Renessansemusikk

Under renessansemusikk , også kjent som renessansemusikk , refererer den til den europeiske musikken i den tidlige moderne perioden, dvs. perioden fra det 15. og 16. århundre. Det er ingen konsensus i forskning om den nøyaktige avgrensningen av epoker eller de musikalske egenskapene til renessansemusikken.

Fransk-flamsk polyfoni

I rundt to hundre år hadde komponister fra det nordvestlige Europa en ledende innflytelse på utviklingen av polyfonisk musikk, og i henhold til deres opprinnelsesområde snakker man om fransk-flamsk musikk . Den første hovedrepresentanten, Guillaume Dufay, skapte en eksemplarisk syntese av fransk, italiensk og engelsk påvirkning. Målesyklusen ble den sentrale sjangeren, før enkeltsetninger eller gloria / credo-par var regelen. Vanligvis bruker den nest laveste stemmen en allerede eksisterende åndelig eller sekulær melodi som en cantus firmus ; vekslingen av fullstemte og 2-3-delte passasjer som kan tjene til å avklare teksten er typisk. Som allerede i den berømte utstillingen av det 14. århundre Guillaume de Machaut kan Isorhythmik av Ars-nova - motett brukes i målesett. Standardiseringen tjener strategien om å gjøre de første stolpene i alle ordinære setninger like eller veldig like som et "motto".

Samme generasjon kommer fra Gilles Binchois , som regnes som den viktigste representanten for den burgundiske chansonen. Stilen er behersket, stilig og dispenserer med teksttolkning. Sopran og tenor setter opp en riktig todelt bevegelse, som kontratenoren blir lagt til som et tonetilskudd. Linjene er strukturert på samme måte og fører til en melismatisk konklusjon.

I neste generasjon tar Johannes Ockeghem den kontrapunktale kunsten til et høydepunkt ved å komponere en Missa cuiusvis toni , som er notert uten en nøkkel og fungerer i forskjellige kirkemåter , hvis karakter endres sterkt, eller i Missa prolationum en serie på to -del kanoner i skriver øvre og nedre par av stemmer, som skal leses med de samme tonene, men forskjellige kløfter og på rad produserer en kanon i første, andre, tredje osv., hvorved en 2-stolpe er overlagret av en 3-stang slik at stemmene faller fra hverandre, men likevel følger de kontrapunktale harmonireglene.

I tredje generasjon rundt 1500 erstattes sortenes ideal med større klarhet og forståelighet. På motetter åpnes ofte hver tekstlinje med et motiv som vandrer gjennom alle stemmene ( imitasjon ). Den mest fremtredende representanten, Josquin Desprez , motarbeider en praksis der komposisjoner kan legges under hvilken som helst tekst, ved å svare på musikkens innhold og følelser av teksten satt til musikk.

I andre halvdel av 1500-tallet var det på den ene siden et økende antall kromatiske vendinger til en slags musikalsk mannerisme, som i Prophetiae Sibyllarum , et tidlig verk av Orlando di Lasso . På den annen side fører dominansen av fjerde og femte trinn i bassfundamentet til tonaliteten i den følgende epoken med beregnet bass på 1600-tallet, den tiden da Jan Pieterszoon Sweelinck, den siste stormesteren i fransk-flamsk polyfoni, ble modellen for nordtysk orgelmusikk.

Funksjoner og former

Høye splittede lyder, dvs. ublandede lyder, fra middelaldermusikken erstattes av fulle lyder. Den femte og fjerde harmonikken viker for tredjedeler og sjettedeler. Utviklingen av triadeharmonien forberedes ved å starte linjene sammen i stedet for de tidligere vanlige påfølgende delene. Kompliserte former for isorytmi er forenklet. Numerisk mystikk og nederlandske kanoner i fransk-flamsk musikk er ettervirkninger av den sengotiske perioden .

Systemet med kirkeformer utvides til å omfatte eolisk og ionisk, som forbereder major-minor tonalitet .

Den musikalske komposisjonsteknikken til Fauxbourdon er et annet kjennetegn ved tidlig renessansemusikk. Det sørget for forståelsen av tekstene og var lett å forstå.

Det subjektive uttrykket for en komposisjon fikk mye mer spillerom enn i middelalderen. En tonesymbolikk sprer seg i individuelle komposisjoner som kun kunnskapsrike lyttere kan oppfatte.

I Venezia ble prinsippet til det venetianske flerkoret født , hvor kontrasterende effekter skulle oppnås gjennom forskjellige posisjoner, størrelser og rollebesetninger fra flere grupper av sangere og instrumentalister. Giovanni Gabrieli , for eksempel, regnes som en viktig representant for denne stilen .

I andre halvdel av 1500-tallet ble monodien utviklet i den florentinske Camerata ; Resultatet var et skifte over hele Europa i retning av musikk som for første gang hadde menneskelige påvirkninger , kledd i musikalske figurer , som sitt sentrale innhold.

I renessansetiden er stemmens inndeling i sopran , alt , tenor og bass fullført. Med den ekstra bassdelen i korinnstillingen endret den ideelle lyden seg og den firedelte korinnstillingen ble standard.

Vokal musikk

Både polyfoniske og homofoniske verk vises i renessansens vokalmusikk .

Tysktalende representanter for polyfoni var Ludwig Senfl og Hans Leo Haßler ; Orlando di Lasso oppnådde stor berømmelse . Madrigalen , den viktigste formen for sekulær musikk i renessansen , utviklet seg også rundt denne tiden . En typisk tysk utvikling er tenorsangen , der melodien (ofte lånt fra en folkesang ) ligger som en cantus firmus i tenoren og kunstig spilles av de andre stemmene ("madrigalisme" som symboliserer musikalske ord).

Siden midten av 1500-tallet var det forskjellige musikalske sentre i Italia, hvorav noen hadde form av mangeårige kunstneriske sirkler eller "skoler", som den romerske skolen rundt Giovanni Pierluigi da Palestrina , den venetianske skolen som eksperimenterte med tømmer og romlige effekter , og den florentinske Camerata .

Instrumental musikk

Fokus for renessansemusikken er den polyfoniske ( polyfoniske ) vokalmusikken ; den instrumentalmusikk begynner med Conrad Paumann er Fundamentum organisandi fra 1452.

I kirkemusikken begynte orgel å slå rot. Orgelbøker med noter og lærebøker dukket opp. En bestemt orgelnotasjon, kalt tablature , utviklet seg i forskjellige land med spesifikke regionale forskjeller. Den gamle og den nye tyske orgeltablaturen , spansk, italiensk, engelsk og fransk tablaturform ble opprettet. Italia overtok dominansen på 1500-tallet. Ved Markuskirken i Venezia ble nye former for orgelmusikk introdusert og spredt derfra: Toccata , Prelude og Präambulum , Ricercar som en forløper for den senere fuga , fantasy og Canzona ble inkludert i organistenes repertoar.

Det vanligste husinstrumentet for tiden er luten , for hvilken det også ble utviklet en egen fingering (tablatur). Ensom sang og ensemblestykker ble akkompagnert av henne, og vokalverk for lute kunne også skrives om.

Den første store bølgen av instrumentutvikling i Europa falt også under renessansen . I tillegg til den videre utviklingen av middelalderinstrumenter, vises mange nye instrumenter for første gang i denne perioden. Spesielt treblås, messing og strengeinstrumenter bygges nå basert på polyfoniske vokalensembler i forskjøvte vokalområder, dvs. som familier med tre eller flere forskjellige tunede instrumenter. På slutten av 1500-tallet er følgende instrumenter, som er bygget i flere stemmer, og som er egnet for ensemblespill, tilgjengelig:

De instrumentale ensemblene er satt sammen i henhold til kravene til stykket og antall tilgjengelige musikere. Instrumenteringen er vanligvis ikke spesifisert. Begge homogene instrumenter består av bare en familie av instrumenter og blandede instrumenter. Blandede ensembler inkluderer også instrumenter som ikke er bygd i familier, som sekkepipe , nøkkelfele , hurdy-gurdy , lute , harpe , psalterium eller hylle . Bruk av slående mekanismer er vanlig. Det er også musikk for naturlige trompeter og pauker, som er tilpasset tonetilførselen til disse instrumentene.

Oppfinnelsen av å trykke musikk av Ottaviano dei Petrucci var også avgjørende for renessansen .

Dansebøker (samlinger av dansestykker og danselignende sanger) av Pierre Attaingnant , Jacques Moderne , Pierre Phalèse og Tielman Susato (jf. Også Terpsichore (Praetorius) ) dukker opp samt skrifter om musikkteori og beskrivelser av de forskjellige instrumentene.

Selv om de fleste av renessansens instrumenter forsvant eller ble erstattet i løpet av 1600-tallet, kan noen (f.eks. Dulcian og viola da braccio) betraktes som direkte forløpere for instrumenter som fremdeles er i bruk i dag.

etterspill

Renessansen ble erstattet av barokken , som startet i Italia rundt 1600 (se barokkmusikk ). Endringen i stil er mest tydelig i innledningen av tykke bass og monodi , hvorfra orkester former slik som recitativ og arien og deres større preparater, slik som opera , oratorio og cantata utviklet. Innovasjonene i den florentinske Camerata er banebrytende for denne utviklingen . Likevel brukes grunnleggende musikalske begreper som dukket opp under renessansen også i påfølgende epoker, for eksempel polykoralisme . Siste ekko av en reell renessanse-moderat holdning er også i fantasiene for voldsmann til Henry Purcell å finne.

Musikkhistorisk kritikk

Hugo Riemann avviste begrepet renessanse som et epokonsept og bruker i stedet et konsept av stil, nemlig "musikk i a cappella- stil som etterligner det gjennom". Den indre forbindelsen mellom kunsten er ikke så uttalt at et begrep av epoke, som fremfor alt er preget av innovasjoner innen billedkunst og arkitektur, lett kan brukes på musikkhistorien. Følgelig kalte han barokkmusikk for "musikken i den grundige bassalderen ". Selv Ludwig Finscher bruker ikke begrepet renessansemusikk i sin håndbok for musikkhistorie fra 1989 og snakker i stedet om "musikken fra det 15. og 16. århundre". Laurenz Lütteken kommer til en annen konklusjon i sitt verk Music of the Renaissance ; han forstår musikk og lager musikk i denne tidsalderen som en vesentlig del av renessansen og integrerer dem i en omfattende kulturhistorie .

Se også

litteratur

Individuelle bevis

  1. se for eksempel årboken for renessansemusikk .
  2. Jf. For eksempel Arno Forchert : Madrigalisme og musikalsk-retorisk figur. I: JP Fricke (red.): Festschrift for Klaus Wolfgang Niemöller. Regensburg 1989, s. 151-169.
  3. Werner Keil : En oversikt over musikkhistorien. UTB 2012, s. 17.