av Rameau . I tillegg til den bevisst enkle operaen Le devin du village (tysk: Der Dorfwahrsager ), skrev Rousseau også en prisvinnende avhandling med tittelen Discours sur les sciences et les arts (1750), der han erklærer et liv uspolert av vitenskap og kultur til være det ideelle. Han skrev andre musikalske artikler for den berømte omfattende encyklopedien til den franske opplysningen. Buffoniststriden gikk til slutt til skade for den italienske operatroppen, som ble utvist fra byen. Striden var dermed foreløpig over, men Grand Opéra hang fortsatt etter Opéra comique når det gjaldt popularitet.

Tysk språkområde

Schikaneder som den første Papageno , 1791

Nedleggelsen av operaen på Gänsemarkt i 1738 førte til en ytterligere styrking av den italiensktalende operavirksomheten i det tyskspråklige området, som allerede var dominerende på den tiden. Fra og med Hamburg-modellen ble praksisen med å oversette resitativene til tysk for fremførelser av franske og italienske operaer - og av hovedsakelig musikalske årsaker - bare å opprettholde arias originalspråk stadig mer etablert fra midten av 1700-tallet. Fra midten av 1700-tallet ble salg eller distribusjon av trykte forklaringer og oversettelser av ikke-tyskspråklige verk på tysk til publikum mer og mer vanlig.

Rundt 1780 begynte en utvikling som varte langt ut på 1800-tallet , med arbeidet til Wolfgang Amadeus Mozart , som førte til en økende forskyvning av den tidligere dominerende italienske til fordel for tyskspråklige verk og forestillinger i tysk oversettelse. Ved å gjøre dette fant Mozart sin helt egen måte å håndtere tradisjonen med italiensk opera på. I sine tidlige år var han suksessfull flere ganger i Italia (blant annet med Lucio Silla og Mitridate, re di Ponto ) og komponerte sitt første mesterverk for München med Idomeneo (1781), en opera-serie også skrevet på italiensk . Han skulle komme tilbake til denne formen med La clemenza di Tito (1791) kort før sin død. Etter musikalskuespillene Bastien og Bastienne , Zaide (fragment) og Die Entführung aus dem Serail (med denne operaen hadde premiere i 1782 lyktes han i å etablere seg som frilans komponist i Wien) gjorde han det i sin Figaro (1786) og enda mer i Don Giovanni (1787), Opera seria og Opera buffa kommer nærmere hverandre igjen. I tillegg til det sistnevnte ble et tredje verk opprettet i 1790 i et trivelig samarbeid med librettisten Lorenzo Da Ponte Così fan tutte . I Der Zauberflöte (1791) kombinerte Mozart elementer av operaen med de fra Singspiel og det lokalt rådende gamle wienske magiske teatret , som særlig fikk sin effekt fra spektakulære sceneeffekter og et eventyrplott. Det var også ideer og symboler fra frimureriet (Mozart var selv medlem av hytta). Mozart-operaer (og spesielt Tryllefløyten ) er fortsatt en del av standardrepertoaret til hvert operahus. Selv beskrev han operaen som en "flott opera i 2 akter".

Operareform

Tittelvignett for Orfeo ed Euridice (Paris 1764)

Christoph Willibald Gluck , som også jobbet i Italia og Wien, ledet en omfattende operareform med sine operaer Orfeo ed Euridice (1762) og Alceste (1767), der han kombinerte elementer av seriøs opera fra Italia og Frankrike med det mer realistiske nivået av handling av opera buffa a. Den gjennomgående klare og logisk strukturerte handlingen, designet av Ranieri de 'Calzabigi , klarer seg uten komplekse intriger eller forvirringsdrama. Antall hovedpersoner krymper. Det primære målet er større enkelhet og sporbarhet av handlingen.

Glucks musikk er helt underordnet dramaturgien og teksten, preger situasjoner og mennesker og står ikke for at bel canto synger selv. Grundig komponerte eller strofiske sanger erstattet da capo-arien. Dette oppnådde en ny naturlighet og enkelhet som motvirket hule patos og sangeres manerer. I samsvar med den eldgamle modellen, deltok koret aktivt i handlingen. Ouverturen er knyttet til handlingen og er ikke lenger et frittliggende instrumentalt stykke før operaen. Italiensk arioso, fransk ballett og pantomime, engelsk og tysk sang samt vaudeville ble integrert i operaen, ikke som enkeltverk som sto side om side, men som en ny klassisk stil. Glucks estetiske ideer ble brakt til en ny blomst av studenten Antonio Salieri på slutten av 1700-tallet. Operaene Les Danaïdes , Tarare og Axur, re d'Ormus er spesielt viktige .

Forsvinnelsen av castrati-spillene

Et annet uttrykk for den større nærheten til hverdagslivet til opera buffa og innovasjonene i opera-reformen som ble foreslått av Christoph Willibald Gluck, er praksisen som begynte i andre halvdel av 1700-tallet å gi avkall på høye kastratroller for mannlige roller til fordel for mer realistiske stemmer. I tillegg til den bevisste avgrensningen fra opera-kulturen til adelsens opera , som er sterkt påvirket av castratis virtuositet , spilte kostnadsårsaker en avgjørende rolle i dette. Siden impresarios siktet operabuffa mot et mindre velstående borgerlig og subborgerlig publikum, kunne de forferdelige kostnadene for en velkjent castratos avgift knapt opptjenes. Den resulterende identifikasjonen av den virtuose kulturen i castrato-rollene med den dyre tradisjonen i operaen seria, som ble formet av adelen, forklarer også castratiens forsvinden fra operavirksomheten etter slutten av Ancien Régime og den påfølgende økningen av de "mer naturlige" stemmene i opera buffa og Opera semiseria dannet middelklassen til den sosiale klassen på 1800-tallet som også var ledende i opera.

1800-tallet

Generell utvikling

I første kvartal av 1800-tallet forsvant resitativene ledsaget av den antatte bassen i økende grad til fordel for en notert orkesterversjon. I tillegg til den ledende italienske operaen og de franske operatypene dukket det gradvis opp andre nasjonale operaformer, først i Tyskland. Den franske revolusjonen og fremveksten av Napoleon viste sine effekter på operaen tydeligst i Ludwig van Beethovens eneste opera Fidelio og Leonore (1805, 1806 og 1814). Dramaturgien og det musikalske språket var tydelig basert på Luigi Cherubinis Médée (1797). Handlingen er basert på en "fait historique" av Jean-Nicolas Bouilly , som ble komponert i 1798 av Pierre Gaveaux under tittelen Léonore, ou L'amour conjugal ; idealene til den franske revolusjonen danner derfor også bakgrunnen for Beethovens opera. Fidelio kan telles til typen " redningsopera ", hvor den dramatiske frelsen til en person fra stor fare er gjenstand. Verket er formelt inkonsekvent: den første delen er som en sang, den andre med den store korefinalen oppnår symfonisk innvirkning og nærmer seg oratoriet . Etter Tryllefløyten og Fidelio trengte tysk produksjon flere forsøk på å endelig utvikle sitt eget operaspråk i den romantiske tiden. En av de viktigste innledende trinnene til dette ble levert av ETA Hoffmann med sin romantiske opera Undine og Louis Spohr med sin setting av Faust (begge 1816).

Tysk språkområde

Fierrabras av Franz Schubert , Salzburg Festival 2014

Det var tross alt Carl Maria von Weber som fra tradisjonen til Singspiel levendegjorde tysk opera i form av Freischütz i orkesteret i 1821 med mye dramatisk fargerikhet . Hans verk Oberon (London 1826), som knapt ble spilt på grunn av den dårlige tekstboka, la orkesteret så stor vekt på at kjente komponister som Gustav Mahler , Claude Debussy og Igor Stravinsky senere henviste til det.

Andre komponister fra den tyske romantiske æra var den svært romantiske Franz Schubert ( Fierrabras , komponert 1823, premier 1897), hvis venner ikke kunne gi ham en behagelig tekst, og Robert Schumann , som med innstillingen av Genoveva- materialet , som var populært blant romantikere presenterte bare én Opera (1850). Også verdt å nevne er Heinrich Marschner , som utøvde stor innflytelse på Richard Wagner med sine operaer om overnaturlige begivenheter og naturskildringer ( Hans Heiling , 1833) , Albert Lortzing med sine spilleoperaer (inkludert Zar og Zimmermann , 1837, og Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow med sin tegneserieopera Martha (1847) og til slutt Otto Nicolai , som brakte noe "italianità" til tysk opera med Lustige Frau von Windsor (1849).

Richard Wagner omformet til slutt operaen så fundamentalt i henhold til hans ideer at de ovennevnte tyske komponistene plutselig bleknet bort ved siden av ham. Med Rienzi (1842) hadde den hittil ganske ulykkelige Wagner sin første suksess i Dresden; den ble senere overgått av The Flying Dutchman (1843). På grunn av sitt engasjement i marsrevolusjonen i 1848 i Dresden , måtte Wagner gå i eksil i Sveits i mange år. Hans senere svigerfar, Franz Liszt , bidro til at Wagner fremdeles var til stede i Tyskland med verdenspremieren på Lohengrin (1850) i Weimar . Med støtte fra den unge bayerske kongen Ludwig II , var Wagner endelig i stand til å realisere den langverdige planen til Ring des Nibelungen , som han lot Bayreuth Festival Theatre bygge for, der kun hans verk blir spilt den dag i dag.

Richard Wagner

Den fundamentale innovasjonen til Wagner besto i fullstendig oppløsning av nummeroperaen. Det var allerede tendenser til en grundig komponert opera i Webers Freischütz eller i Robert Schumanns sjelden spilte Genoveva (1850). Denne utviklingen ble bare konsekvent fullført av Wagner. I tillegg behandlet han vokalpartier og orkesterpartier på lik linje. Orkesteret følger ikke lenger sangeren, men fungerer som en “ mystisk avgrunn ” i mangfoldige forhold til det som blir sunget. Lengden på Wagners operaer krever mye konsentrasjon og utholdenhet fra sangere og lyttere. Temaene til hans - med unntak av noen få tidlige verk og Meistersinger  - gjennomgående seriøse operaer, hvis librettoer han skrev helt selv, er ofte forløsning gjennom kjærlighet, avskjed eller død.

I Tristan und Isolde (1865) flyttet Wagner i stor grad dramaet til det psykologiske interiøret til hovedpersonene, som han da var i stand til å belyse med musikken sin - operaens eksterne plot, derimot, er uvanlig begivenhetsløs. Utformingen av dette ”oceaniske” interiøret tjente også harmonikken, som med “ Tristan-akkordet ” dyttet de harmoniske reglene som hadde vært gyldige frem til da i bakgrunnen og dermed gikk inn i musikkhistorien. Musikalsk kjennetegnes Wagners operaer både av hans geniale behandling av orkestersettingen, som også hadde sterk innflytelse på datidens symfoniske musikk frem til Gustav Mahler , og av bruken av tilbakevendende motiver, de såkalte leitmotivene , som handler om med figurer og situasjoner, individuelle begreper eller med visse ideer. Med Ring des Nibelungen (komponert 1853–1876), den mest berømte operasyklusen i fire deler (derav også bare kalt "tetralogien") med en total forestillingstid på rundt 16 timer, skapte Wagner en monumental musikalsk og dramatisk realisering av sin opera og drama (1852) utviklet en reform av den tradisjonelle operaen. Den Parsifal scenen innvielse festival var den siste av hans operaer, som delt musikk verden inn i to leire, og vekket både etterlignere ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss før hans Salome ) og skeptikere - spesielt i Frankrike.

Frankrike

I Frankrike var formen for opéra-comique , utviklet i andre halvdel av 1700-tallet, først rådende . Daniel-François-Esprit Auber lyktes med sin opera La muette de Portici (1828), hvis tittelheltinne ble portrettert av en ballerina som forble stille, forbindelsen til Grand opéra ("stor opera"). Dramatikeren Eugène Scribe ble deres ledende librettist. I Grand Opéra, i tillegg til komplikasjonene i den typiske operakjærlighetshistorien, kom historisk-politiske motiver frem, som tydelig ble vist i Rossinis siste opera, Guillaume Tell (1829). Den mest suksessrike representanten for Grand Opéra var Giacomo Meyerbeer , med verkene Robert le diable (1831), Les Huguenots (1836) og Le prophète (1849), som ble spilt i det internasjonale repertoaret i flere tiår og ut i begynnelsen av 1900-tallet. Andre viktige eksempler er La Juive (“The Jewess”, 1835) av Halévy , Donizettis Dom Sébastien (1843) eller Verdis Don Carlos (1867).

Fra rundt 1850 smeltet Opéra comique og Grand opéra sammen til en ny form for opera uten dialoger. I 1875 skrev Georges Bizet sitt mest kjente scenearbeid Carmen som Opéra comique, hvis resitativer bare ble lagt til posthumt av Ernest Guiraud . Hvis den "realistiske" plottet og tonen i verket ikke stemmer overens med en storslått opéra, motsier den tragiske avslutningen, som opprinnelig forårsaket en fiasko ved premieren, mot opéra comique. Ytterligere eksempler på blanding av opéra comique og grand opéra er Charles Gounods Faust (1859) - her brukes begrepet drame lyrique for første gang - og Jacques Offenbachs Les contes d'Hoffmann ( Hoffmanns historier , 1871–1880).

Russland

Til slutt kom Russland på scenen med sine første nasjonale operaer, næret ved å importere andre suksesser fra Vesten. Michail Glinka komponerte operaen Жизнь за царя ( Schisn sa zarja, tysk: Et liv for tsaren , omdøpt til Iwan Sussanin i Sovjetunionen ) i 1836 . Verket har et russisk emne, men musikalsk er det fortsatt sterkt påvirket av vestlige påvirkninger. Hans mest berømte opera Ruslan og Lyudmila hadde stor innflytelse på de neste generasjonene av russiske komponister. Beskjeden Mussorgsky brøt seg til slutt fra vestlig påvirkning med Boris Godunov (1874) etter et drama av Alexander Pushkin . Selv Borodins prins Igor (1890) ledet videre Glinkas arv. Pyotr Tsjaikovskij stod mellom russiske tradisjoner og den vestlige verdenen, og sammen med Eugene Onegin (1879) og dronningen av sparene (1890) designet kjærlighetsdramaer med borgerlig personale, som begge er basert på en modell av Pushkin.

Böhmen

I Böhmen var Bedřich Smetana og Antonín Dvořák de hyppigst fremførte komponistene av Praha nasjonalopera, som begynte med Smetanas Libuše (1881) i det nye nasjonalteatret i Praha. The Sold Bride (1866) av samme komponist ble en eksporthit. Dvořaks opera Rusalka (1901) kombinerte folkesagn og tyske eventyrkilder til en lyrisk eventyropera. Bohuslav Martinů og Leoš Janáček fortsatte sin innsats. Sistnevnte komponist har blitt gjenoppdaget i sin modernitet de siste tiårene og har i økende grad erobret repertoaret. Mens The Cunning Little Vixen (1924) fremdeles fremdeles fremføres i den tyske oversettelsen av Max Brod , blir andre verk som Jenůfa (1904), Káťa Kabanová (1921) eller Věc Makropulos (1926) i økende grad fremført i den originale tsjekkiske versjonen; Dette er viktig fordi Janáčeks tonalspråk er nært basert på fonetikken og prosodien til morsmålet hans.

Italia

Fra 1813, da hans operaer Tancredi og L'italiana ble fremført i Algeri , falt Italia i hendene på den unge og ekstremt produktive bel canto- komponisten Gioachino Rossini . Il barbiere di Siviglia (1816), La gazza ladra (Eng. The Thieving Magpie ) og La Cenerentola (begge 1817) basert på Cinderella-eventyret av Charles Perrault finnes i standardrepertoaret til operahus den dag i dag. Fjærende rytme og en strålende og vittig orkestrering, samt en virtuos behandling av sangstemmen, gjorde Rossini til en av de mest populære og ærverdige komponistene i Europa. Rossini skrev ned de improviserte dekorasjonene til sangerne som fremdeles var vanlige inntil nå i hans roller og forhindret dermed overdreven improvisasjoner. Han realiserte en ny formell ide med sin scena ed aria , som slappet av den stive vekslingen mellom recitativ og aria og likevel opprettholdt prinsippet om nummeropera. I tillegg skrev Rossini en rekke operaserier (f.eks. Otello , 1816, eller Semiramide , 1823). I 1824 dro han til Paris og skrev viktige verk for Opéra. Han skrev en politisk grand opéra om William Tell ( Guillaume Tell , 1829), som ble forbudt i Østerrike og oppført på forskjellige europeiske steder i en uskadd versjon med andre hovedhelter.

Giuseppe Verdi
Enrico Caruso, Bessie Abott, Louise Homer, Antonio Scotti, synger kvartetten "Bella figlia dell'amore" fra Verdis Rigoletto

Rossinis yngre samtidige og etterfølgere kopierte opprinnelig hans coloratura-stil, helt til Vincenzo Bellini og Gaetano Donizetti klarte å frigjøre seg fra den overveldende modellen med sin egen, noe enklere, mer uttrykksfulle og romantiske stil. Bellini var kjent for den uttrykksfulle og sofistikerte deklamasjonen av sine resitativer og de "uendelig" lange og ekspressive melodiene til operaene hans, som Il pirata (1827), I Capuleti ei Montecchi (1830), I puritani (1835), La sonnambula ( 1831), og spesielt Norma (1831). Bellini skrev tittelrollen til denne operaen med den berømte arien "Casta diva", akkurat som Amina i La sonnambula , for storsangeren Giuditta Pasta . Norma er så krevende at den bare kan bli sunget og tolket av veldig få store sangere; den ble revet fra glemselen igjen av Maria Callas ' historiske tolkning .

Donizetti, som var noen år eldre enn ham, var en ekstremt hardtarbeidende komponist som ble den mest suksessrike italienske operakomponisten ved siden av Bellini og spesielt etter sin utidige død (1835). Han fikk sitt første store gjennombrudd med Anna Bolena (1830), hvis tittelrolle også ble skapt av Pasta og gjenoppdaget av Callas. På den annen side har Lucia di Lammermoor (1835) med den berømte gale scenen rik på farger aldri helt forsvunnet fra repertoaret og forblir sammen med de muntre operaene L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843) og La fille du régiment (1840) konsekvent på repertoaret til operahus.

Bellinis brede melodibuer gjorde et sterkt inntrykk på den unge Giuseppe Verdi . Siden sin tredje opera, Nabucco , ble han ansett som en nasjonal komponist for Italia, som fremdeles ble styrt av Habsburgerne . Koret “Va, pensiero, sull 'ali dorate” utviklet seg til landets hemmelige nasjonalsang . Musikalsk er Verdis musikk preget av en sterkt fremhevet, klar rytme, der enkle, ofte ekstremt uttrykksfulle melodier utvikles. I operaene hans, hvor Verdi, med et umiskjennelig teaterinstinkt, ofte bidro til læreboka selv, inntar korsscener først en viktig posisjon. Verdi forlot i økende grad tradisjonell nummeropera; Konstant følelsesmessig spenning krevde en variert blanding av de enkelte scenene og ariene. Med Macbeth vendte Verdi seg til slutt fra nummeropera og fortsatte på sin vei til intim karakterskildring av individer. Med La traviata (1853, basert på romanen The Lady of the Camellias fra 1848 av Alexandre Dumas the Younger , som dreier seg om den autentiske figuren til kurtisanen Marie Duplessis ), brakte han et moderne emne til operascenen for første gang, men ble tvunget av sensurene til å stoppe plottet for å flytte fra nåtiden. Verdi satte ofte musikk på litterære kilder, for eksempel av Friedrich Schiller (f.eks. Luisa Miller etter Kabale und Liebe eller I masnadieri etter Die Räuber ), Shakespeare eller Victor Hugo ( Rigoletto ). Med sine bidrag til Grand Opéra skrevet for Paris (f.eks. Don Carlos , 1867) fornyet han også denne formen og tok opp elementer fra Richard Wagners musikalske drama med avdøde Otello til han kom opp med den overraskende komedien Falstaff (1893; poesi i begge Cases av Arrigo Boito ) komponerte sin siste av nesten 30 operaer i en alder av 80 år. Sannsynligvis er hans mest populære opera Aida , skrevet i 1871.

Århundreskiftet

Francisca Pomar de Maristany synger “Vissi d'arte” fra Giacomo Puccinis Tosca - innspilling fra 1929

Etter at Verdi gikk av, erobret de unge Verists (ital. Vero = true) scenen i Italia. Ubeautifisert naturalisme var et av deres høyeste estetiske idealer - følgelig ble pent skrevne vers avstått fra. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) og Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) var de mest typiske komponistene i denne perioden. Giacomo Puccini , derimot, vokste i berømmelse langt utenfor henne og er fortsatt en av de mest utførte operakomponistene til denne dagen. La Bohème (1896), et moralsk maleri fra Paris ved århundreskiftet, den "politiske thrilleren" Tosca (1900, basert på dramaet med samme navn av Victorien Sardou) og Farama Madama Butterfly (1904), med den uferdige Turandot (uroppført posthumt i 1926) fortsatt rundt en annen økning i eksotisme, har blitt hits hovedsakelig på grunn av melodiene. Puccini var en fremtredende teaterartist og visste nøyaktig hvordan han skulle skrive for stemmen; instrumenteringen av partiturene hans, hovedsakelig satt for et stort orkester, er veldig differensiert og mesterlig. For øyeblikket blir den italiensk-tyske komponisten Alberto Franchetti , som var veldig populær på den tiden , motvillig gjenoppdaget , til tross for sine tre verdenssuksesser ( Asrael , Christoforo Colombo og Germania ). Forpliktet til et annet musikaldramatisk ideal enn Veristen var Alfredo Catalani , som var aktiv samtidig og hvis verk, som er veldig populære blant publikum, også ispedd fantastiske elementer. Hans siste og nå mest kjente opera, La Wally, basert på romanen Die Geier-Wally av Wilhelmine von Hillern , hadde premiere 20. januar 1892 på Teatro alla Scala i Milano.

Tidlig på 1900-tallet

Mary Garden som Melisande

Frankrike

Claude Debussy klarte til slutt å frigjøre seg fra tyskernes innflytelse, og sammen med Pelléas et Mélisande i 1902 skapte han et av de mest nyanserte eksemplene på Leitmotif-teknikken som ble vedtatt av Wagner . Maurice Maeterlincks originale tekst ga mange tvetydige symbolikker, som Debussy tok i orkesterspråket. Nesten alle vokalpartiene ble designet som resitativ og tilbød et moteksempel for Wagners "uendelige melodi" med "uendelig resitativ". Et av de sjeldne unntakene som gir lytteren en vokallinje, er den enkle sangen til Mélisande, som på grunn av korthet og mangel på dekorasjon knapt kan betraktes som en ekte arie.

Wienerskole

Etter Richard Strauss , som først ble en senromantisk ekspresjonist med Salome og Elektra , men deretter vendte tilbake til tidligere komposisjonsstiler med Der Rosenkavalier, og en rekke verk spilles mye med en rekke verk den dag i dag (f.eks. Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Shadow og Die Schweigsame Frau ), bare noen få komponister klarte å finne en permanent plass i repertoaret til operahus. I stedet ble (og blir) fortidens verk opprettholdt. Inkluderingen av et samtidsverk i standardrepertoaret er fortsatt unntaket.

Alban Berg lyktes i å gjøre dette med operaene Wozzeck , som ble lagt ut som en frittonal, og Lulu , som bruker tolvtonemusikk helt. Det første fragmentet av Lulu ble fullført i sin tre-akter-form av Friedrich Cerha for Paris-forestillingen under Pierre Boulez og Patrice Chéreau . Av begge operaene, spesielt Wozzeck, der innholdet i stykket og den musikalske visjonen finner en enhet, har nå funnet veien inn i det kjente operarepertoaret i utallige produksjoner på store og små scener rundt om i verden og har oppnådd en ubestridt posisjon. Det er ganske likt med Lulu, som imidlertid ofte bare kan mestres av større scener på grunn av innsatsen i arbeidet. Imidlertid inspirerer hun regelmessig viktige tolker som Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas eller Julia Migenes .

Arnold Schönberg, 1948

Av Arnold Schoenberg som regelmessig er monodrama forventet  den første operaen for en sanger - - og den bevisst uferdige av komponisten som ble etterlatt, oppga de høyeste kravene til koret Vice-border verk Moses og Aaron . Forventning, skrevet så tidlig som i 1909, men bare premiere i Praha i 1924 med Marie Gutheil-Schoder under ledelse av Alexander von Zemlinsky , viste en spesiell fascinasjon for sangere (spesielt Anja Silja og Jessye Norman ) så vel som for regissører i årene etter 2. verdenskrig (f.eks. Klaus Michael Grüber med Silja 1974 i Frankfurt; Robert Wilson med Norman 1995 på Salzburg-festivalen ). I 1930 begynte Schönberg arbeidet med Moses og Aron, som han brøt av i 1937; Etter den iscenesatte premieren i Zürich i 1957, har denne operaen vist sin egnethet for scenen i en rekke internasjonale forestillinger, spesielt siden 1970-tallet. Det er også interessant at Moses bruker en muntlig sang gjennom hele operaen, hvor tonehøyde er forhåndsbestemt, mens Aron synger.

Videre utvikling i det tyskspråklige området

Ellers satte Wienskolen ingen spor igjen i standardrepertoaret. Musikalsk måtte imidlertid enhver moderne komponist forholde seg til tolvtonemusikk og bestemme om de skulle fortsette å arbeide på grunnlag av den eller rettere å tenke i tonelinjer.

Hans Pfitzner var en av de viktigste komponistene i første halvdel av århundret som bevisst holdt seg til tonetradisjonene. Hans operaverk viser innflytelse fra Richard Wagner og tidligromantiske komponister som Weber og Marschner. Pfitzners musikk bestemmes i stor grad av lineær-polyfonisk tenking, harmonien beveger seg mellom enkel diatonisk og kromatisme som går til grensene for tonalitet. Av alle Pfitzners operaer er musikallegenden Palestrina , som hadde premiere i 1917, mest kjent. Han skrev også: Stakkars Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein og Das Herz .

Franz Schreker opprettet Der ferne Klang i 1912, en av de store operaene før andre verdenskrig , men ble senere glemt da nasjonalsosialismen presset verkene hans fra repertoaret. Etter mange tidligere forsøk begynte den virkelig dype gjenoppdagelsen av denne komponisten ikke før på 1980-tallet, som i tillegg til nye produksjoner av Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Wiener Staatsoper 1991) også produserte forestillinger av Die Gezeichen , Der Schatzgräber og Irrelohe . Sterkt differensierte tømmer spiller en viktig rolle i Schrekers musikk. Med Schreker forsterkes Wagners kromatiske harmoni igjen, noe som ofte slør tonebåndene ut til å bli gjenkjent.

I likhet med Schreker, wieneren Alexander von Zemlinsky og Brno Erich Wolfgang Korngold , hvis verk også hadde vanskelig etter 1945. Siden 1980-tallet har begge komponistene klart å gjenvinne en plass i det internasjonale repertoaret, Zemlinsky med klær gjør mannen , men spesielt A Florentine Tragedy , The Dwarf and The King Kandaules , Korngold med The Dead City .

Arbeidet til Walter Braunfels ble også forbudt av nasjonalsosialistene og har bare fått økt oppmerksomhet siden slutten av det 20. århundre. Braunfels var med operaen Die Vögel en av de mest utførte komponistene på tyske operascener på 1920-tallet. Den stilistiske allsidigheten til verkene hans er slående: Hvis prinsesse Brambilla tilbyr et alternativ til det musikalske dramaet fra Wagnerian Succession basert på Commedia dell'arte , viser Die Vögel Pfitzners innflytelse. Med de senere operaene Annunciation , The Dream a Life og Joan of Arc - Scenes from the Life of St.Johanna , nærmer Braunfels seg tonalspråket til den senere Hindemith.

En av de mest suksessrike komponistene i den yngre generasjonen på 1920-tallet var Ernst Krenek , en student av Schreker, som opprinnelig forårsaket en sensasjon med ekspresjonistiske verk holdt i fri sonlighet. Hans opera Jonny 1927 , som tar opp elementer av jazz, var en skandaløs suksess. Det er et typisk eksempel på sjangeren "Zeitoper" som dukket opp på den tiden, og som tok sine handlinger fra datidens hverdag, som ble sterkt bestemt av endringen i forskjellige moter. Kreneks musikk ble senere avvist av nasjonalsosialistene som "utartet" og utestengt. Komponisten emigrerte til USA og hadde mer enn 20 operaer innen 1973, der den foranderlige utviklingen av musikk fra det 20. århundre reflekteres eksemplarisk.

Andre verdenskrig

Den andre verdenskrig markerte et viktig vendepunkt i historien om Europa og Amerika, som også hadde en innvirkning på den musikalske verden. I Tyskland ble operaer med moderne lyder sjelden spilt og ble stadig mer sidelinje. Et typisk eksempel på dette er Paul Hindemith , som på 1920-tallet ble ansett som et musikalsk "borgerskap" med verk som operaen Cardillac , men etter 1930 fant han endelig en moderat moderne stil med nyklassisistisk innflytelse. Mathis maleren (komponisten satt sammen en mye spilt symfoni fra deler av denne operaen). Til tross for stilendringen følte Hindemith avvisningen tydelig fordi Adolf Hitler hadde tatt personlig krenkelse ved operaen Neues von Tag , som han fullførte i 1929 . Til slutt ble Hindemiths verk merket som "degenererte", og fremføringen deres ble forbudt. Som andre kunstnere og komponister før og etter ham, gikk Hindemith i eksil i 1938.

Tid etter 1945

Generell utvikling

Perioden etter 1945 var preget av en klar internasjonalisering og individualisering av operavirksomheten, noe som gjorde at den forrige inndelingen i nasjonale tradisjoner neppe virket meningsfull.

Opera ble mer og mer avhengig av komponistens individuelle påvirkninger enn av generelle trender. Den konstante tilstedeværelsen av "klassikerne" i det operatiske repertoaret økte kravene til moderne operaer, og hver komponist måtte finne sin egen måte å takle fortiden på, fortsette den, å fremmedgjøre den eller å bryte med den. I det følgende dukket operaer opp igjen og igjen som brøt grensene for sjangeren og forsøkte å overvinne dem. På et musikalsk og tekstnivå forlot komponistene i økende grad kjent område og inkluderte scenen og den naturskjønne handlingen i den - ofte nok abstrakte - musikalske sekvensen. Et kjennetegn ved utvidelsen av visuelle midler i det 20. århundre er videoprojeksjonene som opprinnelig følger med handlingen og senere blir mer uavhengige.

Bo Skovhus som Lear i operaen med samme navn av Aribert Reimann ved Hamburg statsopera 2012. Foto: Brinkhoff Moegenburg

I den økende individualiseringen av musikkspråk kan trender likevel gjenkjennes i operaen i andre halvdel av det 20. århundre: på den ene siden litterære operaer , hvis dramaturgi i stor grad er basert på tradisjon. Men stadig flere aktuelle materialer og libretti brukes til dette formålet. Likevel er to banebrytende verk fra denne tiden av alle operaer som bruker litterære klassikere som grunnlag, nemlig Bernd Alois Zimmermanns opera Soldater basertJakob Michael Reinhold Lenz og Aribert Reimanns Lear basertWilliam Shakespeare . Ytterligere eksempler på den litterære operaen vil være Reimanns Das Schloss (etter Kafka ) og Bernarda Albas Haus (etter Lorca ). Politiske temaer blir også i økende grad satt til musikk, og starter med Luigi Nono og Hans Werner Henze ; et nyere eksempel er Gerhard Rosenfelds opera Kniefall i Warszawa om Willy Brandt , hvor premieren i 1997 i Dortmund hadde liten effekt på publikum eller presse og ikke resulterte i noen oppfølgingsproduksjoner.

Hvis verkene til Luigi Nono ikke lenger kan kategoriseres som litterære operaer på grunn av deres eksperimentelle musikalske språk, blir operaens dramaturgi også utforsket for sine eksperimentelle muligheter. Begrepet opera gjennomgikk derfor en endring i andre halvdel av det 20. århundre, mange komponister erstattet det med musikkteater eller musikalske scener og brukte bare begrepet opera om verk som var eksplisitt knyttet til tradisjon. I verkene til eksperimentelle komponister kan ikke bare en kreativ håndtering av tekst og dramaturgi oppdages, scenen, orkesteroppstillingen og, sist men ikke minst, selve musikken overvinner konservative mønstre, sjangeren kan ikke lenger avgrenses tydelig her . I tillegg brukes nye medier som video og elektronikk, men drama, dans og performance finner også veien til opera.

En annen italiensk komponist legemliggjør sin helt egen stemme i moderne musikkteater: Salvatore Sciarrino . Med sin interesse for tømmer eller stillheten i musikken skaper han. Noen av verkene er umiskjennelige takket være renessansens komposisjonsteknikker (f.eks. I operaen Luci mie traditrici fra 1998 om livet til madrigalkomponisten Carlo Gesualdo ).

Benjamin Britten førte moderne England til den internasjonale operascenen. Den mest kjente av hans mest tonale operaer er A Midsummer Night's Dream , basert på skuespillene til William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd og Peter Grimes . Brittens kjærlighet og talent for lydmaling ble vist igjen og igjen, spesielt i skildringen av havet.

De Dialogues des karme (Samtaler av karme , hadde premiere i 1957) av Francis Poulenc er regnet som en av de viktigste verkene til moderne musikkteater. Grunnlaget er det historiske materialet til martyrene i Compiègne , som i 1794 gikk til stillaset og sang under øynene til den revolusjonerende domstolen etter at de hadde nektet å bryte sine religiøse løfter. Den andre berømte operaen for en enkelt sanger går også tilbake til Poulenc: I La voix humaine brytes personen ganske enkelt om som en "kvinne" på grunn av utroskapen til kjæresten hennes, som dumper henne over telefonen. Luciano Berio brukte også et kommentarkor for den kvinnelige hovedpersonen “Sie” i Passaggio .

Komponisten Philip Glass , som arresterte Minimal Music , brukte ikke lenger sammenhengende setninger for Einstein on the Beach , men brukte i stedet tall, solfège stavelser, tullord. Presentasjonen av begivenhetene på scenen var avgjørende. I 1976 ble Einstein on the Beach opprettet , den første delen av en trilogi der Satyagraha og Akhnaten også er representert - hyllest til personligheter som endret verdenshistorien: Albert Einstein , Mahatma Gandhi og den egyptiske faraoen Akhnaton . Glass 'verk har vist stor offentlig appell , spesielt i forbindelse med de hyggelige produksjonene av Robert Wilson eller Achim Freyer .

Mauricio Kagels teaterverk fungerer like ofte om musikk eller selve teatret, som best kan klassifiseres som "scenisk-musikalsk handling" - musikken er knapt fast, ettersom Kagel lar seg fritt improvisere av sine utøvere, som bruker ikke- instrumenter (glidelåser, babyflasker osv.) eller bruke dem på en uvanlig måte, synge meningsløse stavelser eller lage handlinger og / eller musikk ved en tilfeldighet eller improvisert lesing. Med vett kritiserte Kagel staten og teatret, militæret, kunstindustrien osv. Skandaler vekket hans mest berømte verk, State Theatre , der teaterets skjulte mekanismer blir brakt til overflaten.

Luigi Nono brukte derimot musikken sin til å beskylde politiske og sosiale plager. Dette blir spesielt tydelig i Intolleranza 1960 , hvor en mann på tur til hjemlandet opplever demonstrasjoner, protester, tortur, konsentrasjonsleirer , fengsel og overgrep til og med en flom, og til slutt innser at hjemmet er der han trengs.

En veldig produktiv komponist var Hans Werner Henze , som ble tildelt Premium Imperiale fra Japan Art Foundation (såkalt Nobelpris for kunst ) i 2003 . Fra begynnelsen var han i konflikt med dagens musikk i Tyskland, hvorav noen var dogmatisk orientert (nøkkelordet Darmstadt eller Donaueschingen , se ovenfor), tok opp serieteknikker , men brukte også helt forskjellige komposisjonsteknikker, inkludert aleatorisk . I begynnelsen av sin operakarriere jobbet han med dikteren Ingeborg Bachmann ( The Young Lord , 1952, og Kleists tilpasning The Prince of Homburg , 1961). The Elegy for Young Lovers (1961) ble skrevet med WH Auden og Chester Kallman, librettistene til Stravinskys opera The Rake's Progress . Senere satte han musikk på libretti av Edward Bond ( The Bassarides , 1966, og The English Cat , 1980). Hans verk L'Upupa and the Triumph of Son's Love hadde premiere i 2003 på Salzburg-festivalen. Henze, som har bodd i Italia i mange tiår, har bærekraftig forfremmet og påvirket mange yngre komponister. Biennalen for nytt musikkteater, som han grunnla, har eksistert i München siden 1988 .

Verdensparlamentet for den første scenen på ONSDAG, fra Stockhausens operasyklus LIGHT. Birmingham Opera 2012

Karlheinz Stockhausen fullførte sin heptalogi LIGHT, som han startet i 1978, i 2005 . Med sitt hovedverk etterlater han et monumentalt opus som omhandler religiøse temaer, bestående av syv operaer, hver representerer en ukedag. De første operaene hadde premiere i Milano ( torsdag , lørdag , mandag ), i Leipzig ble de spilt for første gang tirsdag og fredag . I sin helhet er det komplekse arbeidet med totalt 29 timers musikk ennå ikke blitt utført, ikke minst på grunn av de enorme organisatoriske vanskelighetene.

Operaen Das Mädchen mit den Schwefelhölzern av Helmut Lachenmann vakte oppmerksomhet i Tyskland i 1996 . Den er basert på den berømte julehistorien av Hans Christian Andersen . På en idiosynkratisk måte og med til dels nye instrumentale teknikker, konverterer Lachenmann følelsen av kulde til lyd.

I følge Operabase- statistikk er de fem mest utførte levende operakomponistene i de fem sesongene fra 2013/14 til 2017/18 amerikanerne Philip Glass , Jake Heggie , engelskmannen Jonathan Dove , nederlenderen Leonard Evers og engelskmannen Thomas Adès . Operabase kaller Peter Lund den 8., Marius Felix Lange den 11., Wolfgang Rihm den 14., Ludger Vollmer på den 17. og Aribert Reimann på 23. plass som de mest utførte tyske komponistene .

Siden Humperdinck er eventyr opera Hans og Grete , har operakomponister gjentatte ganger skrevet barns operaer , for eksempel B. Henze ( Pollicino , 1980), Oliver Knussen ( Where the wild guys live , 1980 og 1984) og Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , Der Rattenfänger , Eduard auf dem Seil , Wolkenstein og Der Goggolori ).

Andre viktige operakomponister fra det 20. og 21. århundre

form

Operene er preget av en rekke former, som bestemmes av konvensjonelle komposisjonsstiler så vel som av individuelle løsninger fra komponistene. Derfor er det ingen generell formel for deres struktur. Grovt sett kan man imidlertid bestemme en utvikling fra nummeroperaen gjennom mange forskjellige blandede former til den fullkomponerte operaen rundt 1900.

Nummeropera

Fra barokkperioden til den romantiske tiden er operaen en serie med selvstendige musikkstykker (" tall ") som er knyttet sammen av resitativer eller (i Singspiel ) talte dialoger og representerer en kontinuerlig plot . I likhet med dramaet kan en opera deles i handlinger , bilder , scener eller opptredener . De musikalske komponentene i operaen er forskjellige:

Instrumental musikk

Lukkede lyriske former

Handlingsorienterte passasjer og tall

  • Den resitativet er en tekst innstilling som tilpasser seg tale rytme og tale melodi . Den brukes hovedsakelig til å formidle handling, spesielt i dialogscener. I barokk og klassisk musikk skilles det mellom recitativo secco , (ital. Secco , tørr) og recitativo companagnato (ital. Accompagnato , akkompagnert). I secco-recitativet er bare vokal- og basspartiene notert, senere også de tilhørende akkordene som figurert bass eller i skriftlig form. Sangeren er ledsaget av ett eller få instrumenter, for det meste en bass og et harmoniinstrument (plukket eller keyboardinstrument). På 1700-tallet falt denne oppgaven i økende grad bare til cembalo og senere også til fortepianoet . I Accompagnato-resitativet er akkompagnementet komponert for orkesteret; det er ofte relatert til en arie, situasjonen den forbereder seg på.
  • Scenen, italienske Scena , stammer fra det 19. århundre fra den handlingsorienterte resitativet og er akkompagnert av orkesteret. Vanligvis følges dette av en arie.
  • Den melodrama består enten av å snakke akkompagnert av musikk, for eksempel i Antonio Salieri Rauchfangkehrer (1781), dungeon scene fra Ludwig van Beethovens Fidelio (1805/1814) og Wolfsschlucht scene fra Carl Maria von Weber Der Freischütz (1821), eller bare en pantomime akkompagnert av musikk som i Daniel-François-Esprit Aubers La muette de Portici (1828) eller Giacomo Puccinis Suor Angelica (1918). Melodramaet danner en uavhengig form, som inkluderte hele verk som Franz Schuberts Die Zauberharfe (1820), men er nå forsvunnet fra teatrene. Dagens filmmusikk trekker på effekten av melodrama .

Velkomponert storform

Skillet mellom tall og skillet mellom resitativ og arie ble stilt spørsmålstegn på 1800-tallet. Fra 1825 og utover forsvant secco recitativet gradvis ; i italiensk litteratur ble det erstattet av prinsippet scena ed aria , som Giuseppe Verdi brukte til å danne handlingene til en større musikalsk helhet. Fra midten av århundret, Richard Wagner spredte oppgivelse av antall strukturen i favør av en godt sammensatt helhet dannet på grunnlag av ledemotiver . For Wagners operaer har begrepet musikaldrama etablert seg , stikkordet " uendelig melodi " står for en kontinuerlig progresjon av musikalsk og følelsesmessig utvikling, som etter hans mening burde seire fremfor musikalske danseformer. Wagner beskrev sin opera Tristan und Isolde (1865) som ”plot in music”, som skulle minne om de opprinnelige operatermene “favola in musica” eller “dramma per musica”.

Den gjennomkomponerte formen ble generelt foretrukket på slutten av 1800-tallet, også av Jules Massenet og Giacomo Puccini , og forble den dominerende modellen fra tidlig modernisme til nyklassisisme , som eksperimenterte med skjøre strukturer og med referanser til former fra tidlig operahistorie. Selvstendige deler fra grundig komponerte operaer blir også fremført på konserter, for eksempel mange arier fra Puccini-operaer. Richard Strauss regnes som mesteren i den velskomponerte storskalaformen, som spesielt demonstrerte dette i enakten Salome , Elektra og Ariadne auf Naxos .

I det 20. århundre gikk mange komponister tilbake til tallprinsippet, for eksempel Zoltán Kodály , Igor Stravinsky eller Kurt Weill . Nummeroperaen fortsetter også i operetter og musikaler .

Opera seria og Opera buffa

I operahistorien har det stort sett vært en "høy" og en "lav" stil, basert på det eldgamle skillet mellom tragedie og komedie . Dette betyr imidlertid ikke alltid en linje mellom alvorlig og morsom. Den "høye" stilen kan også heve seg over den "nedre" ganske enkelt gjennom antikke materialer eller edle figurer eller gjennom en "litterær" modell som skal tas på alvor eller gjennom "vanskelig" (eller bare gjennomkomponert ) musikk. Alle disse indikasjonene på hva som er mer verdifullt har blitt angrepet gjennom historien. Det var sjangre som prøvde å svekke kontrasten, som opera semiseria.

Så lenge operaen fremdeles var på den eksperimentelle scenen, som den var på begynnelsen av 1600-tallet, var separasjon ikke nødvendig. Det skjedde først da operaopptredener ble vanlige, og av sosiale årsaker: den alvorlige operaen inneholdt aristokratisk personell og "høy" politisk symbolikk, tegneserien inneholdt borgerlige karakterer og "ubetydelige" hverdagslige handlinger. Gradvis skilte Opera seria og Tragédie lyrique seg fra deres komiske mellomspill , hvorfra Opera buffa og Opéra-comique kom frem . Denne separasjonen ble først brutt på slutten av 1700-tallet: Fordi innbyggerne ikke lenger ønsket å bli portrettert på en komisk (dvs. latterlig) måte i den "lavere" operasjangeren som var beregnet for dem, ble tegneserien ofte omgjort til den sentimentale og verdsatt. Derfor er "rare operaer" ofte ikke morsomme. Etter franske revolusjonen , klassen ble klausulen oppløst og borgerlige operaer fikk lov til å være “seriøse”. Dermed dukket det opp forskjellige grenser mellom tragedie og komedie på 1800-tallet enn på 1700-tallet.

Et samlebegrep for både tragiske og tegneserier er den italienske dramma per musica , som operaen ble kalt i sine tidlige dager. Et eksempel på en tidlig seriøs opera er Il ritorno d'Ulisse in patria av Claudio Monteverdi . Den alvorlige påstanden skyldes bruk av eldgammelt teatermateriale - spesielt tragedier - og episke heltedikt. De har blitt erstattet av nyere historiske emner siden det senere 1700-tallet. I det 19. århundre Italia ble begrepet dramma brukt i sammensetningen melodramma og ikke lenger relatert til eldgamle dramaer. Både Bellinis tragiske opera Norma og den komiske operaen L'elisir d'amore av Gaetano Donizetti ble så kalt.

"Høy" stil

Operaserien etablerte seg ikke som en fast periode før 1700-tallet. Blandede former eller tragikomisk innhold ble ekskludert med denne tittelen. Händels opera Radamisto er et typisk verk. Som en motpol til Italia ga Frankrike sin egen form for opera seria tittelen Tragédie lyrique , i stor grad påvirket av Jean-Baptiste Lully og balletten ved hoffet av Louis XIV , senere av Jean-Philippe Rameau . Etter den franske revolusjonen etablerte den store opéra seg gradvis som en borgerlig, seriøs opera. Disse inkluderer Les Huguenots av Giacomo Meyerbeer , samt mindre vellykkede verk som Les Troyens av Hector Berlioz .

Det velkomponerte musikkdramaet til den mer modne Richard Wagner ( Nibelung-ringen ) hadde stor internasjonal innflytelse. Franske komponister fra den tiden som Massenet , derimot, valgte en gjennomsiktig og vokal operastil, som begrepet drame lyrique ble brukt for. Selv Debussy brukte dette begrepet for operaen Pelléas et Mélisande .

Operamateriale har alltid kommet fra romaner , noveller eller sceneverk . Den italienske operaen fra 1700-tallet så på seg selv som litteratur kledd i musikk . Siden har musikk blitt den absolutte overvekt, dvs. siden slutten av 1800-tallet, kjent som ekstremt litterære operaer litterær opera . Death in Venice av Benjamin Britten basertThomas Mann er en veldig tro oversettelse av det litterære materialet til musikk.

"Lavere" stil

Den opera buffa er den opprinnelige form av oppmuntrende opera. Pergolesis La serva padrona ble ansett å være det ledende eksemplet rundt midten av 1700-tallet. Et sent eksempel er Il barbiere di Siviglia av Gioachino Rossini . De eksepsjonelt muntre operaene ble ofte mindre ansett enn de sentimentale. Stoffene hennes kommer fra populært teater og posse , sterkt påvirket av den italienske Commedia dell'arte .

Den franske opéra-comique (type arbeid) kom fram fra den tidlige operabuffaen , som før revolusjonen ble operaen til et stadig mer selvsikker borgerskap. Først ble dette forstått å være mer et sangspill ( vaudeville ). Men den musikalske delen vokste og begynte å dominere. Det tyskspråklige Singspiel kom ut av Opéra-comique . Singspiel har ofte en populær, borgerlig karakter, er preget av enkle sang- eller rondoformer og bruker talte dialoger i stedet for resitativer , og tidvis melodrama mellom de musikalske tallene.

Retten snakket fransk. Problemet med tysk opera på 1700-tallet og til en viss grad fremdeles på 1800-tallet var at den som folkelig opera tilhørte den "lavere" sjangeren og måtte hevde og frigjøre seg selv. Bortføring fra Seraglio av Wolfgang Amadeus Mozart er en av de mest berømte Singspiele med dette målet. Mozart bruker også mer komplekse musikalske former for ariene. Verket, som fikk i oppdrag av keiser Joseph II å etablere et nasjonalsangstykke og hadde premiere i 1782 på Wiener Burgtheater , var av avgjørende betydning for utviklingen av tysk opera.

Paris var en leder innen operahistorie på 1800-tallet, og italienere som Rossini og Verdi kom også hit. Den Opéra-Comique , som ble utført i huset til Opéra-Comique , også holdt seg sekundært til den nyopprettede, grundig sammensatt Grand Opera , som ble utført i Opéra - mindre i form av sin musikalske betydning enn dens sosiale betydning. Av de nevnte grunnene trengte det ikke nødvendigvis å være munter. Et eksempel på en komisk og maudlin opera comique, også kjent i det tyskspråklige området, er The Postillon av Lonjumeau av Adolphe Adam . En gruppe verk som formelt fremdeles skal kalles Opéra-comique etter 1860 forsterket den sentimentale grunnleggende karakteren ( f.eks. Mignon av Ambroise Thomas ). Et sentimentelt element finnes også i noen av Rossinis tegneserieoperaer ( La Cenerentola ).

En fornyelse av opéra-comique lyktes med Carmen av Georges Bizet , hvis drama peker i retning av verismooperaen . Med henne - bortsett fra de proletariske figurene - var luriden et kjennetegn på den "lavere" stilen.

Flott opera - kammeropera

"Størrelsen" kan også være et tegn på høy eller lav stil. Noen ganger brukes begrepet "grand opera" som undertittel for et verk. Dette betyr for eksempel at orkesteret og koret skal spille og synge i store rollebesetninger, eller at operaen er et verk i full lengde med integrert ballett. Dette er operaer som bare kan oppføres i et større teater, og som kan avvike fra repertoaret til de reisende troppene. Et eksempel på en "flott opera" er Manon av Jules Massenet .

Begrepet kammeropera refererer derimot til et verk som kan realiseres med lite personale. Antall sangere er vanligvis ikke mer enn fem, orkesteret er begrenset til et kammerorkester . Dette kan komme ut av vanskeligheter med materiell fattigdom og dermed referere til den "lavere" sjangeren eller tvert imot bety større eksklusivitet og konsentrasjon av en "høyere" sjanger. Scenen er også ofte mindre, noe som kan bidra til en mer intim atmosfære, noe som er gunstig for effekten av arbeidet. Eksempler kan være Albert Herring av Benjamin Britten eller "Les Larmes de couteau" av Bohuslav Martinů .

Sjanger eller bare undertekster?

Noen operakomponister motsto også klassifisering i sjangertradisjoner eller henviste bevisst til verkene deres med visse undertekster i forhold til dem. Wagners Tristan og Isolde bærer for eksempel begrepet "handle i musikk", Luciano Berio brukte for sitt arbeid Passaggio om begrepet "messa in scena" ("iscenesettelse"). George Gershwin beskrev verket Porgy and Bess som "An American Folk Opera". For å ta avstand fra klisjéideer, foretrekker moderne komponister ofte alternative navn som "azione scenica" ( Al gran sole carico d'amore av Luigi Nono) eller "azione musicale" ("musikalsk handling", Un re in ascolto av Luciano Berio). Selv Peter Tsjaikovskijs berømte opera Eugene Onegin ble av komponisten kalt "Lyriske scener".

Andre spesielle former

I 2016 skrev Richard Geppert den tyske rockoperaen Freiheit med de musikalske uttrykksmåtene og instrumentene til rockemusikk .

Det er noen få eksempler på operaer - inkludert John Coriglianos verk The Ghosts of Versailles , som hadde premiere i 1991 - som er selvhenvisende når det gjelder form , i og med at de selv inneholder drama eller opera.

Fremføringsøvelse av operaen

repertoar

På grunn av det faktum at operasjangeren ikke alltid er lett å skille fra andre musikalske sjangre og sjangere og praktiseringen av pasticcios , er en uttalelse om operarepertoarets samlede omfang fyldt med mange vanskeligheter. Nåværende lister antar rundt 5800 til 6000 kjente verk. Hvis du tar med det ikke ubetydelige antallet tapte og tapte verk, spesielt fra 1700- og begynnelsen av 1800-tallet, bør totalt rundt 60.000 operaer være realistiske.

Katarina Karnéus som Serse ved den svenske operaen Stockholm, 2009

Det store antallet verk gjør det ikke enkelt for teatre og operahus å ta et utvalg som oppfyller høy standard og finner et tilstrekkelig publikum. Avhengig av størrelsen på teatret og det eksisterende budsjettet er kunstnerisk leder og dramaturgi for hver divisjon av teatret (skuespill, musikkteater, ballett, barneteater, dukketeater osv.), En tidsplan som ble utarbeidet tilpasset huset og dets ansatte. Programmet tar hensyn til stedets særegenheter og forestillingstradisjoner - for eksempel gjennom friluftsfestivaler, jule- eller nyttårskonserter - men indikerer også nåværende trender innen musikkteater ved å fremføre samtidige verk. Avhengig av størrelsen på huset, arrangeres forskjellige operaer på nytt på en sesong . Den første offentlige forestillingen av en ny opera kalles en premiere , den første offentlige forestillingen av en opera i en ny produksjon kalles en premiere .

Litt etter litt har det dukket opp en velprøvd, mer eller mindre smal kanon av operaer som regelmessig står på programmet. Cirka 150 operaer utgjør denne ikke-faste kanonen i kjernen. Følgelig har særlig funksjonsseksjonen interessert seg fra de allerede kjente verkene til deres tolkning , med iscenesettelsen flyttet i forgrunnen. Publikum forbinder ofte favorittoperaene sine med visse tradisjoner, hvorav noen er frosset i konvensjoner , og reagerer kontroversielt på radikale tolkningsmetoder (regi- teater ).

Forestillingens språk

Frem til midten av 1960-tallet ble operaer for det meste fremført på det lokale språket på stedet der de ble fremført. Verdi-operaer i Tyskland ble sunget på tyske og Wagner-operaer i Italia på italiensk, som vist av radio- og fjernsynsopptak. Allerede før det var det imidlertid teatre som fremførte operaer på originalspråket, for eksempel Metropolitan Opera i New York. The Salzburg Festival alltid presentert operaer bare på originalspråket. På grunnlag av en kontrakt med La Scala i Milano , der italienske sangere forpliktet seg til også å synge på Wiener Staatsopera , introduserte Herbert von Karajan prinsippet om å utføre operaer på originalspråket i Wiener Staatsopera i 1956. Med sin begrunnelse om at enheten mellom ord og musikk gikk tapt ved oversettelse til et annet språk, ble operaer gradvis fremført mer og mer i sin opprinnelige form. Plate- og sangermarkedet, som ble stadig mer internasjonalt, bidro også avgjørende til denne utviklingen. I DDR var det derimot fortsatt en stor tradisjon med oversettelser, men nye oversettelser (f.eks. Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) forsøkte å oversette innholdet i originalen mer presist, språklig mer vellykket og fremfor alt musikalsk mer riktig. I dag, i nesten alle større operahus, utføres operaer på originalspråket med samtidig teksting .

På mange mindre teatre, spesielt i Øst-Tyskland, er det fremdeles forestillinger på tysk. Det er også flere operahus i noen byer (f.eks. Berlin, München, Wien), hvorav den ene utfører operaer i oversettelser, for eksempel Volksoper Wien , Komische Oper Berlin , Staatstheater am Gärtnerplatz i München, eller i London English National Opera . Noen ganger er det også en autorisert oversettelse (som i tilfelle Leoš Janáčeks operaer , hvis tyske tekst kommer fra Janáčeks venn Max Brod , slik at den tyske teksten også kan betraktes som original). Å opptre på originalspråket er alltid vanskelig når det er dialoger i verket. Det er også blandede former her, dvs. talte tekster oversettes, men sanglyder er på originalspråket. Oversatt musikkteaterforestilling er derfor utbredt innen singspiel , operette og musicals . Dramaturgien på teatret er ansvarlig for den eksakte oversettelsen fra et fremmed språk. Hvis språkkunnskapene til repeterene skal utdypes, kalles også spesialbusser for et fremmedspråk inn.

Se også

litteratur

Bøker

Fagbøker

weblenker

Wiktionary: Opera  - forklaringer av betydninger, ordets opprinnelse, synonymer, oversettelser
Commons : Opera  - samling av bilder, videoer og lydfiler
Wikikilde: Opera  - Kilder og fulltekster
Wikiquote: Opera  - Sitater

Individuelle bevis

  1. Wilibald Gurlitt , Hans Heinrich Eggebrecht (red.): Riemann Music Lexicon ( fagdel ) . B. Schott's Sons, Mainz 1967, s. 654 .
  2. ^ Arnold Jacobshagen : "Musiktheater" (PDF) Tysk musikkinformasjonssenter .
  3. Oppsummering se: Wolfgang Osthoff: Monteverdi: L'incoronazione di Poppea . I: Carl Dahlhaus (red.): Piper's Enzyklopädie des Musiktheater . Bind 4. München 1991, s. 253-259.
  4. ^ Johannes Jansen: Crash Course opera . S. 127, "Avgang inn i moderne tid".
  5. Statistikk 2017/18. Operabase ; åpnet 14. juni 2018.
  6. Roswitha Frey: "Virkeligheten har innhentet oss" . Badische Zeitung , 18. mars 2016.
  7. Ghosts of Versailles. Hentet 7. juli 2019 .
  8. Kurt Pahlen : Det nye operaleksikonet. Seehamer, Weyarn 2000, ISBN 3-934058-58-2 , s.9 .