Teaterets historie

Ideell type gammelt gresk teater

Den teaterhistorie omhandler historien til den naturskjønne resultatene av dramatiske tekster i teateret . Gresk "θέατρον" ( théatron ) betyr "show place, theater", fra θεᾶσθαι ( theasthai ) "å se på".

Opprinnelsen til det indiske sanskrit-teatret ligger i de religiøse ritualene, som bedømt av de dialogiske salmene til Rigveda , i 1. årtusen f.Kr. Ble utført i en språklig form.

Den kinesiske operaen utviklet seg allerede før kontakt med den europeiske kulturen, men et ”uramerikansk teater” av de første innbyggerne i Amerika (Inca, Maya, Aztec, Pueblos og nomadene i Nord-Amerika) fantes ikke i definisjonen av “teater”.

Historien om teater eller teaterhistoriografi som en brodissiplin mellom teaterstudier og historiografi omhandler teaterhistorien som en kunstnerisk og kulturell praksis. Elementer av kunsthistorie , arkitekturhistorie og litteraturhistorie er også en del av forskning om teaterhistorien.

Følgende viktige informasjon mangler i denne artikkelen eller delen:
Denne artikkelen er for tiden begrenset til en oversikt over europeisk historie, men er også ment å beskrive annen teaterhistorie
Hjelp Wikipedia ved å undersøke og lime den inn .

Epoker

Artikler inneholder informasjon om senere utvikling i teater etter slutten av middelalderen, som operahistorie eller balletthistorie .

Urteater

Hulebilder av steinalderfolk forrådte allerede tidlige former for teaterstykke. Det antas at istidsjegere z. B. Dyrens skinn er tildekket for å presentere viktige prosesser som jakt på forhånd eller etterpå og for å behandle dem teatralsk. Dette resulterte i seremonielle danser og teaterpresentasjoner der verden og sosiale begivenheter ble gjenopptatt og spilt rundt. Man kunne se teatret som den primære kunsten til menneskeheten, som inneholder all annen kunst .

I egyptisk kunst vitner forskjellige fremstillinger av dansere , musikere og akrobater om teatralsk utfoldelse av verdslige underholdninger ved faraoene . I det fjerde årtusen f.Kr. formet mytologiene som oppstod gjennom den sosiale omorganiseringen og statsadministrasjonen , så vel som de herskende prester- konger, tolkningen av skapelse og vesen. Denne intellektuelle utviklingen sørget for monumentale, fantastiske bygninger som fungerte som bakgrunn for teaterstykket. De utviklet seg senere til å bli et stort festivalteater og tjente også til å presentere statsreligionen .

I løpet av Midtens rike (2000-1500 f.Kr.), den egyptiske Abydos ble det åstedet for årlige religiøse festivaler med teatralske elementer om lidelse, død og oppstandelse av guden Osiris . Takket være tegninger skåret på stein var det mulig å få innsikt i noen av scenene i disse teaterprosessene.

Det gamle teatret

Teater for polisen

Det gamle Hellas teater regnes som vuggen for det vestlige dramaet, og med etableringen av auditoriet markerer det et avgjørende vendepunkt og utvikling i teaterhistorien.

Med den nye førkristne samfunnsformen, demokrati , ble ritualfestivalen et politisk festivalmøte som er tro mot kultisk opprinnelse. Dette betyr at årstidene i stor grad er knyttet til dager med guder og festivaler . Det resulterende dramaet hadde ikke lenger som mål å legemliggjøre en forbindelse mellom skuespillere og gudenes verden, men å bygge en bro til det passive publikum for å gi dem en identitet som forplikter dem til statssamfunnet .

Dionysus-teatret

På 600-tallet kombinerte Peisistratos , som opprettet et tyranni i Athen , de populære Dionysus- kultspillene til en statsfestival, den store Dionysia. Dionysos, fruktbarhets- og vinens gud, ble også teaterens skytshelgen med innføringen av tragediekonkurransen ( Agon ) . På dette tidspunktet ble lokalet også flyttet fra agoraen , møteplassen til polisen , til det spesialbygde Dionysostheateret , som ble bygget i den sørlige skråningen av Akropolis .

Fornavnene til diktere og tragedier er overlevert fra begynnelsen av det 5. århundre, som på den tiden fremdeles brukte mytologiske motiver, men hovedsakelig handlet om datidens politiske spørsmål og var ment å bringe dem nærmere publikum. Menneskets skjebnesvikt , et sentralt budskap om myter , ble systematisk sett i tvil. Vekten på fri vilje og kreativ frihet så vel som ideen om rettsstat og konsolidering av polisen ble sterkere og sterkere, særlig gjennom beskrivelser i Aeschylos ' verk .

På grunn av fallet i publikumstall på 4-tallet, innførte bystaten (Polis) "showpenger" for å kompensere besøkende for deres tap av service. Teaterets, særlig politiske, betydning vokste mer og mer. Spektakulær Skenographien og teatralsk virtuositet kjempet den filosofiske og alvorlige tragedien mer og mer stedet, og var av store tragediforfattere så vel som av Aristoteles , vi var den første poetikken. H. Lære om poesikunsten, skylder, vurderes som ugyldig.

Den komedie (opprinnelig: en sprudlende dansemaske nummer) hell bevilget populær skikk fra Dionysos kult og til slutt steg til å bli den mest ettertraktede sjangeren av hellenistiske perioden. I motsetning til satyrspillet , som alltid avsluttet en tragedie, var komedien mer latterlig og både mytiske helter og politikere ble utsatt for latterliggjøring. Men kritikk av den rådende politikken ble også utelukket veldig ukryptert , særlig av Aristophanes , som også var nær venn med ledende athenske tenkere. Med slutten på demokratiet vendte komedie seg imidlertid bort fra politikk og fokuserte på hverdagstyper .

Romersk antikk

Romersk kultur var resultatet av en gigantisk erobringskampanje. I det 3. århundre flyttet romerne sentrum av den hellenistiske kulturen til byen sin. De adopterte hierarkiet til de olympiske gudene og hentet inspirasjon fra gresk arkitektur , kunst og filosofi . Greske slaver ble kulturlærere. Etter seieren i den første puniske krigen hadde det romerske senatet teaterforestillinger i Ludi Romani , byfestivalene. Livius Andronicus skrev den første latinske tragedien. Fra da av, som i Hellas , ble teatret sett på som en statsinstitusjon, men mindre som et forum for politisk diskurs , som på loftet teater, men mer som en herlig representasjon av makt og en avvik fra politiske konflikter . Slik seiret komedien, som ofte var veldig diskriminerende mot hovedpersonene . Med begynnelsen av den keiserlige tiden i det 1. århundre f.Kr. Populære spillformer, hovedsakelig pantomime , erstattet litterær komedie. Temaet for hor var også ofte brukt, og den importerte greske mimusen var den første formen for å dispensere med masker og oppta kvinnelige roller med kvinner, noe som skulle føre til mange konflikter med kirken for den videre utviklingen av teatret.

Leireteaterstempel ( tessera ) med portrett, Palmyra, ca 3. århundre e.Kr.

Viktige forfattere av den antikke verden

Sitater

Aristoteles : All abstraksjon kommer ikke fra fornuft, men fra summen av sensuelle opplevelser. Kunst er etterligning.

Epicurus : Begjær er begynnelsen og slutten på et lykksalig spill.

Platon : Den merkbare verden er bare det forvrengte skyggebildet av en verden av ideelle ideer - det er derfor persepsjon ikke fører til viss kunnskap, men bare fornuft.

Teater i middelalderen

Mysteriespill i Chester, England
Fritidsbilde fra Oberammergau lidenskapsspill (1900)

Mysterium og lidenskap spiller

I det 10. århundre oppfordret Rådet til Konstantinopel til humanisering av det guddommelige. Det burde være et vendepunkt i teaterkulturen. Tekstforlengelser av de liturgiske sangene og den lekne rekonstruksjonen av hendelsene om Kristi død og oppstandelse bidro til fremveksten av dramatiske roller i kirketeatret og senere til mer komplekse skuespill med bibelsk innhold, som ikke bare arrangerte påske- og julefesten, men inkluderte også mirakel-spill som inkluderte de trylle frem helgenes og profeters liv og gjerninger eller kampen mellom himmel og helvete. Med løsrivelsen av liturgien endret den strengt symbolistiske spillestilen seg også. Jesus dukket nå opp som en person, de åndelige spillene flyttet seg fra kirken til kirkegården på 1200-tallet, befolkningen var også involvert i spillet, og latin ble byttet ut til folkemunne .

Som et resultat av denne utviklingen dukket mysterier og lidenskapsspill opp , ettersom man ikke lenger var bundet til kirkens sted og ikke lenger ønsket å fortelle individuelle motiver, men heller historier om frelse fra verdens skapelse til den siste dom . Først var kun geistlige involvert i dramaet , senere ble mannlige borgere hentet inn for å gjøre rettferdighet til festivalens mange roller, som varte i flere dager, og senere var dramaet helt i borgernes hender. Passion Play fant utbredt bruk og var ikke lenger bare et kirkelig arrangement av byens festivalkultur. På 1300-tallet ble fokuset på innholdet endret. Fokuset var ikke lenger på å tilbe Jesus , men på ydmykelse og lidelse. The Passion ble et speilbilde av den nye holdning til livet som ble formet av hungersnød , pest og krisen i kirken og politiske myndighet , og ble stadig mer orientert mot empirisk realitet.

Landlig festival med teaterforestilling, fra miljøet til Pieter Brueghel den yngre (rundt 1600, utdrag)

Mardi Gras

Dermed utviklet seg sekulære former for lek i senmiddelalderen , som var spesielt formet i Frankrike. Med den franske farsen og sotien , som er preget av sitt kritiske og hånlige syn på hverdagen og hånet fra kirke og statlige myndigheter og bare ble spilt på Shrovetide , frigjorde det tyske Shrovetide-spillet seg selv og ikke bare lokket folk med et ofte uhemmet seksuell og fekal komedie på karneval publikum i tavernaer eller på markedsplasser . Tradisjonen med de engelske moralspillene , som former kampen mellom vice og dyd , lever den dag i dag i det mest spilte stykket på den europeiske scenen, Jedermann , som har formet åpningen av Salzburg-festivalen siden 1920 .

Kjente forfattere av karnevalspill

  • Hans Sachs : Han skrev 4000 mesterlåter og 87 karnevalspill.

Renessanse, eller Age of Discovery

Den Teatro Olimpico i Vicenza , et forsøk på en strukturell gjenoppliving av den gamle teatertradisjon

Mot slutten av middelalderen fikk teatret nye funksjoner i hofflig og kirkelig representasjon . Mens innbyggerne hadde vedtatt det middelalderske mysteriespillet , strålte en ny elitekultur ved europeiske domstoler . Ferien ble feiret med operaopptredener . Rettlige teatre, teater i fyrsteboliger, bygget i hager hekk teater , kirker, forestillingen av religiøse operaer og oratorier tillatt, bevis på bruken endret seg.

Den moderne tidsalderen ble formet av vidtrekkende geografiske , vitenskapelige og åndelige funn, av den middelalderske kirkens svikt og av refleksjon av filosofi og kunst på mennesker og utviklingen av den frie personligheten . I humanistenes teater anerkjenner man den første begynnelsen av tradisjonen med det "klassiske dramaet ", der et spennende plot blir drevet frem gjennom dialoger. Det fulgte også at plasseringene av handlingen ikke lenger sto ved siden av hverandre samtidig, men ble opplivet kronologisk ved å endre scenen .

Det "eldgamle dramaet" ble undervist på skolene så tidlig som i middelalderen, men fantasien til den eldgamle forestillingspraksisen var ikke tilgjengelig. Bare de moderne humanistene lyktes i å rekonstruere gamle former for lek. Aristokrater tok opp den nye "klassiske kulturbølgen" med entusiasme, men var mindre interessert i en nøyaktig rekonstruksjon av klassiske dramaer, som de humanistiske lærde var, men mer i overdådig innredning og senere i løsningen av spillet ved å legge til burleske danser. . Mens tragedien fikk liten oppmerksomhet i renessansen , ble komedien ærverdig. Det første glamorøse senteret for gjenoppliving av gamle komedier og litt senere ble etableringen av Commedia erudita , en folkespråklig vitenskapelig komedie , ved Ferrara- retten . Ludovico Ariosto , direktør for hoffteatret i Ferrara, feiret sine største suksesser ved retten med sceneverk som La Cassaria og I Suppositi . Men den mest berømte renessanse komedier ble skrevet av Niccolò Machiavelli , som kastet bort de gamle modellene og bygget et skarpt portrett av de skikker og begivenheter av sin tid i verk. Forskere håndterer tragedien hovedsakelig teoretisk og avledet poetiske normer fra Aristoteles Poetics . En av de viktigste lovene var overholdelsen av de tre enhetene sted, handling og tid i drama.

I tillegg til amatørskuespillet av lærte spilte Commedia erudita eksisterer profesjonelle Commedia dell'arte , den improviserte komedien og den pastorale . Hyrdespillet kombinerte komedie og tragedie , distanserte seg fra dagens politiske og sosiale kriser og dannet en strålende utopisk verden. Hyrdespillet hadde stor innflytelse på utviklingen av operaen . På 1500-tallet oppdaget humanister den didaktiske verdien av teatret. For moralsk instruksjon og som et propagandainstrument for reformasjonen ( Martin Luther anbefalte også skoleteater), ble latinsk teater inkludert i læreplanen .

I England utviklet renessanseteatret seg uavhengig og kalles engelsk renessanseteater , også kjent som elisabetansk teater , inkludert det påfølgende jakobanske teatret og Caroline-teatret. Sammen kalles de også tidlig moderne teater , inkludert William Shakespeare og Christopher Marlowe .

Viktige representanter for renessansen

Commedia Erudita

Shepherd's Game (Pastorale)

Barokkalderen

Denne artikkelen eller delen må revideres. Detaljer bør gis på samtalesiden . Hjelp oss med å forbedre det , og fjern deretter dette flagget.

→ Hovedartikkel: Barokk teater
Den Farnese Theatre i Parma . Her ble det sjeldent satt opp briller , men med store utgifter

På intet tidspunkt var teatret mer elsket enn under den europeiske barokken . På 1600-tallet var det å spille på scenen et bilde og symbol på en glamorøs verden. Nedgangen fra føydalisme og seieren av eneveldet veltet gamle verdier og økt bevissthet om opptredener og realiteter. Sammenligningen mellom verden og scenen , der alle spiller sin tiltenkte rolle , dominerer verkene til William Shakespeare og Pedro Calderón de la Barca . Mennesket som et sant bilde av samfunnet og hans slag, Gud som regissør og tilskuer - dette bildet ble etterlignet i hele barokkulturen og utfoldet seg i fantastisk teatralitet . Ved det absolutistiske hoffet var til og med hverdagen teatralsk arrangert, og med hver iscenesettelse var målet å overgå den forrige. Ønsket om drama og teaterfestligheter ble sterkere og sterkere, noe som førte dramatikerens yrke til en storhetstid. I de store byene var det en urbane, kommersiell teatervirksomhet (i tillegg til virksomhetene til de reisende ministrene, som også krever penger), og det ble feiringer av spesielt populære skuespillere som dagens stjerner . Den stadig økende hastigheten og utvidelsen av spillet krevde snart en endring fra hoffteater til populært teater - de første peepshow- scenene ble opprettet, og senere ble auditorier satt opp med nivåer og bokser som skulle representere et hierarki i samfunnet . På 1600-tallet fikk Hamburg Theater am Gänsemarkt , Leipzig fikk et hus som ble brukt under messer . Stykkene som ble fremført, gledet seg over tragedie og komedie og trivdes med dyktig iscenesettelse av vold, dans og musikalske mellomspill. Tilskuere fra alle samfunnslag deltok på forestillingene. Den kontinentale kommersielle teatervirksomheten utviklet seg på en mindre fikserbar måte for det borgerlige publikum , som manglet faste forestillingssteder og lokalt baserte tropper. Kommunale ballrom kunne ta på seg teaterfunksjoner som markedsplasser. Tekstbasen til troppene var vanligvis bare satt i manuskripter . Bedriftene reiste gjennom Europa med repertoarer på opptil 80 stykker og valgte ofte det som ikke hadde blitt spilt her på lang tid for produksjonen . Knapt mer enn en håndfull store og statlige aksjoner registrert i Wien på 1720-tallet har overlevd på trykk fra denne teaterbransjen. Videregående skoler bygget mot slutten av tiden integrerte teaterforestillinger i skoledriften - stedet for de fleste skuespillene som nå handles som barokkdramaer.

Barockteatret var et oppsamlingsbasseng for forskjellige teatergenrer fra tidligere epoker og et samlingsbasseng for forskjellige kulturelle kunstbevegelser som gjentatte ganger ble tatt opp av reisende teatergrupper og innlemmet i deres produksjoner. " Commedia dell'arte ", som dukket opp så tidlig som renessansen , ble ansett som den ultimate teaterformen, og dramaet frigjorde seg selv fra litteraturen . Kunsten til improvisasjon og et fyrverkeri av ansikts- , musikalske og koreografiske ideer var deres karakteristiske og inspirerte ikke bare borgerskapet med sin kommersielle orientering. På den annen side lå hoffeteatret, som privilegerte operaer og komedier over hele Europa frem til midten av 1700-tallet, høyere opp . På ingen måte skal dette misforstås: operaene hadde vært høgteater siden 1600 - stykkene ble vanligvis trykt for å kunne leses under forestillingene, for å huske stykket etter forestillingen, for å bli lest og verdsatt som poesi. De mest kjente operadikterne ga også ut sine verk i kollektive utgaver - tekstene uten musikken , som var underlagt kortsiktige moter og ble komponert på stedet for anledningen . Operaen til Italia fra Europa erobret, opplevde en triumf av de aristokratiske domstolene.

Det elizabethanske teatret

Kopi av Shakespeares Globe Theatre
Utsikt over scenen til Globe Theatre
Interiøret

I 1576 bygde James Burbage det første London- teatret, og antok den runde formen til datidens arenaer . Med denne bygningen, James Burbage ga støtet til en ekte teater boom , alle samfunnsklasser ble beslaglagt av en besettelse med teater. Denne oppblomstringen skyldes hovedsakelig monarken Elisabeth I , som med sin kunst og næringsliv skapte et økonomisk og kulturelt sentrum etter borgerkrigen på 1500-tallet. Teatret på Shakespeares tid fikk innflytelse i England og senere på repertoaret til de kontinentale teaterselskapene. De engelske dramatroppene besto av rundt 15 medlemmer som jobbet på samarbeidsbasis . Utøverne levde på sin andel av inntektene fra forestillingene. Bare menn spilte i en gruppe, inkludert kvinner, for det meste gutter på grunn av deres høyere stemme (" Boys Actors "). De spilte på dagtid for å unngå belysningsproblemet . Det var knapt scenedekorasjon, og gardinen var også ukjent. Rekvisitter ble båret på scenen under spillet. Kostymer ble foreslått. Store tropper var de

som fungerte som småbedrifter. Som partnere hentet skuespillerne arbeidskapital og delte i den felles fortjenesten . Fra midten av 1500-tallet til 1642 ble rundt 5000 stykker fremført i England, hvorav 620 er på trykk i dag.

Kjente dramatikere er her:

Teatre i London bygget mellom 1567 og 1629:

Husene som ble merket, ble bygget på samme måte: på bakken, gropen , var det stående plass for den fattigere befolkningen. Rundt dette løp et overbygget, overbygget galleri med seter for de rike, som nå liker å vende seg bort fra hoffteatret og gå til de offentlige bygningene. Midt i gropen var det en hevet lekeplattform som også var godt synlig fra galleriene. På den store scenen var det nok en liten scene og garderoben for skuespillerne. På toppen av garderoben var det en balkong som var dekket av et stråtak . På dette stråtaket var tårnet for trompetisten som kunngjorde begynnelsen av forestillingen. Flymaskinen for skuespillernes spesielle forestillinger lå i tårnet. Flagget med emblemet til det tilsvarende teatret viftet på taket ; Swan Theatre da dette var en svan , mens Rose er en Rose . Mens de enkle teatrene ble utsatt for været, var Blackfriars, Salisbury Court Theatre og Cockpit Theatre allerede helt dekket.

Iberisk teaterkultur (spansk barokk)

I motsetning til resten av den europeiske teaterkulturen var det spanske barokkteatret dypt forankret i katolicismen . Det tradisjonelle allegoriske Corpus Christi-stykket hadde stor popularitet langt ut på 1700-tallet, og Spanias teater har alltid vært i tjeneste og under beskyttelse av den katolske kirken. På begynnelsen av 1500-tallet kom de første italienske skuespillerne til Spania, spilte sine skuespill på gårdsplassene til de religiøse broderskapene og senere i den spesialbygde " Teatro de Corral ", som var modellert på gårdsplassens scener og ikke veldig ulik til de engelske scenene. Allerede på midten av 1500-tallet opptrådte innenlandske dramatropper på teatrene bygget over hele landet, og formet dermed den iberiske teaterkulturen, som møtte entusiastisk godkjenning. Da Spanias verdensmakt så ut til å smuldre opp på 1600-tallet, opprettholdt borgerne sin tro på makt og et fantastisk liv gjennom teatret. I løpet av denne tiden ble det skrevet mer enn 300 000 sceneverk, og et stort antall forskjellige sjangere ble dannet under paraplybegrepet Comedia:

Kappen og sverdstykket viste seg å være den mest vellykkede og mest kjente sjangeren i hele Europa; det fortsetter å ha en effekt på pels-og-epee-filmen . Temaet for handlingen var livet til hoffsamfunnet, og kappen som et symbol på forkledning ble den viktigste rekorden for den uunnværlige kjærlighetsintriger. Lope de Vega , en av datidens mest berømte dramatikere, var kjent med aristotelisk poetikk , men var mer opptatt av å tiltrekke seg publikum og prøvde å kombinere både tragiske og komiske elementer. Det spanske barokkdramaet var mer et teater av paralleller, rettet mindre mot realistiske karakterer eller moderne problemer, men snarere mot å gjenskape det himmelske og sekulære ordenssystemet.

Kjente dramatikere er her:

Demokratiseringen av teatret var et viktig skritt for de som var interessert i det gamle teatret, for den gang fikk ingen inn i teatret som ikke hadde tillatelse til det. Vanligvis var dette bare kongen og hans hoff ned til de enkle tjenerne. Sitteplasser og stående steder hadde et hierarki og var på bakkenivå, og steg ikke som de er i dag.

Det franske barokk-teatret

Kravet kom fra Frankrike om at dramaet, som på 1500-tallet hadde beveget seg lenger og lenger bort fra gamle modeller, skulle baseres på dem igjen. Det svært vellykkede renessanseteatret av Alexandre Hardy gikk under, i likhet med lignende (men senere gjenopplivet) verk av William Shakespeare .

De to motstridende linjene i europeisk barokkteater , det monumentale hoffteatret og det klassisistiske dramaet, fikk like oppmerksomhet i Frankrike. Ved hoffet til Ludvig XIV opplevde teatret en overfladisk, pompøs utvikling med blant annet ballet de cour , en spesiell teaterform der ikke bare menn og kvinner i retten opptrådte, men også kongen selv. vilkår markerte imidlertid den franske klassiske musikken høydepunktet i denne epoken, og under kardinal Richelieu og hans " Académie française " grunnlagt i 1635 ble normene for det vanlige dramaet håndhevet. Dikteren Pierre Corneille med sitt arbeid Le Cid var også under sensuren deres . Kritisert av Académie, applaudert av publikum og stilisert som en nasjonalhelt , bestemte Corneille, som ble tatt opp i Académie i 1647, bare å skrive rent stilige dramaer etter Cid. Ved å gjøre dette skapte han prototypen til en tragisk helt uten individuelle egenskaper, som skulle berømme idealene til den franske barokken, anstendighet og respektabilitet. Jean Racine, derimot, ga hovedpersonene sine en individuell karakter og fant de klassisistiske dramastrukturene til å være ekstremt nyttige for å fremheve psykologisk intensitet. Etter at hans hovedverk Phèdre i 1677 ble utspilt av det mer behagelige, nå glemte arbeidet til sin rival Jacques Pradon , forlot han hoffteatret og trakk seg tilbake til religiøse temaer med Esther (1689) og Athalie (1691). Racine største rival var komedie poet Molière , tidligere hans mentor, hvis tropp han forlot etter hans teaterdebut og flyttet til den rivaliserende Hôtel de Bourgogne . Men Molière var i favør av kongen og skrev utallige farser , skikker og typekomedier, og brukte repertoaret "Comedia dell'arte". I samarbeid med komponisten Jean-Baptiste Lully utviklet han sjangeren til "Comédie-ballet", der dansescener ikke bare var dekorativt tilbehør, men en del av handlingen . Hans litterære klimaks var karakterkomediene , der han personifiserte og overdrev et enkelt karaktertrekk fra hovedpersonen, og dermed utsatte ham for latterliggjøring. Han trodde scenen var en teatralsk stolpe der brudd på sunn fornuft og moral av komedie skulle avsløres og spottes. Hatet av kollegene, er Molière fremdeles en av de mest berømte og mest spilte franske dramatikerne.

Teater i romantikken

I den romantiske perioden tok teateret baksetet til fordel for tekstdiktning og romanen , og også til fordel for operaen som et total kunstverk, men følelsene som var viktige i romantikken ble også vektlagt på scenen.

Tyskland fra 1800-tallet

I andre halvdel av århundret ble teaterscenen i Tyskland stadig mer liberalisert. I handelsregelverket for Nordtyske Forbund av 1869 ble teater oppført som en handel og å skaffe teaterlisens var en ren formalitet. De fleste repertoarbegrensningene ble også fjernet. Resultatet av denne nye teaterfriheten var en sann teateroppblomstring som varte inn på 1930-tallet til tross for midlertidige tilbakeslag, for eksempel på grunn av aksjemarkedskrasj i 1873 .

De fleste av disse nyopprettede scenene var rene underholdningsselskaper. Teatralsk underholdningskunst blomstret fra midten av 1800-tallet og utviklet stadig flere nye sjangre, som operette eller kabaret . Teaterunderholdningsselskapenes vilje til å eksperimentere førte også til hybridformer som variasjonsteatret , som blander elementer av drama med kunstneriske sirkusattraksjoner . Suksessen med disse scenene snakker mot det utbredte bildet at teatrene på 1800-tallet tilsvarte Schillers teaterideal som utdanningsinstitusjon. Dette gjelder ikke bare de rent profittorienterte, privatdrevne forretningsteatrene, men diskuteres også i økende grad for de borgerlige teatrene (som dagens by- og statsteatersystem oppsto fra) som blir subsidiert av innbyggerinitiativer og kommunale tilskudd .

1900-tallet og samtidshistorie

Nye teaterformer utviklet seg allerede på slutten av 1800-tallet ( Alfred Jarry ), men også i perioden etter de sosiale omveltningene i etterkrigstiden (1945–1970-tallet); lokalt i Europa avbrutt av nasjonalsosialisme . Symbolistisk teater, etterkrigsteater, moderne teater og til slutt postdramatisk teater utforsket nye veier.

bevis

  1. ↑ Handelsregelverk for Nordtyske Forbund av 1869, § 32 wikisource
  2. ↑ jf. Friedrich Schiller: Hva kan en god stående scene faktisk gjøre? I: Benno von Wiese (red.): Schillers verk. Vol. 20, Weimar 1962, s. 87-100.
  3. ↑ Christoph Kohler: Hvorfor teatret? Om historien om teatersubsidiene i Zürich (1890–1928). Köln / Weimar / Wien 2008; Nic Leonhardt: Bildedramaturgi. Visuell kultur og teater på 1800-tallet (1869–1899). Bielefeld 2007; Frank Möller: Mellom kunst og handel. Borgerteater på 1800-tallet. I: Dieter Hein, Andreas Schulz (Hrsg.): Citizen culture in the 19th century. Utdanning, kunst og bomiljø. München 1996, s. 19-33.
  4. ↑ se Jürgen Grimm: Frankrikes avantgardeteater 1895–1930. München 1982, ISBN 3-406-08438-9 .

weblenker

Commons : Teaterhistorie  - samling av bilder, videoer og lydfiler
Wikikilde: Lokal teaterhistorie  - Kilder og fulltekster

litteratur

  • Jens Ilg, Thomas Bitterlich (red.): Teaterhistoriografi: intervjuer med teaterhistorikere . Tectum, Marburg 2006, ISBN 3-8288-9178-0 .
  • Manfred Brauneck : Verden som scene. Historien om det europeiske teatret . Metzler, Stuttgart
  • Joachim Fiebach: De døde som de levendes makt. Om teorien og historien om teater i Afrika. Heinrichshofen, Wilhelmshaven 1986, ISBN 3-7959-0503-6 .
  • Erika Fischer-Lichte: Kort historie om det tyske teatret . A. Francke Verlag, Tübingen / Basel 1993, ISBN 3-7720-1691-X .
  • Erika Fischer-Lichte (red.): TheaterAvantgarde. Oppfatning - kroppsspråk . Stuttgart 1995, ISBN 3-8252-1807-4 .
  • Georg Hensel : Tidsplan. Skuespillerguiden fra antikken til i dag , Econ-List Taschenbuchverlag, München 2001, ISBN 3-612-26645-4 .
  • Andreas Kotte: Teaterhistorie. En introduksjon. Böhlau, Köln 2013, ISBN 978-3-8252-3871-1 .
  • Peter Simhandl: Teaterhistorie i ett bind. Henschel, Berlin 2007, ISBN 978-3-89487-593-0 .
  • Pierre Sauzeau: La tradition créatrice du théâtre antique . - I. En Grèce ancienne . Textes réunis par Pierre Sauzeau avec la collaboration de Jean-Claude Turpin Cahiers du GITA nº 11. Publications de l'Université Paul Valéry, Montpellier 1999, ISBN 2-84269-299-3 .
  • Pierre Sauzeau: La tradition créatrice du théâtre antique . - II. De Rome à nos jours . Textes réunis par Pierre Sauzeau avec la collaboration de Jean-Claude Turpin Cahiers du GITA nº 12. Publications de l'Université Paul Valéry, Montpellier 1999, ISBN 2-84269-328-0 .