Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg, 1999

Robert Milton Ernest Rauschenberg (født 22. oktober 1925 i Port Arthur , Texas , † 12. mai 2008 på Captiva Island , Florida ) var en amerikansk maler , grafiker , fotograf og objektkunstner og en pioner innen popkunst i det 20. århundre, selv om hans flerlagsverk kan ikke brukes til denne stilen.

Rauschenberg mente at gjenforeningen av kunstnerisk visuell virkelighet med livets virkelighet som han strebet etter, best kunne oppnås ved å bringe deler av den virkelige verden uendret til kunst.

I verkene hans kombinerte han for eksempel tennisballer , bildekk , sykler og utstoppede geiter på en subtil måte. I motsetning til andre materialkunstnere endret han imidlertid ikke disse materielle restene av den “virkelige verden”, men lot dem være som de er.

Kunstneriske påvirkninger

For Rauschenberg var kunstneriske forbilder og slektninger primært tyske kunstnere som dadaisten Kurt Schwitters , maleren og kunstteoretikeren Josef Albers , men også Fluxus- kunstneren Joseph Beuys . Willem de Kooning representerte også et referansepunkt i Rauschenbergs kunstneriske utvikling som ikke skal undervurderes . Som den viktigste eksponenten for abstrakt ekspresjonisme , den ikke-representasjonelle tilnærmingen til maleriet som ledet an i den amerikanske etterkrigstiden, utløste han og Albers et personlig opprør for Rauschenberg.

Etter å ha studert ved Kansas City Art Institute og Académie Julian i Paris, var fargefeltmaleriet til læreren Josef Albers ved Black Mountain College North Carolina, som han hadde vært på siden 1948, og de Koonings abstrakte verk - for å si det enkelt - var for liten del for hans forståelse av den virkelige og formbare verdenen, som han i økende grad søkte å integrere i sin kunst-livligning. Disiplinen som kreves av Albers og den nødvendige metodologisk-teoretiske tilnærmingen til kunstskaping forførte Rauschenberg - som han selv sa - til alltid å gjøre "nøyaktig det motsatte" av det Albers lærte. I stedet for å implementere Albers fargeteori på lerret, kuttet den unge Rauschenberg svarte firkanter av tre og malte monokrome svart-hvite bilder i protest. Gjennombruddet fulgte 15 år senere på Venezia-biennalen, der han mottok den internasjonale maleriprisen i 1964.

Grafitttegningen slettet av Rauschenberg med de Koonings samtykke er ikonet for dette paradigmeskiftet i kunst fra 1950-tallet til popkunst.

Hvite, svarte og røde malerier

Rauschenberg tok skrittet mot kunstnerisk uavhengighet i 1951 med de hvite bildene , de syv monokrome-hvite panelene i hans White Painting , som han stilte ut i sin første separatutstilling på Betty Parsons Gallery , New York, og som hadde til formål å “male å slukke ". Her ble temaet "stillhet" også tatt opp, i likhet med den aktive inkluderingen av lysforholdene på dagtid eller skyggeformene til betrakteren i bildet. Med de hvite maleriene laget av konvensjonell veggmaling, tematiserte Rauschenberg standarden for sitt verk for å kombinere kunst og liv. I 1951 slettet han en tegning av sin New York-kollega Willem de Kooning, en ikke mindre radikal gest for å avgjøre med den overveldende kraften til den amerikanske abstrakte ekspresjonismen.

De svarte bildene ble også laget rundt 1951. Her gikk Rauschenberg frem som følger: han malte lerretene med blank svart maling og malte deretter over dem med matt svart maling. Robert Rauschenberg brukte fargen svart for å få spor av tradisjon og sin egen konditionering til å forsvinne under og for å gjenoppfinne deres grunnleggende vokabular. For Rauschenberg sto svart for selvbegrensning til det kvasi-ingenting som tjente ham som utgangspunkt i hans søken etter seg selv. For Rauschenberg betydde svart også å ikke vite hvordan ting ville fortsette kunstnerisk for ham. Fargen svart ser ut til å være assosiert med en transformasjonsprosess. Det kan tolkes som et middel for å krysse grenser - som å krysse grensen fra det synlige til det usynlige, fra det materielle til det åndelige, fra det bevisste til det ubevisste. Det at svarte bilder av alle ting er et uttrykk for endring, kan forklares med deres nattlige egenskaper. Natten står for endring i mystikk, mytologi, kunst og litteratur. Å se i mørket endrer oppfatningen. Jo lenger du blir i mørket, jo mer du blir involvert i det, desto tydeligere blir miljøet konturert. Prosessen med å se beveger seg i fokus - en bevisst, kanskje mer presis å se. Man kan til og med legge igjen ønsket om å ønske å anerkjenne miljøet. For da gjør natten den spesielle kvaliteten av å ikke (se) se, som tilsvarer å ikke vite. Denne mangelen på kunnskap som en renselsesform er i sin tur en forutsetning for endring.

I lys av historien om utviklingen av abstrakt ekspresjonisme, oppstår inntrykket at de amerikanske kunstnerne, særlig i årene mellom 1950 og 1965, også ble båret av ideen om å bryte fri fra den formative innflytelsen fra europeisk tradisjon og skape et nytt senter med New York - ved siden av Paris for å rettferdiggjøre avantgarde. På denne bakgrunn virker de svarte maleriene som et uttrykk for et kollektivt streve for kunstnerisk selvhevdelse. Å se på et svart bilde med åpne øyne er som å se om natten. Kunstneren som velger svart krever en visjon fra øyet som er vant til mørke: øyet møter svart; det antatte ikke (e) ikke er i stand til å se forårsaker et å kunne se annerledes, et mer differensiert se: for eksempel gjenkjenning av nyanser i struktur og farge. Det vanskeligere synet øker konsentrasjonen på det synlige og usynlige, kanskje til og med på essensen av ting og ens eget selv. Dette gjelder innledningsvis betrakteren av bildet, men på et eksistensielt nivå kan det også gjelde kunstneren. (se Svarte malerier )

De røde bildene oppsto fra Rauschenbergs reaksjon på manglende forståelse av de forrige hvite og svarte bildene. Læreren hans Albers hadde lært ham ydmykhet mot farger, og derfor prøvde han å våge å prøve fargen som var den vanskeligste i hans øyne: rød.

Den dag i dag anses denne serien med bilder av hvite, svarte og røde av Rauschenberg som den mest radikale.

Hendelser, musikk og teater

Ved å understreke spenningen mellom kunstverket og bomiljøet, bundet Rauschenberg seg direkte til arbeidet til vennen John Cage , som inkluderte hverdagslyder i komposisjonene sine for å åpne for nye lydområder . Med Cage og danseren Merce Cunningham har Rauschenberg gjentatte ganger vært initiativtaker til hendelser og teaterforestillinger. Han var mest ansvarlig for scenedesign, kostymer og rekvisitter, men også for å utvikle koreografien og dukket opp selv som medlem av det utøvende ensemblet. Mellom 1964 og 1968 iscenesatte han 11 koreografier.

Kombiner maling og skurtresker

De fleste av hans verk som representerer denne stilen ble opprettet mellom 1953 og tidlig på 1960-tallet. Dette er neodadaistiske collager , bestående av en kombinasjon av abstrakt ekspresjonisme og popkunst, uttrykt gjennom malerier i forbindelse med gjenstander fra hverdagen festet til dem (for eksempel lyspærer, kjøkkenutstyr, postkort, tegneserier, grafiske trykk, resterende tapet, kosedyr , radioer osv.), hvorav noen ble malt over. Maleri er "kombinert" med gjenstander og utvides dermed til et tredimensjonalt rom. Derfor er den tradisjonelle grensen mellom maleri og skulptur avskaffet.

Rauschenberg sa om verkene sine at de er preget av virkeligheten. Etter hans syn var maleriet i krysset mellom kunst og liv, og han prøvde å bygge bro over gapet som skilte det.

Opptattheten med funnet gjenstander, dagligdags materiale, hadde påvirket ham i løpet av en arbeidsfase der han åpnet studioet sitt midt i New York. De såkalte "Elemental Sculptures" ble opprettet, eksperimentelle arbeider laget av brostein og annet funnet materiale som han fant i umiddelbar nærhet av studioet sitt. Skulpturene står mellom " ready mades " og dadaistiske samlinger, hvor Rauschenberg understreket særegenheten til disse funnet gjenstandene og ikke ønsket å revurdere dem i et kontekstskifte. I disse verkene er utviklingen av popkunst på den ene siden i stor grad basert, på den andre siden er dette utgangspunktet for Rauschenbergs videre arbeidsutvikling, for så vidt image og skulptur forfølges som selvstendige områder. I "Combines" differensierte Rauschenberg " Combine Paintings " og de frittstående "Combines" som "Odalisque" fra 1955/58 eller en av hans mest berømte med tittelen "Monogram" (1959). Kombinertene avslører ofte en satirisk intensjon og er ironiske omskrivninger av drømmer om forbrukersamfunnet og av typiske figurer i vår tid.

En av de mest imponerende "Combine Paintings" er "First Time Painting" (1961), som opprinnelig het "Happening Theatre of the American Embassy". Den ble opprettet på en hendelse organisert av Darthea Speyer i juni 1961 i teatret til den amerikanske ambassaden i Paris. David Tudor spilte komposisjonen Variasjoner II av den amerikanske komponisten John Cage for handlingen på pianoet . I tillegg til Rauschenberg deltok også Niki de Saint-Phalle , Jean Tinguely og Jasper Johns . Den dokumentariske fotosekvensen for skapelsen av bildet viser Rauschenbergs maleriske utvikling fra abstrakt ekspresjonisme til den suksessive adopsjonen av Pop Art-elementer i hverdagens virkelighet i en ekspressiv syntese.

Fotografi og serigrafi

Robert Rauschenberg (1968)

I 1962 oppdaget Rauschenberg silketrykkprosessen for seg selv samtidig som Andy Warhols første fotomekanisk reproduserte serigrafi . Men i motsetning til Warhol, unngikk han stereotyp repetisjon og isolering av motivet til fordel for et komplekst innholdsrelatert utsagn som direkte appellerer til betrakterens politiske og sosiale bevissthet: "Jeg vil riste folk," sier Rauschenberg, "Jeg vil ha folk å gjøre det Se på materiale og reager på det. Jeg vil gjøre dem oppmerksomme på deres individuelle ansvar, både for seg selv og for resten av menneskeheten. Hvor lett det er å være selvtilfreds med verden. Det at du bruker noen kroner på en avis beroliger nesten samvittigheten din. Ved å lese den, tror du at du allerede har gjort din del. Og du pakker samvittigheten inn i avisen som om du pakker søpla inn i den. "

På høsten begynte han å bruke silketrykkteknikken på lerretene sine. Han utviklet en metode for overføring av trykte materialer (bilder og tekster) ved hjelp av løsningsmidler. Rauschenberg oppnådde overføring av tredimensjonale gjenstander, tekstiler og stoffer på overflaten ved hjelp av lysfølsomme litografiske steiner. Dette tillot ham å kombinere fritt utførte deler med fotografier og objekter og dermed alle tilgjengelige maler. Ytterligere fordeler med den fotomekaniske forskyvningsprosessen var forstørrelsen og fargeintensiteten.

Også i 1962 begynte Rauschenberg med sine første litografier . Fra å jobbe med forskjellige trykk, overførte han mye kunnskap tilbake til tegningsmediet .

I kombinerte teknikker for silketrykk og litografi ble store verk laget med det hyppige temaet for samspillet mellom mennesket og teknologien, som Booster (1967). De er blant de største utskriftene som Rauschenberg har produsert.

SPISE

På slutten av 1960-tallet til begynnelsen av 1970-tallet begynte Rauschenberg å eksperimentere med elektronikk og, sammen med Billy Klüver, grunnla prosjektet "Experiments in Art and Technology" (EAT). Bildegjenstander og skulpturer ble opprettet som integrerte lyder og musikk eller reagerte på lyder. Målet var å stifte et ikke-kommersielt samfunn som ville oppmuntre til samarbeid mellom kunstnere og ingeniører og håpe på en lykkelig fremtid for det globale samfunnet. Dette resulterte i fire kompliserte, multimedia- og interaktive verk som Oracle (1965), Soundings (1968), Solstice (1968) og Mud-Muse (1971).

1970- og 1980-tallet samt ROCI

På 1970-tallet prøvde Rauschenberg forskjellige materialer som papp (kartong og kartong) og gjennomsiktige tekstiler (rimfrost), og han prøvde å øke effekten ved symmetrisk arrangement av strukturelt veldig like elementer (bifokaler). Arbeidene hans er lette, de er plassert i rommet og av og til er gulv og tak knyttet til hverandre og dekket med halvtransparent stoff. I 1973/74 ble Sant'Agnese, Untitled (Venetian) for eksempel opprettet.

Det var en nølende åpning mot fargen. Her kan du se innflytelsen fra Josef Albers - Rauschenbergs lærer ved Black Mountain College. Dette påla ham en forsiktig fargebruk.

På slutten av 1970-tallet begynte Rauschenberg med The ¼ Mile eller 2 Furlong Piece : Verket var ment å være et svar på tidens forvirringer som desperasjon om Kambodsja eller Vietnam. Verket er over 400 meter langt og består av collager, malerier og gjenstander. Det er en direkte refleksjon av kunstneren på hans tid - en kronikk av hans fantasi, opplevelser, frykt og besettelse.

I 1983 husket Rauschenberg teknikker som han hadde brukt 20 år tidligere. Han var opptatt av å ta, gjenopprette og bevare bilder som opprinnelig var ment i en annen sammenheng. Rauschenberg tok opp silketrykkteknikken igjen i bredere skala for lerreter i stort format. Nå tok han ikke lenger motivene sine fra massemediene, men baserte sine egne bilder.

For Rauschenberg var 1970- og 1980-tallet generelt en tid med store prosjekter, turer og samarbeid. I 1971 flyttet han fra New York til Captiva Island, Florida, og startet sitt eget forlag og studio, samt Change Inc. , en ideell organisasjon som gir finansiering til kunstnere i nød.

I 1984 startet det globale prosjektet Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) , en vandreutstilling med et skiftende inventar på rundt 200 kunstverk som ble opprettet i samarbeid med kunstnere og håndverkere i de respektive landene. Kunstneren reiste til ti land fra 1984 til 1991 for å behandle hver kulturspesifikke kunstnerisk - i samarbeid med de lokale kunstnerne. Stasjonene var Cuba og Chile, Venezuela, Tibet og Russland, Venezuela, Mexico, Malaysia, Japan og Berlin - i 1990 fremdeles som hovedstaden i DDR. "ROCI startet med min beslutning om å gjøre noe med verdenskrisen," sa han. "I stedet for en midtlivskrise, dro jeg på en verdensturne."

Riding Bikes , Berlin, 1998

New York Guggenheim Museum åpnet Rauschenbergs verdensturné i 1998 med 400 verk, noen av dem nyere. Det andre stoppet var Houston i byggingen av Museum of Fine Arts . Det var snakk om en Rauschenberg-renessanse. Den 72 år gamle artisten var tilstede med sin 94 år gamle mor og danset til vaskebrettlydene til et Tejano-band etter vernissagen i Bayou Club. Det minnet om den musikalske strek av det allsidige talentet og Grammy Award-vinneren, som jobbet for Merce Cunninghams dansekompani fra 1951 til 1965 , laget, koreograferte og komponerte scenedekorasjoner. Fabrikkshowet gikk i det minste til Museum Ludwig i Köln med 300 verk . Med 80 Rauschenberg-verk er det den viktigste og største samlingen i Europa. Takket være samleren Peter Ludwig , oppdageren og støttespilleren til Rauschenberg, kan du fortsatt følge Rauschenbergs karriere her helt til begynnelsen.

Robert Rauschenberg Foundation, grunnlagt i 1990, er en ideell organisasjon dedikert til vitenskapelige forskningsprosjekter og sosio-politisk utdanning.

I tillegg til disse aktivitetene har kunstneren Rauschenberg alltid vært til stede - bildene og skulpturene fra 1990-tallet viser ham som en oppfinnsom videreføring av "Combines" -konseptet utviklet på 1950-tallet, det vil si hans påstand om å oversette virkeligheten til kunst med som lite tap som mulig.

Stilling i kunstkritikk og kunsthistorisk klassifisering

Rauschenbergs første store anerkjennelse var gullmedaljen på Venezia-biennalen i 1964. Han vant en Grammy-pris for coveret sitt for Talking Heads- albumet Speaking in Tongues . I 1998 ble han tildelt Praemium Imperiale , en slags " Nobelpris for kunst" fra den japanske keiserfamilien . Robert Rauschenberg deltok i documenta II (1959), documenta III (1964), 4. documenta (1968) og også documenta 6 i 1977 i Kassel . I 1978 ble han tatt opp i American Academy of Arts and Sciences og American Academy of Arts and Letters .

Når det gjelder kunsthistorie, betraktes Rauschenberg som en pioner innen amerikansk popkunst, selv om hans flerlagsverk kan tildeles mer enn en stil. "Det er ingen annen kunstner fra det 20. århundre som krysset så mange sjanger- og stilgrenser som Robert Rauschenberg."

Hans bruk av hverdagslige gjenstander i kombinasjonsmaleriene var et viktig eksempel på metoden for montering , objet trouvé og arte povera . Rauschenberg er en postmoderne kunstner. Rauschenberg stilte stadig følgende spørsmål i sitt arbeid: Hvordan oppfattes noe av hvem? Hva er minne og hva er tid, hva er et bilde og hva er et objekt? Hvordan oppfører produksjon og mottakelse seg? Rauschenbergs hovedtema var kommunikasjon og persepsjon. Han var også interessert i det epistemologiske problemet - spørsmålet om hvordan kontinuitet og endring forholder seg til hverandre.

Rauschenbergs billedtilnærming var basert på to grunnleggende prinsipper for modernismen: collage og klargjort, og han var først og fremst en grafisk kunstner og maler. Han tenkte på overflater og forsto rommet som et rom for bevegelse - dette bekrefter hans forpliktelse til dans. Han var interessert i materie, form, funksjon og motoriske ferdigheter; Mål mer enn romlig og signer mer enn plastvolum.

For Rauschenberg kan alt være kunst - det er likhet mellom ting. Alt kan tjene kunst, alt har sin skjønnhet og begrunnelse. Dette ble vist formelt i hans arbeider: i hans komplekse verk kommer du knapt over et fremtredende senter. Han avviste hierarkiske strukturer og foretrekker en demokratisk fordeling av motiver - en like sameksistens av motiver.

Hans kunst søker direkte kontakt med betrakteren. Han utelukket ingen formelle løsninger fra begynnelsen og ignorerte kulturelle, geografiske og økonomiske grenser.

Blant billedkunstnerne var Rauschenberg den viktigste og mest aktive hovedpersonen i en syntese av kunst og teknologi, og hans fremstillinger er i høy grad et uttrykk for de kulturelle og sosio-politiske realitetene i den fasen de ble unnfanget og skapt .

Biografisk

Maleren, som med et blunk av øyet refererte til seg selv som en "blanding av gatehunder", hadde tyske og indiske røtter: bestefaren, som kom fra Berlin , hadde giftet seg med en Cherokee . Rauschenberg bodde og jobbet på Captiva Island . Siden 1998 hadde han et hofteproblem; siden 2002 har han vært i rullestol etter hjerneslag med symptomer på lammelse. Arbeidet han designet ble implementert ved hjelp av assistenter. Robert Rauschenberg var ordblind .

Han døde i 2008 82 år gammel på Captiva Island, Florida.

Sitater

  • "For meg har kunst å gjøre med alt."
  • "Jeg tror at et kunstverk er mer ekte når det er laget av deler av den virkelige verden."
  • "Jeg hater ideer, hvis jeg har noen, går jeg en tur for å glemme dem."
  • "Kunst burde ikke ha et konsept ... Det er det eneste konseptet som gjaldt konsekvent for meg."
  • "Det er ikke noe som heter et ferdig kunstverk for meg."

Viktige separatutstillinger

litteratur

  • J. Wissmann: Robert Rauschenberg - Svarte markedet . Reclam-Verlag, Stuttgart 1970
  • G. Adrian: Robert Rauschenberg . R. Piper & Co. Verlag, München 1979
  • Statens kunstgalleri Berlin : Robert Rauschenberg . Berlin 1980
  • H. Bastian: Beuys, Rauschenberg, Twombly, Warhol . Prestel Verlag, München 1982
  • B. Rose: Robert Rauschenberg . Art Today nr. 3; Kiepenheuer & Witsch, 1989
  • R. Rauschenberg i samtale med Barbara Rose. Oversatt fra amerikaneren av L. Gorris. Köln 1989.
  • Leo Steinberg: Møter med Rauschenberg (et overdådig illustrert foredrag) . Houston / Chicago / London 2000.
  • A. Andre: Robert Rauschenberg . DuMont Buchverlag, Köln 2004
  • J. Tesch, E. Holland (red.): Kunst fra det 20. århundre . Prestel Verlag, München 2005
  • kunst - kunstmagasinet ; Nr. 12/2006, s. 42-53
  • Hanno Rauterberg: Intervju med RR: »Jeg har min himmel«. I: DIE ZEIT 12. januar 2006 nr. 3. Århundrets kunstner Robert Rauschenberg er 80 år og syk, tiden som gjenstår for ham er for bildene hans. Han vil ikke gi intervjuer lenger. Men så snakker han - om sin tyske opprinnelse, sin kjærlighet til søppelkunst og frykten for å dø
  • Sara Sinclair, Peter Bearman, Mary Marshall Clark (red.): Robert Rauschenberg: En muntlig historie. Columbia University Press, New York 2021, ISBN 978-0-231-19277-4 .

weblenker

Commons : Robert Rauschenberg  - Samling av bilder, videoer og lydfiler

Individuelle bevis

  1. ^ Helmut Schneider: Tegninger av Robert Rauschenberg i Tübingen: Et sted mellom kunst og liv . I: Tiden . 25. mai 1979, ISSN  0044-2070 ( zeit.de [åpnet 23. februar 2020]).
  2. ↑ First Time Painting ble kjøpt opp av Karl Ströher på 1960-tallet , og ble deretter lånt ut til MMK i 1981 med pakken med Ströher-samlingen som Frankfurt kjøpte til Museum of Modern Art og ble til slutt overført til Marx-samlingen av Ströher-arvingene solgt.
  3. ↑ Peter Iden , Rolf Lauter : Bilder for Frankfurt. Inventar katalog over Museum of Modern Art. München 1985, s. 191f. ISBN 978-3-7913-0702-2
  4. ^ Første gang maling. 27. august 2014, åpnet 23. februar 2020 .
  5. ↑ [1] i: Focus, nr. 26 av 22. juni 1998, s. 104
  6. ↑ [2] i: Focus, nr. 26 av 22. juni 1998, s. 102
  7. ^ Medlemmer: Robert Rauschenberg. American Academy of Arts and Letters, åpnet 21. april 2019 .
  8. ↑ Hanno Rauterberg, i: Die Zeit fra 14. mai 2008.
personlig informasjon
ETTERNAVN Rauschenberg, Robert
ALTERNATIVE NAVN Rauschenberg, Robert Milton Ernest (pikenavn); Rauschenberg, Bob
KORT BESKRIVELSE Amerikansk maler og kontraktartist
FØDSELSDATO 22. oktober 1925
FØDSELSSTED Port Arthur (Texas)
DØDSDATO 12. mai 2008
DØDSSTED Captiva Island , Florida