Filmhistorie

Den filmhistorien sporer utviklingen av filmen , som er en kunstform i seg selv sammen med musikk , litteratur og visuell kunst . Filmens historie strekker seg fra de tidligste tekniske prestasjonene til den konstante stilistiske utviklingen til filmens nåværende tilstand. Forsøket er gjort for å løse de kompliserte sammenhenger mellom økonomi , politikk og estetikk .

Fra stillbildet til det bevegelige bildet

Demonstrasjon med en magisk lantern rundt 1760
Seriefotografering av en galopperende hest av Eadweard Muybridge (1878)

Historien om bevegelige bildemedier med bildesekvenser som skaper en illusjon av bevegelse begynte med filmteknologi , dvs. H. med sammenstillingen av fotografiske bilder. De første demonstrasjonene av den magiske lykten var på 1700-tallet. Denne enheten kan projisere en serie bilder malt på en glassplate på veggen, i likhet med en lysbildeprojektor. Den fotografering ble utviklet i første halvdel av det 19. århundre . Følsomheten til sølvsalter for lys ble oppdaget så tidlig som i 1717, men det var først i 1826 at Joseph Nicéphore Nièpce lyktes i å ta et bilde på en tinnplate, som involverte en eksponeringstid på åtte timer. Etter Nièpces død fortsatte utviklingen av Louis Daguerre og førte til de såkalte daguerreotypiene , unike brikker som ennå ikke kunne reproduseres. En daguerreotype er et omvendt foto positivt på metall.

I 1832 utviklet den tysk-østerrikske Simon Stampfer og det belgiske Joseph Plateau livets hjul uavhengig av hverandre , noe som ga betrakteren inntrykk av levende bilder. Den bruker stroboskopisk bevegelse : en illusjon av bevegelse oppstår i betrakteren så snart enkeltbilder følger hverandre med avbrudd og i tilstrekkelig hastighet.

Den artilleri ingeniør Franz von Uchatius endelig oppfunnet en kombinasjon av begge enhetene i 1845, den såkalte “tåke bilde apparat”, som imidlertid ikke kunne brukes for projisering av lengre sekvenser.

Rundt 1838 eksperimenterte engelskmannen William Talbot med papir som bærermateriale, som han gjorde lysfølsom med klorsølv. Det våte papiret måtte eksponeres i mer enn to timer før omrissene av bildet virket som negative; Dette betyr at lyse områder i objektet reproduseres mørkt og omvendt. Det negative papiret kunne deretter gjøres gjennomsiktig med voks, slik at det positive dukket opp etter at et annet klor-sølv papir ble screenet og svart. Oppfinnelsen ble kalt Photo Drawing eller Photo Graphics, som navnet fotografering stammer fra. På dette tidspunktet hadde to viktige komponenter i moderne fotografering allerede blitt utviklet, nemlig den negative positive prosessen og bruken av lysfølsomme kjemiske lag basert på sølv.

Gjennombruddet i retning av film kom i 1872 med fotografen Eadweard Muybridge , som tok seriebilder av en galopperende hest for første gang. Senere oppfant han også et demonstrasjonsapparat for fotografiene sine, zoopraxiscope . Fra 1890 fotograferte Ernst Kohlrausch gymnastikkøvelser i rekker med en selvlagd kronofotografi . Ytterligere oppfinnelser inspirert av Muybridge er den elektriske hurtigviseren (tachyscope) av den tyske oppfinneren Ottomar Anschütz (1886/87) og den kronofotografiske haglen av franskmannen Étienne-Jules Marey . Mareys forskningsassistent, Georges Emile Joseph Démény , registrerte et patent på sin fotokronograf i 1893 , en av de mer praktiske oppfinnelsene i feltet.

Franskmannen Louis Le Prince var den første som utviklet et filmkamera med en linse i Leeds , England. I 1888 skjøt han de første bevegelige bildene med den, som fra dagens perspektiv kan beskrives som film ( Roundhay Garden Scene , Traffic Crossing Leeds Bridge ) .

Eksponeringstiden kan reduseres ytterligere på grunn av bruken av lyse linser og forbedringer i de lyse lagene. En annen revolusjon kom i 1888 da nitrocellulose ble gjort tilgjengelig for fleksible underlag. Dette gjorde fotografering egnet for massene, og George Eastman begynte å selge Kodak- boksen sin. Du kan spille 15 bilder per sekund, noe som fødte et nytt medium: kinematografi eller bevegelsesopptak. Thomas Alva Edison og hans utviklingsteam lyktes i å utvikle et apparat som kunne spille . Etter Kinetograph- opptaksenheten fra 1891 presenterte Edison en prototype av Kinetoscope- projeksjonsenheten . Filmtransporten ble gjort mulig ved hjelp av en perforering i filmen, som ble definert med fire hull per bilde.

Stumfilmtiden (1895 til 1927)

Kameramenn foran Berlin City Palace , 1907

1. november 1895 viste brødrene Skladanowsky ni kortfilmer med sin Bioskop- projektor som en del av et mangfoldsprogram i Berlin Winter Garden . Det omtrent ti minutter lange arrangementet var det første i Europa som viste filmer på en skjerm foran et betalende publikum.

Filmene på slutten av 1800-tallet, for det meste bare noen få minutter, ble vist for publikum, for eksempel i forskjellige teatre, og var først og fremst reservert for middelklassen. Ofte var det som ble vist et enkelt bilde av gjentatte hendelser fra hverdagen på den tiden. Men det var også de første humorsekvensene , forløpere for de senere populære slapstick- scenene. Interessen for et iscenesatt eller dramaturgisk designet plot som i et teaterstykke oppsto bare sakte, fordi fascinasjonen først og fremst utgjorde den presenterte tekniske muligheten for produksjon av de bevegelige bildene.

I følge Ulrich Schmidt viser fremvisningen, som gjelder Lumiere-brødrene 28. desember 1895 i Paris som fødselen av filmmediet. Lumières oppfant filmteknologi, inkludert 35 mm kinematografen , som både var en innspilling, kopiering og avspilling. Den nevnte presentasjonen av deres filmrepertoar fant sted med dette apparatet 28. desember 1895 i en sal (Salon Indién) på "Grand Café" nær Place de l'Opéra. Siden brødrene, som produsenter og overklasseborgere, hadde den nødvendige kapitalen og kontaktene til økonomien, men også på grunn av den unike fordelen den gangen at kinematografen de utviklet kombinerte funksjonene til kamera og projektor i en enhet, deres oppfinnelse var i stand til å materialisere seg i de påfølgende årene. En annen fordel med forretningspraksisen viste seg å være at Lumières-enhetene frem til 1897 ikke ble solgt, men bare lånt ut til showmen. Først så de filmvisning som en sidelinje, men senere, som reisende kinooperatører, kunne de til og med presentere filmer som sitt viktigste levebrød.

Siden franske filmselskaper var de første til å gjenkjenne det økonomiske potensialet i det bevegelige bildet, dominerte de det globale filmmarkedet frem til første verdenskrig. Storbritannia, Italia, Tyskland, Danmark og USA var bare i stand til å fange betydelige markedsandeler fra 1914 og utover.

Brødrene Lumière så på film bare som et supplement til fotografering - de snakket om "levende fotografering" - og begrenset sitt arbeid til å dokumentere virkelige hendelser. Den franske illusjonisten og teatereieren Georges Méliès var den første til å gjenkjenne det unge mediets fortellende (narrative) potensiale og laget fra 1896 utelukkende iscenesatte filmer. For implementeringen av hans stort sett fantastiske motiver og scener har Méliès allerede utviklet filmtriks som: B. stop-motion prosessen, som fortsatt brukes i dag.

Den første narrative langfilmen er den australske filmen " Soldiers of the cross " fra Limelight Department Film Studios. Det handler om noen ganger veldig grusomme historier om tidlige kristne som kjempet for sin tro og døde. Forestillingen løp i nesten to og en halv time og hadde premiere 13. september 1901 i Melbourne rådhus.

Briten Arthur Melbourne-Cooper plasserte de første narrative filmene siden i England. I 1901 presenterte George Albert Smith nærbilde av en katt for The Little Doctor , og la dermed grunnlaget for filmfortelling. Gjennom perspektivendringen, gjennom variasjonen i bildestørrelsene og følgelig gjennom montasjen, som bringer disse endringene inn i en rytme, utviklet det grunnleggende i filmspråket de neste årene . Den 12 minutter lange filmen The Great Train Robbery (1903) av Edwin S. Porter regnes som banebrytende for den narrative filmen . I denne første vestlige er et togran beskrevet fra implementeringen til flukten til oppgjøret.

Filming i New York Edison Studios , ca 1907

Fra 1910 bosatte forskjellige filmskapere seg i Hollywood , inkludert William Fox , Samuel Goldwyn , Carl Laemmle og Adolph Zukor , og la grunnlaget for det som senere skulle bli "drømmefabrikken". Årsaken til valget av California var på den ene siden den store avstanden fra bransjens gresskriger på østkysten, og på den andre siden det solfylte været: På grunn av det relativt lite følsomme filmmaterialet og den nyeste teknikken. innen lysteknologi på den tiden var dagslys den viktigste belysningskilden under skytingen. "Art of storytelling" ble også perfeksjonert på 1910-tallet utenfor USA. Italienske monumentale filmer som Cabiria (1914) setter standarder når det gjelder produksjonsinnsats. Bedre kjent og mer innflytelsesrik er imidlertid filmene til den amerikanske DW Griffith , hvor The Nation of a Nation (1915) og Intolerance (1916) skiller seg ut som milepæler.

Den Babelsberg studio i Potsdam nær Berlin ble grunnlagt i 1912, noe som gjør det til verdens første store film studio - og en forløper til Hollywood . Den produserer fremdeles filmfilmer med jevne mellomrom .
UFA film området i Berlin-Tempelhof , 1920

Den første verdenskrig isolert filmindustrien i de to alliansesystemer fra hverandre og hevdet råvarer som også var nødvendig for filmproduksjon, noe som medførte en alvorlig tilbakeslag for internasjonalt orientert og produktiv Frankrike. For andre land, som Østerrike eller Tyskland, betydde første verdenskrig å kvitte seg med den tidligere sterke utenlandske konkurransen. I Tyskland mot slutten av første verdenskrig ble UFA- studioene grunnlagt, som opprinnelig var planlagt som et propagandainstrument . Etter krigen utviklet de seg til å bli et av verdens viktigste filmproduksjonsanlegg på 1920-tallet. Samtidig klarte filmindustrien i Hollywood, som ligger langt fra krigsteatrene, å utvikle seg mer og mer, som et resultat av at den amerikanske filmindustrien klarte å erstatte Frankrikes overherredømme etter første verdenskrig. På midten av 1920-tallet gikk dette så langt at europeiske land utstedte importrestriksjoner for å redde sin egen filmindustri fra den amerikanske filmflommen og dermed fra ruin.

Slapstick- komedier var veldig populære blant publikum , hvor den mest kjente representanten, Charlie Chaplin , hadde stor suksess med kortfilmer fra 1914 og utover. Han laget sin første fullfilm med The Kid (1921). Også Buster Keaton var en stjerne av slapstick og kjent for sine økonomiske ansiktsuttrykk. Harold Lloyd , som utviklet en gjennomsnittlig amerikaner med hornbriller og en sirkulær stråhatt som filmkarakter og ofte viste hårreisende stunts ved skyskrapere i filmene sine, var veldig vellykket . I tillegg teller Harry Langdon av stjernene i stille film slapstick.

Derimot viste Fritz Lang med Metropolis en floppenden først ved billettkassens monumentale film (opprettet fra 1925 til 1926, på verdensarven av UNESCO). Fra 1926 jobbet duoen Laurel & Hardy sammen og oppnådde raskt stor popularitet. Mens Charlie Chaplin i utgangspunktet ikke lot trampkarakteren snakke før langt ut i lydfilmtiden ( Lights of the Big City , 1931 og Modern Times , 1936) og bare ga ut en ren talefilm med The Great Dictator i 1940 , var Keaton allerede hørt i en lydfilm i 1929. Hans spillefilmer, som ble laget av Metro-Goldwyn-Mayer til 1933 , var kanskje ikke like rike på kunstnerisk innhold som hans stumfilmer, men de var desto mer vellykket økonomisk. Harold Lloyd beviste også med filmer som Feet First (1930) eller Movie Crazy (1932) at stemmen hans var egnet for lydfilm. Harry Langdons stjerne begynte å avta i løpet av stumfilmtiden, mens Laurel & Hardy vokste i popularitet under samtalene og forble i filmbransjen til tidlig på 1950-tallet.

I Europa har det vært en spesiell interesse for kunstnerisk film siden 1910-tallet. Fra dette utviklet stumfilmen avantgarde trinn for trinn . Den tyske og østerrikske filmen fra denne tiden utviklet en spesiell estetikk som var basert på ekspresjonistisk maleri . Som den første ekspresjonistiske filmen gjelder The Cabinet of Dr. Caligari (1919) av Robert Wiene . Metropolis av Fritz Lang (1925/27) på slutten av denne tiden betraktes som en klassiker av ekspresjonistisk filmkunst med mytiske trekk ved en monumental film og dristige spesialeffekter.

Russiske avantgarde regnet kunstnere som Sergej Eisenstein i sine rekker, som hadde en avgjørende innflytelse på monteringsteknologien . Han designet konseptet "montasje av attraksjoner", en type montasje der de individuelle skuddene blir sammenføyd på en slik måte at betrakteren blir presentert for innholdet på en sjokklignende måte. Hans mest berømte film, Battleship Potemkin (1925), forteller om et opprør på skipet med samme navn og konfronteringen av myteristerne med den russiske hæren i Odessa. Noen scener fra denne filmen, inkludert trappescenen i Odessa, er blant de mest siterte i filmhistorien.

Snakkende bilder og den klassiske Hollywood-tiden (1927 til 1945)

Orson Welles

Lydfilmens æra begynte i USA i 1927 med The Jazz Singer . Siden den gang har amerikansk filmproduksjon blitt omgjort til lyd veldig raskt og konsekvent, og den globale filmindustrien har fulgt etter i løpet av få år. Den første konsekvensen av dette var at de tidlige lydfilmene mistet kvaliteten sammenlignet med de stumfilmene som til dags dato har vært stilutviklet. Mens amerikansk filmeksport pleide å være ganske enkelt undertekstet, ble mange filmer, såkalte versjonsfilmer , spilt inn i flere versjoner - på andre språk og uunngåelig med en helt annen rollebesetning. Av tekniske årsaker var synkronisering ennå ikke mulig med de første lydfilmene. Det verdensomspennende markedet for lydopptak og avspillingsenheter ble delt i 1930 av de to største selskapene av denne typen, Western Electric og Küchenmeister-Tobis-Klangfilm-Gruppe , i det parisiske Tonfilmfrieden .

I 1929 oppfant Dziga Wertow en rekke filmteknikker med produksjonen av den eksperimentelle sovjetisk-ukrainske dokumentaren The Man with the Camera eller brukte dem for første gang eller utviklet dem avgjørende. Disse inkluderer multieksponering , sakte film og rask bevegelse , fryseramme , match cut , Jump Cut , delt skjerm , nederlandsk vinkel , nærbilder , sporingsbilde , spilt i omvendt opptak, stop-motion animasjon og selvrefleksive holdninger samt det generelle refleksive konseptet.

Lydfilmen støttet utviklingen av noen nye sjangre på 1930-tallet: musikaler som 42nd Street (1933), gangsterfilmer som Scarface (1932), skrekkfilmer som Frankenstein (1931) og skruballkomedier som It Happened in One Night (1934) Entry inn på kinoene.

Fra 1933, men i økende grad fra begynnelsen av andre verdenskrig og utvidelsen av Nazityskland til stadig større deler av Europa, begynte en bølge av utvandring fra for det meste jødiske filmskapere fra Europa. Mens deres utvandringsdestinasjoner ofte var europeiske byer med en filmindustri som Wien , Paris eller London i begynnelsen, kom den nye filmindustrien i Hollywood snart til å være den mest ettertraktede og mest lovende destinasjonen for utvandrere - forsterket av målrettet rekruttering av europeiske filmstorheter av Hollywood-sjefer. Alt i alt mistet Europa rundt 2000 tysktalende jødiske filmskapere til andre land under nasjonalsosialismen, inkludert nesten hele eliten av tysktalende filmproduksjon. Rundt 800 av dem havnet i Hollywood. Mange hadde en strålende karriere der, men mange mislyktes også på grunn av de nye omstendighetene.

Klassisk Hollywood-kino nådde sitt høydepunkt rundt 1939. Det var typisk for klassikerne på den tiden at de for det meste tegnet et fantasifullt bilde av lykke og håp - et trekk ved dette er også den obligatoriske "lykkelige avslutningen". Som en distraksjon fra hverdagen (den amerikanske økonomien traff bunnen på 1930-tallet) ble Hollywood-filmer ønsket velkommen av mange. Derfor produserte den såkalte "gyldne æra" av kino et mangfold av storfilmer, f.eks. B. Gone with the Wind (1939). På begynnelsen av 1940-tallet var det imidlertid også en tendens til realisme i USA , hvor det beste eksemplet er Orson Welles ' Citizen Kane .

Marlene Dietrich, 1933

I løpet av denne tiden styrket det amerikanske studiosystemet sin makt i filmindustrien. Arbeidsdelingen, profittorientert produksjon, der alle de involverte var under produsentens beskyttere, begrenset sterkt ambisiøse regissører og andre filmskapere. Stjerner med sine respektive faste sjangre, som John Wayne i Western, Cary Grant i komedier eller Errol Flynn i eventyrfilmer , ble studioenes hovedprodukter og figurheads - følgelig tok plottet i en film ofte baksetet. Et kjennetegn på den tiden er de såkalte doble trekkene , der en B-film ble vist etter en hovedfilm - i lang tid var disse billig produserte B-filmene den eneste muligheten for individuelle filmskapere å eksistere.

Etter at USA kom inn i andre verdenskrig ble en stor del av den amerikanske produksjonen byttet til antifascistiske temaer med filmer som Hitchcocks The Lifeboat (1943) eller Casablanca (1942). Walt Disney selv deltok i dette med Der Fuehrer's Face (1943).

I Europa gikk den "snakkende filmen" imidlertid en annen vei. Tyskland var i tiden for den nye objektiviteten på begynnelsen av 1930-tallet , og det var derfor den ekspresjonistiske filmen som hadde blitt så kjent, tok slutt. Filmen The Blue Angel (1930), som gjorde Marlene Dietrich til en stjerne, feiret stor suksess . Tyske lydfilmer inneholdt i økende grad samfunnskritiske elementer, se z. B. M (1931). Oppgangen til nasjonalsosialismen må sees på som årsaken til dette.

Frankrike produserte en serie filmer som Port in the Fog (1938) og Children of Olympus (1945) av Marcel Carné eller The Great Illusion (1937) av Jean Renoir , som nå tilskrives poetisk realisme .

Fargen erobrer lerretet

Utviklingen i etterkrigsfilm (1945 til rundt 1960)

Mens amerikansk filmproduksjon stort sett foregikk som vanlig, sto europeisk film overfor en ny begynnelse.

De første europeiske etterkrigsfilmene ble laget i Italia under regissører som Roberto Rossellini , Luchino Visconti og Federico Fellini ; den såkalte neorealismen ble hovedsakelig påvirket av poetisk realisme og ble blant annet sett på som svaret på fascismen . Det var også en nær tilknytning til tyske ruskfilmer , som f.eks B. i Rosselinis Tyskland i året null (1948). På grunn av mangel på materiale var filmene så minimalistiske at de dispenserte med alle effekter og ble ofte til og med spilt av amatørskuespillere. De taklet livet til de små burgere i etterkrigstiden, for eksempel: B. Vittorio De Sicas sykkeltyver (1948) eller Giuseppe De Santis Bitterer ris (1949) eller opplevelsene fra selve krigen, som i Rosellinis Roma, Open City (1945).

Den svenske filmen oppnådde internasjonal suksess med Arne Sucksdorffs People in the City (1948) og fremfor alt Ingmar Bergmans The Smile of a Summer Night (1956). I Frankrike er det i tillegg til verk som Tatis Schützenfest (1947) av Jacques Tati laget hovedsakelig filmer med aldrende skuespillere som Jean Gabin eller Jean Marais , selv om de ikke møter stor interesse.

Etter slutten av andre verdenskrig begynte de store dagene med asiatisk kino, spesielt i Japan og India . Yasujiro Ozu og Akira Kurosawa gjorde japansk kino kjent over hele verden med Tokyo Story (1953) og Rashomon (1950), og innflytelsesrike filmer ble laget over hele verden med The Seven Samurai (1954) og Satyajit Rays Apu Trilogy (1950–1959) .

De europeiske stilene hadde innvirkning på amerikansk film: sjangeren av film noir , som begynte med John Hustons Die Spur des Falken (1941), adopterte elementer av neorealisme og ekspresjonisme fra verk som Fritz Langs Blinde Wut (1936) og fra filmen. poetisk realisme som In the Dark of Algiers (1936). I løpet av McCarthy-tiden på begynnelsen av 1950-tallet ble mange filmskapere, som Hollywood Ten i USA, forfulgt for angivelig kommunistisk innhold i filmene sine, som led kvaliteten på generell filmproduksjon. Et stort antall science fiction-filmer ble laget under påvirkning av den kalde krigen . De handlet for det meste med fremmede invasjoner, f.eks. B. Dagen jorden sto stille (1951), The Body Snatchers (1956), Formicula (1954) eller filmatiseringen av HG Wells ' Battle of the Worlds (1953).

Et annet vendepunkt i amerikansk og verdensomspennende filmhistorie er spredningen av TV , som representerte seriøs konkurranse om kino. Som en konsekvens måtte kinoen utvikle seg videre for å kunne tiltrekke publikum lenger. Et stort antall tekniske innovasjoner ble introdusert for å gjøre kinoopplevelsen mer attraktiv. Utviklingen av widescreen-formatet med prosesser som Vistavision , Cinemascope eller Cinerama førte til en renessanse av monumentale og sandale filmer , som Ben Hur (1959) , Quo vadis? (1951) eller De ti bud (1956) . Andre tekniske innovasjoner, som f.eks B. 3D-filmer kunne imidlertid ikke seire på sikt. Imidlertid kunne ikke noe av dette hindre kinoen i å oppleve en lavkonjunktur som varte i årevis.

Finanskrisen krevde en grunnleggende strukturendring i filmindustrien. På grunn av et brudd på Sherman Anti-Trust Act ble monopolaktivitetene til de store studioene Warner Bros. , MGM , 20th Century Fox , RKO Pictures og Paramount Pictures forhindret. Forbudet mot blocksystemet og i 1950 forbudet mot selskaper som driver sine egne kinokjeder førte til slutt til slutten av det amerikanske studiosystemet. Flere og flere filmer ble produsert uavhengig og med lave budsjetter. Internasjonaliseringen av kino gjennom import og eksport over hele verden skapte et nytt, mer variert spekter av filmer. I tillegg til filmer i tradisjonen med klassisk Hollywood som tolv middag (1952), Singin 'in the Rain (1952) eller Some Like It Hot (1959), var det en ny orientering mot det ungdommelige publikummet. Med fremkomsten av beatgenerasjonen og rock 'n' roll, helter som James Dean i ... fordi de ikke vet hva de gjør (1955) eller Marlon Brando i Endstation Sehnsucht (1951), tiltrukket unge mennesker og tilbød dem potensial for identifikasjon. Innkjøringsteatre var populære blant ungdommen, ikke minst på grunn av Love Lane , og nådde sin største popularitet på 1950- og 1960-tallet.

Nye bølger (1960- og 1970-tallet)

De største
landene for filmproduksjon i 1975
rang land Nummer
1. India 471
2. Japan 333
3. forente stater 258
4. plass Italia 230
5. Frankrike 222
... Tyskland 73
... Sveits 15.
... Østerrike Sjette
Verdensproduksjon 3,692

1960-tallet markerte forfallet av Hollywood-gullalderen . Avskaffelsen av Hays Code markerer slutten på den klassiske Hollywood-kinoen, som med sine velprøvde oppskrifter i stadig større grad falt i krise. Kjente regissører som Alfred Hitchcock eller John Ford hadde fullført hovedarbeidet sitt, og de legendariske gullalderstjernene begynte på flere år. De store studioene ble drevet av gamle menn som Jack Warner, hvorav noen hadde hatt sitt innlegg siden stumfilmtiden og ikke lenger hadde kontakt med den sosiale virkeligheten. Stadig flere filmer ble produsert forbi publikum, og i et desperat forsøk på å vinne tilbake seerne, pumpet studioene enorme summer inn i kunstnerisk mindre betydningsfulle monumentale filmer og musikaler på midten av 1960-tallet .

I løpet av denne tiden utvikler nye kreative filmtrender seg i Europa. Der fikk regissøren stadig større betydning og ble også stadig viktigere som manusforfatter . Med noen få unntak ( Ernst Lubitsch , Billy Wilder , Otto Preminger , Alfred Hitchcock), var dette ikke tilfelle i Hollywood-kino på 1950- og begynnelsen av 1960-tallet.

Den franske Nouvelle Vague begynner som epoken med auteurfilmer på slutten av 1950-tallet med You Kissed and They Beat him (1959) av François Truffaut . Filmene fra denne tiden er basert på teorien om politique des auteurs utviklet av en gruppe kritikere som skrev for filmmagasinet Cahiers du cinéma . De krevde en klar kunstnerisk autonomi for regissøren og er rettet mot tradisjonen de la qualité for fransk kino. I tillegg til Truffaut inkluderte disse kritikerne Claude Chabrol , Éric Rohmer , Jacques Rivette og Jean-Luc Godard , som debuterte i 1960 med Out of Breath (basert på et manus av Truffaut). Truffauts Jules and Jim (1962) og Robbery Kisses (1968) samt Godards Elf O'clock (1965) er blant de store suksessene med publikum .

En engelsk parallell til Nouvelle Vague er til en viss grad gratis kino , som blomstret tidlig på 1960-tallet. Filmene fortalte for det meste historier fra den engelske arbeiderklassen og gjorde dermed oppmerksomhet mot sosiale klager. Filmatiseringer av forfatteren Alan Sillitoe er mest kjent .

Også i Latin-Amerika dukket det opp en ny filmstil som hadde sin opprinnelse i befolkningens kamp mot politisk og økonomisk undertrykkelse, den såkalte Cinema Novo . På 1960-tallet så kunstnere seg ofte som politiske aktører, og det ble derfor ikke bare laget en rekke politisk relevante filmer i Latin-Amerika: i mange østeuropeiske land reiste filmskapere seg mot de diktatoriske regimene.

Tysk film ble også revolusjonert: en gruppe unge filmskapere viet seg til stilistiske og innholdsinnovasjoner innen film. På den ene siden ble tradisjonelle stilkonvensjoner kastet over bord, på den andre siden handlet de nye filmene ofte om politisk eksplosive temaer. Innflytelsesrike regissører av den nye tyske kinoen var Werner Herzog , Volker Schlöndorff , Wim Wenders , Hans-Jürgen Syberberg og Rainer Werner Fassbinder .

Francis Ford Coppola på Cannes International Film Festival , 2001
Steven Spielberg (viktig filmregissør på 70-, 80-, 90-tallet og i dag.)

Amerikanske filmer fulgte, om enn litt senere, denne fornyelsestiden med New Hollywood- kino. Arthur Penns Bonnie og Clyde (1967) og Mike Nichols ' The Graduation Examination (1967) regnes som utgangspunktet for denne tiden . 1971 markerte et annet vendepunkt med filmene A Clockwork Orange , The French Connection og Dirty Harry . Amerikansk kino blir mer politisk og samfunnskritisk, og regissører som Martin Scorsese og Francis Ford Coppola er stadig mer opptatt av sosiale realiteter som sex og vold . Skrekkgenren finner også et rush med filmene The Exorcist (1973), Blood Court in Texas (1974), Carrie of Satans Youngest Daughter (1976), Zombie (1978) og Halloween the Night of Horror (1978). Spesielt John Carpenters skrekkfilm Halloween med lav budsjett utløste slasherfilmene på 80- og 90-tallet med mange vellykkede imitatorer.

Etter at budsjettene ble større og større etter suksessen til filmer som Coppolas The Godfather (1972) eller Scorsese's Taxi Driver (1976), tok New Hollywood slutt med verk som Heaven's Gate (1980) eller Apocalypse Now (1979).

Viktige filmer fra sekstitallet: Psycho - Breakfast at Tiffany's - Jules and Jim - The Birds - Lawrence of Arabia - Stolen Kisses - Spartacus - Dr. Strange or How I Learned to Love the Bomb - 2001 A Space Odyssey - Play Me a Song of Death - Dance of the Vampires - James Bond - 007 jager Dr. Nei - For en håndfull dollar - The Ice Cold Angel.

Stanley Kubrick (filmvisjonær fra 60-, 70- og 80-tallet) som gjenoppfant filmmediet med sine kontroversielle temaer.

Viktige filmer fra syttitallet: En fløy over gjøkyret - bord og seng - Apokalypse nå - Saturday Night Fever - En kvinne under påvirkning - Star Wars - Den amerikanske natten - Den siste tangoen i Paris - Den store hvite haien - Aguirre, Guds vrede - Nært møte av det tredje slaget.

Mellom høyglans og høy standard (1980- og 1990-tallet)

Største land for spillefilmproduksjon
i 1985
rang land Nummer
1. India 905
2. forente stater 356
3. Japan 319
4. plass Tyrkia 185
5. Filippinene 158
... Tyskland 64
... Sveits 44
... Østerrike 12. plass
Verdensproduksjon 4,202

Etter at spredningen av videoopptakere økte fra midten av 1970-tallet og opprinnelig ble møtt med stor mistenksomhet av filmindustrien, ble fordelene deres senere tydelige. Ved å markedsføre videokassetter, kunne produksjoner som manglet suksess på kino lønne seg. På den annen side ble det gjort forsøk på å bygge videre på suksessene til storfilmer som Jaws (1975) og Star Wars (1977). I musikksektoren ble musikkvideoen et viktig markedsføringsverktøy og samtidig en kreativ inspirasjonskilde for kinoproduksjoner og påvirket produsenter som Don Simpson med filmer som Flashdance (1983), Beverly Hills Cop eller Top Gun (1986) ). Fremfor alt formet produsentene og regissørene George Lucas og Steven Spielberg tiåret med filmserier som Indiana Jones og Star Wars . I England var produsent David Puttnam vellykket med filmene Die Hour des Sieger (1981), Gandhi (1982), The Killing Fields (1984) og Rooms with a View (1985).

Vellykkede filmer fra åttitallet: Amadeus - Blade Runner - Brazil - Pretty Woman - The Name of the Rose - Paris, Texas - Subway - Diva - ET the Extra-Terrestrial - Shining - Full Metal Jacket - Good Morning, Vietnam - The Dead Poets Klubb - Tilbake inn i fremtiden - Harry og Sally - Terminator - Dirty Dancing.

På 1990-tallet steg budsjettene til Hollywood-produksjoner til svimlende høyder. I tillegg utvidet de tekniske mulighetene, datorgenererte spesialeffekter ble standarden i mange vanlige filmer , spesielt innen action- og fantasy- sjangrene . Spesielt dyre produksjoner som Titanic , Armageddon og Jurassic Park ble billettkassesuksessene i tiåret. I løpet av denne utviklingen ble begrepet blockbuster populært.

På den annen side kan styrking av uavhengige filmer observeres (parallelt med alternativet i populærmusikk). Mens produksjoner med lavere budsjett og høyere kunstneriske krav var enda sjeldnere og vanskeligere å posisjonere på markedet på åttitallet, oppnådde uavhengige regissører som Quentin Tarantino , Terry Gilliam , Jim Jarmusch og Coen Brothers betydelig suksess det neste tiåret . Mange uavhengige filmer var ikke markedssuksesser, men over tid ble de kultfilmer .

Den tyske filmen var også i stand til å spille inn nye besøkende poster. Spesielt komedier som Men , Schtonk , Kleine Haie , The Moving Man og Knockin 'on Heaven's Door , men også produksjonen Das Boot eller eksperimentelle filmer som Run Lola Run var store suksesser og vakte i noen tilfeller til og med oppmerksomhet i utlandet. En sterkere sjangerdifferensiering og bedre finansieringsmuligheter preger det tyske kinomarkedet de neste årene.

Vellykkede filmer fra 1990-tallet: Kevin - Home Alone - The Silence of the Lambs - Mrs. Doubtfire - Basic Instinct - Jurassic Park - The Lion King - Pulp Fiction - Forrest Gump - Schindler's List - Independence Day - Godzilla - Star Wars: Episode I - Men in Black - Matrix - American Beauty - Titanic - Saving Private Ryan - Ghost - Message from Sam - Good Will Hunting.

De største produksjonslandene for spillefilmer
i 1995
rang land Nummer
1. India 795
2. forente stater 631
3. Japan 289
4. plass Filippinene 175
5. Hong Kong 154
... Tyskland 63
... Sveits 38
... Østerrike 19.
Verdensproduksjon 1) 3,329
1) Det var ingen tall tilgjengelig for noen av de større produserende
landene som Tyrkia, Iran og Pakistan

Dataanimerte animasjonsfilmer

En ny utvikling på 1990-tallet er den dataanimerte animasjonsfilmen. Det første forsøket på å produsere en datamaskinanimert film i full lengde ble laget med The Works på 1980-tallet, men prosjektet mislyktes. 1995-filmen Toy Story av Pixar , i samarbeid med Disney , var den første langfilmen som ble produsert helt på datamaskinen. The Pixar Animation Studios spesialisert lykkes i denne type film og produsert i årene som Småkryp (1998), Toy Story 2 (1999), Monsters, Inc. (2001), Finding Nemo (2003), The Incredibles - The Incredibles (2004), Cars (2006), Ratatouille (2007), WALL-E (2008) og Oben (2009). Som en konkurrent på dette feltet etablerte Dreamworks seg i 1998 med de dataanimerte filmene Antz (1998), Shrek (2001), Big Sharks - Small Fish (2004), Shrek 2 (2004), Madagascar (2005), Shrek the Tredje (2007) og Madagaskar 2 (2008). Som en tredje konkurrent lyktes Blue Sky Studios i å etablere seg som produsent av dataanimerte spillefilmer med suksessfilmene Ice Age (2002), Robots (2005) og Ice Age 2 (2006). Felles for disse filmene at de er den klassiske fortellestrukturen til Disney- tegneseriene, brytes sterkere og historiene ledsages av ironisk humor.

Det nye årtusenet (2000 til i dag)

De største
landene for produksjon av spillefilmer i 2006
rang land Nummer
1. India 1091
2. Nigeria 872
3. forente stater 485
4. plass Japan 417
5. Kina 330
Sjette Frankrike 203
7. Tyskland 174
8. plass. Spania 150
9. Italia 116
10. Sør-Korea 110

I det nye årtusenet fortsatte trenden mot høyt budsjettproduksjoner. På begynnelsen av 2000-tallet kan en ny blomstring av fantasy-sjangeren observeres. Filmserier som Ringenes herre , Harry Potter og Star Wars likte verdensomspennende popularitet. Samtidig er det imidlertid økende interesse for utenlandske produksjoner og uavhengige filmer som Donnie Darko . Populariseringen av filmproduksjon med nye tekniske muligheter gjennom datamaskiner og Internett gir håp om nye trender og innovasjoner. Samtidig ser filmindustrien seg truet av fremveksten av Internett og spesielt P2P-nettverk , som muliggjør massiv, uautorisert distribusjon av filmer.

Tilgang til filmhistorie

Bildet vi har av filmhistorien avhenger av filmene vi i det hele tatt har sett eller var i stand til å se. Alle som for tiden ikke er på filmskole eller studerer filmstudier, har bare begrenset tilgang til filmhistorie. Andre bestemmer hva som går på kino eller TV. I tillegg til de velkjente økonomiske strukturene, er de som er interessert i filmer avhengige av programmakernes smak eller hva de mener er publikums smak. I noen tilfeller kan dette forhåndsvalget korrigeres på eget initiativ (f.eks. Å besøke filmfestivaler ).

Siden oppfinnelsen av videokassetten , og enda mer av DVD-en , har disse begrensningene blitt ignorert mer og mer, illusjonen om fullstendig teknisk tilgjengelighet av filmhistorien var rådende. DVD-utgaver som B. Cinemathek av Süddeutsche Zeitung, som har blitt publisert siden mars 2005, lover enkel og billig tilgang. Faktisk, ifølge mine kritikere, forsterker denne utgaven bare det vanlige, ekstremt forkortede synet på filmhistorien. Den inneholder z. B. ikke en eneste eksperimentell film , ikke en dokumentar , ikke en eneste afrikansk film . I stedet stoler de mer på den økonomisk sikre banken. Fortsettelsen av SZ-Cinemathek, som nå er tilgjengelig, løser i det minste delvis dette problemet. Sofia Coppola ble anerkjent som den første kvinnelige regissøren ( Lost in Translation ). Filmsamlingen, basert på SZ-Cinemathek, Der Österreichische Film , som ifølge navnet utelukkende inneholder østerrikske filmer fra de siste tiårene, tok allerede hensyn til landets eksperimentelle og avantgarde filmskaping i den første, 50- delutgave. Over 100 østerrikske filmer er nå tilgjengelig på DVD.

Det er et veldig variert utvalg av filmer på DVD i engelsktalende land.

Tilgang til filmhistorie har blitt utvidet kraftig via Internett . Omfattende tilbud har blitt skapt her, hvorav noen er gratis (f.eks eksperimentelle filmerUBU Web ), andre er underlagt en kostnad (som de klassiske spillefilmer i den Criterion Collection online Cinemateket ).

Se også

litteratur

weblenker

Wiktionary: Filmhistorie  - forklaringer på betydninger, ordets opprinnelse, synonymer, oversettelser

Individuelle bevis

  1. Hva ble den første filmen noensinne laget? 14. november 2017. Hentet 9. september 2019 (amerikansk engelsk).
  2. ^ A b c Ulrich Schmidt: Digital film- og videoteknologi. 2. utgave. Hanser Verlag, 2008, s.11.
  3. ^ Christian Ortner: Det østerriksk-ungarske artilleriet fra 1867 til 1918. Teknologi, organisering og kampmetoder. Wien 2007, s.73.
  4. ^ Ulrich Schmidt: Digital film- og videoteknologi. 2. utgave. Hanser Verlag, 2008, s. 12.
  5. ^ Ulrich Schmidt: Digital film- og videoteknologi. 2. utgave. Hanser Verlag, 2008, s. 13.
  6. David Robinson: Chaplin. Hans liv, hans kunst. Diogenes Verlag, Zürich 1989.
  7. James L. Neibaur: The Fall of Buster Keaton. Hans filmer for MGM, pedagogiske bilder og Columbia. Scarecrow Press, Plymouth 2010.
  8. Jeffrey Vance, Suzanne Lloyd: Harold Lloyd. Mester komiker. Harry N. Abrams, Inc., New York 2002.
  9. Y Randy Skretvedt: Laurel and Hardy: The Magic behind the Movies. Andre utgave. Tidligere tider, Beverly Hills 1996.
  10. Helmut G. Asper: Noe bedre enn døden - filmeksil i Hollywood. Schüren Verlag, Marburg 2002, s. 20, 28.
  11. a b c VERDENSFILMPRODUKSJON / DISTIBUSJON [sic] Verdens filmproduksjon (utdrag) ( Memento fra 11. oktober 2011 i Internet Archive ) (PDF; 280 kB). I: Screen Digest, juni 2006, s. 205-207. På: fafo.at
  12. www.matchflick.com av 9. november 2009.
  13. ^ Katzenbach, Christian: Filmindustrien og bredbåndsinternett. En medieøkonomisk klassifisering (seminaroppgave), Freie Universität Berlin, januar 2006, s. 11 f. På: cultiv.net vist 30. desember 2014
  14. filmsite.org
  15. unesco.de
  16. jungle-world.com sett 8. desember 2008.
  17. Oversikt i: Ian Haydn Smith: Home Entertainment I: Ian Haydn Smith (red.): International Film Guide 2009. Wallflower Press, London / New York, s. 76–88 https://web.archive.org/web/ 20100816043155 / http: //www.internationalfilmguide.com/docs/2009/04/Home_Entertainment.pdf (PDF).
  18. ubu.com, nås på 5 august 2009.
  19. criterion.com. Hentet 5. august 2009.