ornament

Eggpyntpynt på en frise fra Nikolaikirche Leipzig

Omfattende ornamentmalerier i Speyer-katedralen , laget av Joseph Schwarzmann rundt 1850; ødelagt i 1960

Et ornament (fra latin ornare "å dekorere, dekorere, organisere, bevæpne") er et stort sett repeterende, ofte abstrakt eller abstrakt mønster med en symbolsk funksjon i seg selv . Ornamenter finnes på tekstiler , bygninger , tapeter . Begrepet ornament forveksles feilaktig med ordene ornamentikk eller dekorasjon , som beskriver en bymasse av dekorative elementer som brukes i en pyntende funksjon. Imidlertid er ornamenter ofte en del av eller motiv i dekorativ kunst , for eksempel i håndverk . Som et enkelt dekorativt motiv er det derfor en del av dekorasjonen.

Formmessig avviker hvert ornament betydelig fra bakgrunnsmønsteret og avgrenses ofte av farge eller høyde. Keramiske kar dekorert med ornamenter finnes allerede i steinalderen . Ornamenter kan konstrueres av blomster- eller fantasimønstre. Blomster og bladpynt finnes ofte i kirker , katedraler , klostre og andre strukturer på søyler eller karnappvinduer , samt i tak ( stuckatur ) eller husinnganger. Ornamenter kan også inneholde abstrakte former, for eksempel tradisjonelle klanmønstre eller stammesymboler, for å illustrere brukerens tilhørighet. De er spesielt vanlige i islamsk kunst (på grunn av forbudet mot bilder der ) som arabesker .

Uttrykket ornamentikk refererer til helheten av ornamenter med hensyn til deres typiske former i en bestemt stilepoke eller for et bestemt kunstobjekt, så vel som ornamentikkunsten . Ornamenteringen av den klassiske kolonnearkitekturen tar en spesiell posisjon, da den vanligvis følger en tektonisk logikk. De enkelte ornamenter blir forstått som minner om konstruktive elementer fra tidlig gresk trearkitektur. Den riktige bruken av de enkelte ornamenter er således underlagt kanoniske bånd og er et avgjørende tema for tidlig moderne arkitektonisk teori .

introduksjon

Ornamenter skiller seg fra bilder i klassisk forstand ved at deres narrative funksjon tar et baksetet til det dekorative. De skaper verken en illusjon når det gjelder tid eller dybde. Ornamenter forteller ikke en kontinuerlig historie og er begrenset til overflaten. Likevel kan ornamenter være naturalistiske og skulpturelle eller individuelle gjenstander som vaser brukes dekorativt hvis de dekorerer som hovedfunksjon.

Objektive og plastiske ornamenter står i kontrast til de abstrakte eller stiliserte. Den stilisering kan forholde seg til enkeltelementer eller form eller, som i den arabesken, bevegelsesretningen. Jo mer abstrakt et ornament, jo sterkere ser bakken ut som et uavhengig mønster. I tillegg til graden av abstraksjon, varierer ornamenter i forholdet til brukeren. Ornamenter kan fremheve (rosetter), struktur (bånd, striper i arkitektur), fylle og ramme inn. Bæreren kan bestemme ornamentet eller omvendt bli dominert av ornamentet. Intensitet og tetthet bestemmer også forholdet til brukeren.

Ornamenter blir ikke bare undersøkt som en kunstgenre , men også i sin stilistiske utvikling og i sammenheng med menneskelig oppfatning . Denne sistnevnte tilnærmingen prøver å basere studien av ornamentikk på kunnskapen om psykologi. Fasinasjonen til mennesker med enkle geometriske elementære former forklares av behovet for å velge fra mangfoldet av kaotiske visuelle stimuli. For å fremstå som estetisk , må ornamenter i henhold til denne tilnærmingen også ha en viss kompleksitet. Ellers blir de ordnet som forventet.

Den stilhistorie av ornament omhandler tidsmessig utvikling av dekorative motiver og deres design og ble grunnlagt av Alois Riegl på slutten av det 19. århundre. Hvis en annen kultur overtar et motiv slik at det mister eller endrer sin opprinnelige betydning , eller hvis bæremediet eller produksjonsteknologien endres, for eksempel gjennom masse og automatisert produksjon, utvikler motivene seg videre. Ulike kulturer eller lokale strømmer samhandler og påvirker hverandre. Noen ganger er visse former for et ornament så typiske for en epoke , et sted eller en individuell kunstner at de brukes til å bestemme opprinnelsen.

Diskusjonen om ornamenter har alltid vært bestemt av prinsippet for decorum , som , når anvendt på ornamentene, fastslår om plasseringen eller utformingen passer. Dette inkluderer om et ornament oppleves som osteaktig eller overbelastet. Hva et samfunn oppfatter som hensiktsmessig, avhenger sterkt av dets normer. Siden ornamenter kan dekke over den kanskje lave verdien eller funksjonaliteten til brukeren deres, har det ofte blitt etterlyst en nøktern, så å si klassisk ornamentikk i historien i den naturlige skjønnhetens og nådens navn .

I tillegg til kunsten fremstår ornament i musikk som et muligens fritt improvisert ornament eller i retorikk , der det forstås som et overdrevet billedlig eller rytmisk språk. I tillegg vises dekorative elementer i klassisk maleri , for eksempel i de rytmiske stofffoldene eller i den snoede skildringen av figurer .

Epoke-oversikt

Ornament fra 1500- og 1600-tallet

antikken

Ancient Orient

I Midtøsten går enkle geometriske dekorasjoner så langt tilbake som 10 000 år, bevart på verktøy, leirekar eller hulevegger. Palmette- og rosett- , spiral- og linjemønstre har eksistert i flere årtusener f.Kr. Brukes til pynt. To plantemotiver som er utbredt i det gamle Egypt er lotus i sine former som et blad, knopp eller blomst og papyrus som en blomst. I tillegg inkluderer ornamentmotivene i det gamle Egypt også dyr (som bucrania ), mennesker, tegn og geometriske mønstre. Motivene er stilt opp, vekslet eller forbundet med linjer (som spirallinjer ). Furuskegler og granatepler er noen av de andre motivene som var populære allerede før den klassiske antikken . Den tredobbelte spiralen og triskele er motiver fra fortiden. The Vortex hjul, en modifikasjon av den hakekorset blir tilsatt senere.

I arkitektur brukes ornamenter for det meste for å markere individuelle strukturelle elementer eller for å ramme overflater. Geometriske mønstre kan også dekke hele fasader, enten flate eller ordnet i registre. Spesielt rike dekorasjoner finnes i den frygiske arkitekturen, spesielt på fjellfasadene i Midas-byen . Innflytelser fra eldgamle orientalske ornamenter kan finnes blant andre. igjen innen gresk kunst og arkitektur.

Klassisk antikk

I det gamle Hellas ble det opprettet en rekke nye konstruksjonsformer, spesielt for tempelbygging, og som ble tildelt kolonneordrene beskrevet i Vitruvius . Spesiell oppmerksomhet er rettet mot utformingen av hovedstaden . Bildefremstillinger kan bli funnet, mest som lettelse, spesielt i friser eller tempelgavler.

Eføybladet vises relativt tidlig, senere acanthusbladet som et ornament, sistnevnte spesielt på den korintiske hovedstaden . I tillegg utvikler ornamenter som kan brukes på en rekke måter , som tendrils og palmetter, til deres klassiske former. Kjennetegn som halvpalmette og omskrevet palmett dukker opp, så vel som den frie, bølgete tendril som et forbindelseselement, som senere utfolder seg romlig. Slyngen i sine forskjellige varianter er spesielt utbredt i alle kunstgenrer .

I motsetning til gammel egyptisk utsmykning er motivene ikke bare ordnet strengt i rette vinkler, men kan også løpe diagonalt - for eksempel på gavler. Ornamenter blir sett på i forholdet til innholdet, for eksempel som en ramme for skildringer på vaser .

I hellenismen og den romerske antikken , v. en. i vest romlig-naturalistiske tendenser i ornamentikk; skildringer av mennesker og dyr ( putti , fantasivesen eller fugler) øker . På den ene siden førte sen antikken til en ytterligere naturalisering og frodig arealfylling, som v. en. skulle tjene til å representere rikdom. Motivene brukes imidlertid ofte relativt fritt, nesten stilisert. For eksempel dukker det ufrie acanthus-bladet opp, og forbindelsesrøret fortsetter på spissen. En mer abstrakt stil utvikler seg, spesielt i øst. Ytterligere motiver som er typiske for den romerske antikken er laurbærblad, druer og blader . Kolonnen mister sin utelukkende bærende funksjon og brukes dekorativt.

middelalderen

Den karolingiske art tok til 800 fra bare et par århundrer siden senantikken den palmett og akantus . I tillegg ble dyredekorasjonen og flettet bånd, som kommer fra den keltiske og germanske tradisjonen, beholdt. Begge innflytelsene var fremdeles på jobb i den romanske perioden . Løvverket til hoveddekorasjonen brukte den mer eller mindre klassiske acanthusen. Den arkitektoniske ornamenteringen foretrakk geometriske former, for eksempel en tannkutting , et serrated band eller en rund buefris . I de grenser og initialene til boken belysning , hovedsakelig grønnsakelementer utviklet fra palmett og akantus kan bli funnet, som - i motsetning til den gotiske - fremdeles er begrenset av felt separasjoner og rammer.

Helt uavhengig av gamle modeller, utvikler den viktigste typen gotisk ornament med tracery . Disse motivene ble utviklet som et arkitektonisk element for strukturering og strukturering av store glassvinduoverflater statisk, og ble lett overførbare i sin linearitet og ble beriket dekorative elementer som utskårne retabler , forgylte monstranser eller malte boksider. Den vertikale retning av flettverk finner en variant i de radialt anordnede spisse buer av rose vinduet . I motsetning til denne geometriske og abstrakte egenskapen til traceryen, er det en nesten naturalistisk planteutsmykning på gotisk . I hovedstaden varierer den i utgangspunktet og fortrenger den klassiske acanthusen, og erstatter den med vinblader og løvverk av innfødte planter. Typisk for det sentraleuropeiske løvpynt er bøyd blader på 1300-tallet og deretter, på slutten av 1400-tallet, tidselignende tendrils. Akkurat som forviklingene blir mer og mer komplekse, øker sporingen også i bevegelse, de spisse buene er bøyd i form av en flamme (" flamboyant "), som det også vises av tresnuten som består av tre fiskeblærer .

Middelalderpynt
Evangelistbilde fra et manuskript fra 800-tallet: ved siden av antikke palmetter (i buen) "germanske" båndpynt (på søylene).
Acanthus hovedstad fra Pringy, 1100-tallet
Tidlig gotisk bladhovedstad, Heiligenkreuz kloster , 1200-tallet
Tracery rundt 1332 ved Katharinenkirche, Oppenheim
Flamboyant tracery fra en Antwerp-omdirigering i Dijon, rundt 1520.

Arkitekturteori og bygningsutsmykning i renessansen

Med gjenoppdagelsen av Vitruvius ' skrifter på 1400-tallet begynte en intensiv undersøkelse av gammel kunst og arkitektur i Italia, hvis former og utsmykning snart fordrev middelalderske former. Spesielt den arkitektoniske utsmykningen av romerske ruiner studeres, kopieres og formidles i avhandlinger av moderne arkitekter. Romerske veggmalerier, spesielt grotesker, gir ytterligere modeller for kunst i arkitektur . Boktrykk , som også ble etablert i denne perioden, er nyttig for spredningen av eldgamle design og utsmykninger , hvis økende kvalitet fra begynnelsen av 1500-tallet også tillot illustrasjoner og (senere også fargede) paneler.

I sentrum for de nye arkitektonisk-teoretiske diskursene er, i tillegg til kolonnens rekkefølge , også generelle designprinsipper, som snart går utover vitruvianske læresetninger. For Leon Battista Alberti spiller ornament en viktig rolle i definisjonen av begrepet skjønnhet (pulcritudo). Skjønnhet, ifølge Alberti, er en ideell tilstand der ingenting kan fjernes eller tilføres bygningen uten å redusere skjønnheten. Siden denne tilstanden ikke oppnås i virkeligheten, påføres ornamentet fra utsiden av bygningen for å understreke bygningens fordeler og skjule manglene (Alberti: de re aedificatoria, Venezia 1485, bok VI, kap. 2) . Den viktigste anvendelsen av dette dualistiske skjemaet for skjønnhet og ornament er å finne i teatermotivet , som i renessansen ble den viktigste struktureringsplanen for bygningshøyder.

16. og 17. århundre

De dekorative graveringer publisert som maler for håndverkere i enkle ark og i bokform har gitt et godt bilde av utviklingen i dekorative stilen nord for Alpene siden tidlig moderne tid. Enda mer enn i middelalderen, blir ornamenter nå opprettet som transformasjoner og kopier av eldgamle elementer som palmetter , festoons , vaser , balustere , kandelabre og andre arkitektoniske elementer . Det viktigste plantemotivet er fremover den mer eller mindre etterfølgende acanthus, som over tid har blitt filigran , noen ganger tykkbladet .

Den Arabesque også våknet til nytt liv i renessansen, men i motsetning til de følgende motiver, betyr det ikke markere en type dekorasjon som kan være begrenset i tid, men er fortsatt et motiv som har gjentatte ganger tatt opp i forskjellige stiler til utover barokken .

I den italienske renessansen blomstret det groteske (ornamentet) på en spesiell måte, men det dukket også senere inn over hele Europa som storskala veggdekorasjon. Den Mauresque også tilhører denne tidsepoken. Variasjonene av rullearbeidet, beslagene og bruskstilene som hersket fra midten av 1500-tallet til midten av 1600-tallet, kan telles blant grotesker hvis de beholder sin skjøre, rutenettlignende, flytende karakter, men beveger seg bort fra den, hvis de fremstår som en lettelse eller hvis de også strever for tredimensjonale effekter i overflaten. I detalj: Kjennetegn på rulleverket (fra 1520) er sammenflettet og rullet sammen, innsatte og flerlagsbåndformer, som spesielt finnes på rammer og kassetter . Avledet fra dette, ofte kombinert med det, viser beslagene (rundt 1550–1630) seg med sine geometrisk kuttede og "nagede" former som om de var laget av metall. Der dette ornamentet løser seg opp og begynner å bevege seg, i Schweifwerk (rundt 1580–1630), dukker det opp hevelsesformer som ender i volutter eller klubblignende strukturer. Tendensen til det amorfe i denne dekorative stilen økes ytterligere i variantene brusk , deig og auricle-stil (1570–1660), som viser overganger som knapt kan skilles fra hverandre og som også brukes synonymt. I andre halvdel av 1600-tallet fikk acanthusbladene, som nå ofte dekker overflatene, overtaket igjen.

Ornamenter fra 1500- og 1600-tallet
Grotesques
Villa Medici , Studiolo, freskomalerier rundt 1577.
Fontainebleau rulle rundt 1530
Mauresque.
Vredeman de Vries, rundt 1560
Beslag og frontarbeid for
rulleverk , Bishops Bible , London 1568
Beslag av
Hans Vredemann de Vries, ornamentgravering, 1581
Schweifwerk
Lucas Kilian: New ABC Booklet, 1627
Brusk
sølvkar, Adam van Vianen, 1614
Konditori
Hans von Aachen maler Paulus van Vianen med Adriaen de Vries i bakgrunnen. Gravering, rundt 1630–1650
Skåret acanthus ornament, Lamspringe kloster , 1690

18. århundre

Bandelwerk: Takstukk av Jacopo Appiani , rundt 1730, Waldsassen Abbey Library .

Løvverk og banding fra Frankrike (her 1680–1720), som igjen understreket delikatesse og delikatesse, dominerte resten av Europa i første halvdel av 1700-tallet og skapte letthet i den fortsatt bestemte vegetariske regensstilen (1715–1730) og eleganse av Rococo . I de første tiårene dominerte delikate tendrils, bånd bundet til overflaten og symmetriske, tektonisk strukturerte komposisjoner, rococo rocaille med sitt skallarbeid, volutter og motkurver forlater ikke lenger den romlige forbindelsen til fordel for asymmetriske, som er enda lenger fjernet fra naturlige mønstre Innramming begrenset, men fritt svingende strukturer i det tomme rommet. Hvit stukkatur , i beste fall sparsomt aksentert med gull, er det karakteristiske bruksområdet for rocaille, som her viser plastens egnethet til det fulle. Kunst og håndverk tilbyr også et bredt spekter av applikasjoner innen porselen, sølv, møblerutskjæring og bronse. Den franske varianten av denne stilfasen , Louis-quinze , er, som alltid i Frankrike, mer rasjonell, mer klassisistisk i sin tendens, og kulminerte i klassismen riktig rundt 1760 . Imidlertid, spesielt i Frankrike, må det alltid tas hensyn til reglene for dekor : valg av passende ornament avhenger av formålet; den (riktignok mest symmetriske) rocaille forekommer i Frankrike, men de lekne rokokomotivene er mer sannsynlig å finne i boudoiren enn i tronerommet, for eksempel .

Ornamenter fra 1700-tallet
J.-F. Blondel : Study, 1738. Det franske rocaille-ornamentet er strengere og mer symmetrisk enn i tysktalende regioner.
Dette fremgår også av møblene og veggstrukturen i "Rocailles-rommet" i Louvre i Paris .
Pynt av Wessobrunn-stukkaturene i Amorbach-klosteret , rundt 1747. Rocaille var i stand til å utvikle seg fritt i stucken .
En rocaille , et typisk skalllignende ornament av Rococo
Stucco-taket i Wieskirche (1754) viser hvor uavhengig rokoko-ornamentet ideelt sett laget seg fra en hvilken som helst rett linje.
Sekretær fra Karlsruhe-palasset . Bronsebeslag i skjellarbeidsformer spiller en fremtredende rolle på Rococo-møbler.
Detalj fra a av J.-A. Meissonnier designet fartøy. Den drivende Teknikken med sølvet smith var spesielt egnet for den livlige overflaten av rokokko ornament.

Flettestilpynt , Pöckstein slott i Strasbourg (Kärnten) , rundt 1782.

På slutten av 1700-tallet, i årene rundt den franske revolusjonen, karakteriserer de overgangsformene mellom rokoko og klassisisme, i Frankrike griper Louis , i England " Sengeorgiansk " i Østerrike Josephinsk stil som og Tyskland Zopfstil uttalt en fra føydal fase vender bort fra uavhengighet. Nå herder og stivner alle former, de nøysomme grønnsakselementene er tett innbundet i festonger og fletter, voluttene blir brutt vinklet, alle individuelle elementer er igjen innrammet og ordnet på en mer rettferdig måte.

1800-tallet

Disse klassisistiske tendensene fant en form i imperiet mellom 1800 og 1815 som tok opp elementer fra den egyptiske, greske og romerske antikken mer bokstavelig enn det var for eksempel i renessansen. Fremskrittene i arkeologi og historie ga inspirasjon til dette. Men de gamle ornamenter (laurbærkranser, palm , egg barer , fluting , vaser, rosetter og bukter ) ble kun brukes med måte; rette linjer og glatte overflater dominerer. I den videre utviklingen av klassisismen trekker dette idealet om strenghet, klarhet og enkelhet seg tilbake til fordel for berikelse med de enkelte nevnte motivene. Gjennom århundret og utover forble klassismen et alternativ sammen med andre som, som historisme, tilbød forskjellige stiler, inkludert former for ornamentikk. I likhet med hvordan reglene til Decorum i de foregående århundrene tildelte skiftende former for ornament til de forskjellige oppgavene, var visse mønstre nå knyttet til visse betydninger. Men fenomenene er mer tilfeldige, mer udogmatiske og noen ganger mer vilkårlige. I tillegg kan ornamenter i forskjellige stiler kombineres. Dette vanskeliggjør en systematisk strukturert oversikt.

Nygotisk . Den nygotiske stilen, som utviklet seg fullt ut rundt 1820–1840, vokste ut av en romantisk, nasjonaltysk-konnotasjon mot en idealisert middelalder. I kunst og håndverkdistribueresmotiver som spisse buer, tracery og tistelrender på fartøy og verktøy som aldri eksisterte i middelalderen. I arkitekturen og innredningen av kirkebygninger forble motivene bindende til århundreskiftet, da den nygotiske delvis ble erstattet av den nyromanske , som imidlertid neppe gjorde et betydelig utseende som en ornamentstil utenfor kirkelig behov.

Orientere mote . Etter at kinoiseriet knapt hadde overlevd 1700-tallet, oppsto etter midten av 1800-tallet et nytt orientaliserende håndverk, som nå var basert på modeller fra India og Midtøsten . Japonisme , som har værtvirulent i fransk maleri siden 1880-tallet,satte små spor etter europeisk håndverk, med unntak av keramikk.

Plantepynt . En type dekorasjon som ikke tilhører ornament i smalere forstand er dekorasjon med blomster, grener og løvverk, en mote som ble avgjørende stimulert av utstillingene på London World Exhibition i 1851. I begynnelsen var det fortsatt veldig naturalistisk , men i det angelsaksiske området oppnådde det stilisering på det høyeste nivået i kunst- og håndverksbevegelsen , samtidig som det stort sett var uavhengig av historiske modeller. I Tyskland fant denne reformorienterte stilen, i det minste hva ornamentikk angår, knapt noen etterfølgere. Men det tilbød banebrytende innledende stadier for fremveksten av blomsterjugendstil.

Nyrenessansens ornamentikk på katalogen over modellsamlingen til Bremen Trade Museum, 1889.

Neo renessanse . På1800-tallet ble renessansen forstått å dekke et bredt spekter. I likhet med utviklingen i arkitektur fra den beherske runde buestilen fra 1840-tallet til den overbelastede overflod av detaljer fra " tysk renessanse " etter den fransk-preussiske krigen i 1870/71, lånes også de i andre halvdel av århundret fra den rike skatten til kunsthistorie Ornamenter er varierte og spenner fra de delikate arabeskene til det italienske Quattrocento til den kraftige innredningen fra den tidlige barokken.

Neo-Rococo . I tiårene med klassisisme ble den langlivede rokokkoen, for eksempel i malte møbler og andre folkekunstgjenstander, aldri helt glemt. Det gjenopplivet på 1830-tallet, men mer for elegant interiør og utstillingsobjekter (spesielt i porselen) enn innen møbelkunst og arkitektur. De mest vilkårlige og rikt monterte frøperlene og blomsterrosettene til den såkalte "andre Rococo" på restaureringsstadiet manglet elegansen til modellene sine fra 1700-tallet, i motsetning til kreasjonene til "Third Rococo" fra 1880, som for det hele holdt seg mer fantasiløst til det formelle språket i modellene deres. Frem til 1920-tallet var interiør i rokokkostil ikke uvanlig.

Neo-barokk . Selv om alle former og dimensjoner innen kunst og håndverk og arkitektur i siste kvartal av århundre har en tendens til "barokk" overdådighet og prangende rikdom, er ornamentene fra det 17. århundre, bortsett fra noen grunnleggende former som kartusjer, kranser, volutter og godroner. , ikke lenger spille en avgjørende rolle. Uansett hvor det er dekorert med et vell av blomster, blir det jevnlig antydet den flytende skjønnheten i jugendstil.

Rollemodeller . For en epoke som var så eksplisitt forpliktet til å gjenopplive historiske stiler, er spørsmålet om media som formidlet denne kommunikasjonen av spesiell interesse, ettersom ornament var et normativt bestemt repertoar av former frem til slutten av århundret.

Eksempelbøker og omfattende samlinger av malark reflekterer både de direkte encyklopediske kravene til en kunsthistorie, som nettopp utviklet seg på den tiden, og behovet for modeller fra kunstnere, arkitekter og håndverkere. Av samme grunn bygges kunst- og håndverksmuseer i mange store byer som viser rikdom av utsmykning fra kunst og håndverk fra alle regioner og epoker i autentiske eksempler og samtidig ikke bare lærer tekniske ferdigheter med tilknyttede opplæringsinstitusjoner, men formidle også den "smakfulle" integrasjonen av ornament, funksjon og materiale skal.

19. århundre ornamenter
Nygotisk: Kirke i St. Oswald , interiørdetaljer fra 1896
Kunst og håndverk : Bokdekorasjoner av Edward Burne-Jones fra "Kelmscott Chaucer", 1896
Neo-renessanse: Dekorativ gavl på Hamburg rådhus , rundt 1890
Ny barokk: fasadedetaljer fra Wien Burgtheater , rundt 1875
Tredje rokokko: Tak av Praha statsopera, 1887

Det 20. århundre

Pynt på Pauluskirche i Bern

Wiens avantgarde var den første som formulerte voldelig kritikk av ornament i før- eller tidlig moderne fase mellom århundreskiftet og første verdenskrig. Fremfor alt formulerte Adolf Loos dette i essayet Ornament und Verbrechen fra 1908 og med sitt Loos-hus på Michaelerplatz og Otto Wagner med sin postsparebank tegnet to bygninger som nesten fullstendig dispenserte med dekorativ dekorasjon. Det var lignende tendenser med Loos-venn Arnold Schönberg , som ønsket å frigjøre klassisk musikk fra alt overflødig og overflødig, og også med maleriene av Egon Schiele , nakne og reduserte sammenlignet med verk av Gustav Klimt som fylte med gylden ornamentikk . Kritikken mot den wienske avantgarden av ornament, som utøvde stor innflytelse på Weimar-modernismen og dermed Bauhaus etter første verdenskrig, må forstås særlig under de spesielle omstendighetene i den østerrikske hovedstaden som sentrum for et smuldrende fler- etnisk stat. Overfladigheten til de representative, fantastiske Ringstrasse-fasadene kom i fokus for kritikk fra et stort antall unge designere, da det ble sidestilt med et stort antall klager i landet: med de katolske dobbeltmoralene som hersker i landet , nouveau riche borgerskap som drar nytte av industrialisering og ett utdatert imperium.

Etter andre verdenskrig, da utvandringen av Walter Gropius og Ludwig Mies van der Rohe til Amerika og om den lokale oppstarten som New Bauhaus- læresetninger om Bauhaus av USA fra hele verden som internasjonal stil rådet, stuk, tapet og Fassadenhaftigkeit with a Ban ble bevist og Ulm School og sveitsisk typografi lyktes innen produktdesign og grafikk, ornament forsvant nesten helt fra designernes bevissthet i nesten 40 år som et designelement. Først siden postmodernisme og til slutt med den digitale revolusjonen har ornament igjen spilt en større rolle i dagens designutvikling.

Som en antropologisk konstant har den kommet tilbake til den moderne tid som et grafisk element som kan brukes på tvers av kulturer som en del av globaliseringen av kommunikasjonsprosesser . De hovedpersonene i en gjenoppliving av ornament i kommunikasjon design i begynnelsen av det 21. århundre er det pixel kunst- orienterte verden av eBoy , corporate design av Berlin regissørens hus i Berlin ved Apfel Zet , IDN magasin designet i Hong Kong av Jonathan NG og webapplikasjoner av Yugo Nakamura, Tokyo, eller utseendet til verdens ledende messe Tendence Lifestyle / Messe Frankfurt av Heine / Lenz / Zizka (Frankfurt am Main). Innen arkitektur er det likevel store forbehold om å bruke ornament.

Kritikk av ornament

En utbredt skepsis og avvisning av ornament utviklet i arkitekturen og produktets design av modernismen . I stedet ble formelen " skjema følger funksjon " spredt . Spesielt populær var Adolf Loos Ornament und Verbrechen , utgitt i 1908 , der han kastet bruk av ornament og dekorasjon og beskrev det som overflødig.

For legen Hans Martin Sutermeister representerte ornament en gjenopprettingsregresjon : "Magien om ornament" er basert "på dets affektive resp. suggestiv effekt, noe som skyldes at [...] rytmiske ytre stimuli har en tendens til å ha en økende effekt på [de] dype lagene i psyken vår. ”Ornamentet kan således brukes, i likhet med rytmisk musikk, for å påvirke betrakteren ( eller lytter).

Sitat

"...- alle ornamenter må betjene fasadeklatreren for de beste ..."

- Walter Benjamin . Surrealismen. Det siste øyeblikksbildet av europeisk intelligentsia, 1929. Literary World, februar 1929

Liste over ornamenter

Frise og andre lineære ornamenter

bilde	Etternavn	Beskrivelse; Hendelse
	Eggpinne	Jonisk orden : som en kymasjon eller i hovedstaden, mellom volutene.
	Løpshund	Klassisk arkitektur.
	slynget	Klassisk arkitektur.
	Perlepinne (astragalus)	Jonisk orden: mellom søyleaksel og kapital. Uendelig rekkefølge av en rund “perle” og deretter to flate.
	Tannskjæring	Arkitekturen fra den klassiske antikken og epoker som tok opp motivene deres (renessanse til klassisisme).
	Taustang	En rund stang eller perlet ring som ikke ser glatt ut, men snarere vridd som et tau ("vridd").

Flate og andre ornamenter

bilde	Etternavn	Beskrivelse; Hendelse
	Acanthus blad	Plantepynt ( acanthus ); siden antikkens Hellas z. B. i hovedstedene av korintiske kolonner
	arabesk	Områdefyllende, naturlig tendril ornament utviklet i renessansen fra sen antikke modeller. Uttrykket brukes til å referere til både acanthus-tendrils fra renessansen og de mer stiliserte bladrendene i islamsk kunst.
	Bandelwerk	Flat ornament av jevnt brede, flere kinkede bånd. Nesten alltid kombinert med løvverk, derav også referert til som "løvverk og banding". Utbredt hovedsakelig i Tyskland rundt 1710–1740.
	livets tre
	Beslag	Båndlignende ornamenter, hvis form minner om nitede metallbeslag. Den ble utviklet i Nederland på slutten av 1500-tallet og spredte seg deretter hovedsakelig i Tyskland, hvor den ble brukt til rundt 1620.
	Bukranion
	Feston	Kranslignende suspensjon laget av blader, blomster og fruktkranser. I antikkens arkitektoniske skulptur og interiør, brukte spesielt renessansen og klassisismen Dekorationsmotv.
	Fisk boble , også Schneuß	En buet, dråpeformet ornamentform, som vanligvis er ordnet i flere; særlig i sporvannet fra den sengotiske perioden
	Flettet tape , også Geriemsel	Et ornament av regelmessig flettet, båndlignende linjer eller striper; siden forhistorien, men særlig i middelalderen og renessansen
	Fleuron	Stilisert, bladlignende eller blomsterlignende motiv, spesielt innen bokkunst som et siste ornament.
	Godron	Kantdekorasjon der visse soner i et rundt fartøy er dekket med radiale, for det meste skrånende og buede ribber som ender i en kurve. Spesielt innen gullsmedarbeid.
	grotesk	Delikat, luftig gitterverk av organiske og arkitektoniske former som overflatefylling. Inspirert av eldgamle veggmalerier, klimaks i den italienske renessansen, etterkjøring frem til 1700-tallet.
	Keltiske knuter
	Brusk	Også aurikulært system eller deigsystem. (Engelsk: auricular style, fransk: style cartilage, nederlandsk: Kwab ornament). Forskjellige ornamentvarianter fra manereristisk tid fra rundt 1600. Doughy eller gristly, hevende og flikete former.
	labyrint	Lineært oppsett av et labyrintlignende linjesystem. Av ornamental sjarm, men hovedsakelig dominerer den symbolske betydningen.
	Tracery	Opprinnelig et arkitektonisk element med strukturelt bestemte linjer, i slutten av gotikken var det dekorativt uavhengig og utviklet på en rekke måter.
	Mauresque	Jevnt fordelt overflate ornament laget av stiliserte tendrils. Videreutviklet etter den mauriske modellen i renessansen, ofte med en sterk svart og hvit kontrast.
	Millefleurs	Flat, tett spredt blomsterdekorasjon på billedvev fra sengotisk periode.
	Palmette	Stiliserte palmeblader. Et av de vanligste ornamentmotivene, ikke bare innen europeisk kunst.
	kongler	Stilisert fremstilling av frukten av et furu , ofte som en skulptur eller hengende ; siden den romerske antikken.
	Rocaille	Skallformet, for det meste asymmetrisk ornament fra midten av tiårene på 1700-tallet, eponymt med rokokkoen
	Rullearbeid	Krøllete båndformer av plast, hvorav noen er sammenflettet og presset gjennom; Manierisme , tidlig barokk.
	rosett	En stilisert rose som et dekorativt rundt element. Også for radialt ordnede traceryformer.
	Haling	C- og S-formede svinger, hvis ender er tykkere som klubber. Periode: manerisme til tidlig barokk (ca. 1570–1630)
	Sebka	Overlappende buer; Maurisk arkitektur.
	Deigfabrikk	Variant av brusk , men enda mer flikete. Nederland og Nord-Tyskland, rundt 1590 til 1680
	Volute	En snegleform ( spiral ); i det minste siden det antikke Hellas, hvor det var fremtredende i den ioniske kolonneorden .

litteratur

Markus Brüderlin : Ornament and Abstraction - Art of Cultures, Modernity and the Present in Dialogue , German and English editions, DuMont Cologne, 2001, ISBN 3770158253 .
Frank-Lothar Kroll . Ornamentet i kunstteori fra 1800-tallet . Georg Olms Verlag, 1987, ISBN 9783487078366 .
Franz Sales Meyer : Håndbok for ornamentikk . Seemann, Leipzig 1927, opptrykk: Seemann, Leipzig 1986. (Første utgave under tittelen Systematically organised handbook of ornamentation: For use by tegnere, arkitekter, skoler og håndverkere samt for å studere generelt. Seemanns Kunsthandbücher Vol. 1. Seemann, Leipzig 1888).
María Ocón Fernández: Ornament and Modernity. Teoridannelse og ornamentdebatt i den tyske arkitektoniske diskursen (1850–1930) . Berlin: Dietrich Reimer Verlag, 2004, ISBN 3-496-01284-6 .
Claudia Weil, Thomas Weil : Ornament i arkitektur, kunst og design . Callwey Verlag, München 2006, ISBN 3-7667-1619-0 .
Edgar Lein: Seemanns Lexikon der Ornaments. Opprinnelse, utvikling, mening . EA Seemann Verlag, Leipzig 2006, ISBN 978-3-86502-085-7
Elke Wagner: Ornaments stilhistorie - fra antikken til hverdagskulturen på 1980-tallet . iF Design Media, Diplomica Verlag Hamburg 2013, ISBN 978-3-8428-9793-9
Günter Irmscher: Ornament in Europa 1400–2000 , Köln 2005, med en grundig bibliografi
Alois Riegl: Stilspørsmål , grunnlag for en historie med ornamentikk , Berlin 1893 ( digitalisert versjon )
Günther Binding, Architectural Forms , Darmstadt 1980, 2. utgave Darmstadt 1987, 3. uendret utgave Darmstadt 1995.
Tina Beate Mittler: Ornament and Style - Features and Basic Knowledge of European Architecture, Wallerstein 2019, Hawel Verlag, ISBN 978-3-9817775-3-6

Individuelle bevis

↑ Duden | Pynt | Stavekontroll, mening, definisjon, opprinnelse. Hentet 7. november 2019 .
^ Hans Weigert: Blatt, Blattwerk , i: Reallexikon zur Deutschen Kunstgeschichte , Vol. II (1941), Sp. 834–855; i: RDK Labor (åpnet 23. juli 2019)
↑ Hanno-Walter Kruft: History of theory of Architecture, CHBeck-Verlag, München 2013, s. 20–30.
↑ Irmscher, s. 156-160.
↑ Navnene som 2. og 3. rokokko går tilbake til: Gustav Pazaurek : Dreierlei Rokoko , Stuttgart 1909.
↑ Franz Sales Meyer : Systematisk tilrettelagt håndbok for utsmykning: Til bruk for tegnere, arkitekter, skoler og håndverkere samt for studier generelt. Seemanns kunsthåndbøker vol. 1. Seemann, Leipzig 1888. (Opptrykk: Seemann, Leipzig 1986). - Georg Hirth: Formskatten: En kilde til instruksjon og inspirasjon for kunstnere og håndverkere så vel som for alle venner med stilig skjønnhet, fra de beste verk fra alle tider og mennesker. , München og Leipzig 1877–1911.
↑ Hans Martin Sutermeister . Ornamentet. I: Av dans, musikk og andre vakre ting: Psykologiske samtaler. Verlag Hans Huber , Bern 1944. s. 59.

Se også

Ornamenter og andre dekor av porselensmaling finner du under porselendekor (liste)

weblenker

Commons : Ornament (Fine Arts) - Samling av bilder, videoer og lydfiler

Wikikilde: Ornament - Kilder og fulltekster

Wiktionary: Ornament - forklaringer på betydninger, ordets opprinnelse, synonymer, oversettelser

[1] Duden | Pynt | Stavekontroll, mening, definisjon, opprinnelse. Hentet 7. november 2019 .

[2] Hans Weigert: Blatt, Blattwerk , i: Reallexikon zur Deutschen Kunstgeschichte , Vol. II (1941), Sp. 834–855; i: RDK Labor (åpnet 23. juli 2019)

[3] Hanno-Walter Kruft: History of theory of Architecture, CHBeck-Verlag, München 2013, s. 20–30.

[4] Irmscher, s. 156-160.

[5] Navnene som 2. og 3. rokokko går tilbake til: Gustav Pazaurek : Dreierlei Rokoko , Stuttgart 1909.

[6] Franz Sales Meyer : Systematisk tilrettelagt håndbok for utsmykning: Til bruk for tegnere, arkitekter, skoler og håndverkere samt for studier generelt. Seemanns kunsthåndbøker vol. 1. Seemann, Leipzig 1888. (Opptrykk: Seemann, Leipzig 1986). - Georg Hirth: Formskatten: En kilde til instruksjon og inspirasjon for kunstnere og håndverkere så vel som for alle venner med stilig skjønnhet, fra de beste verk fra alle tider og mennesker. , München og Leipzig 1877–1911.

[7] Hans Martin Sutermeister . Ornamentet. I: Av dans, musikk og andre vakre ting: Psykologiske samtaler. Verlag Hans Huber , Bern 1944. s. 59.

Languages